Uploaded November 2010 | Updated September 2026, 3 days ago
Peter Ane (Peter) Schat (Utrecht, 5 juni 1935 - Amsterdam, 3 februari 2003) was een Nederlands componist. Schat studeerde aan het Koninklijk Conservatorium in Den Haag bij Kees van Baaren. Hij gold al tijdens zijn opleiding als een groot talent.
Schat was een van de oprichters van de Amsterdamse Studio voor Elektro-Instrumentale Muziek (STEIM). Ook ontwikkelde hij de toonklok.
In zijn geboortestad Utrecht studeerde Schat piano bij Jaap Callenbach en in Den Haag bij Kees van Baaren. Daarna werd hij leerling in Londen bij Matyas Seiber, gevolgd door studies bij Pierre Boulez in Bazel.
Als componist ontwikkelde hij zich in de jaren vijftig. Hij begon, zoals vele componisten in die tijd, met componeren via structurele processen. Dit is dan ook goed merkbaar in zijn eerste stukken. Later zou hij juist meer de werking tussen de emotie van de componist en zijn publiek vertalen in zijn werk. Hij dreef zelfs naar het sociale en politieke engagement: Schat was in de jaren zestig actief in de bewegingen voor maatschappelijke hervorming. Zijn werken uit die tijd stelden zich ook in dienst, zoals men dat noemt, van democratische idealen.
Aan het eind van de jaren zestig verstomde dit en begonnen zijn werken meer verwijzingen naar muziekstijlen uit het verleden te vertonen; eerst ironisch bedoeld, later meer vanuit het historische oogpunt. In de loop der jaren zeventig deed hij afstand van het muzikale modernisme. Hij sloot zich aan bij de meer traditionele muziek en omarmde het eens zo geviseerde 'traditionele' Concertgebouworkest. (Nog in 1969 had een beweging fel geprotesteerd tijdens een concert van dit orkest, met de zogeheten Notenkrakersactie. Schat was één van de belangrijkste figuren in deze protestbeweging.)
Vanaf 1974 tot 1983 was Schat leraar compositie aan het Koninklijk Conservatorium te Den Haag. In de laatste jaren van zijn docentschap ontwikkelde hij de Toonklok. Volgens de basis van dit principe en systeem dient de samenklank en opeenvolging van tonen gedicteerd te worden door muzikale wetten en niet door 'administratieve manipulatie', zoals zich voordoet in het serialisme. Vanuit die basis ontwikkelde hij een compositiesysteem, dat op drieklanken was gebaseerd. Hierin staan de muzikale relaties tussen tonen op een niet-hiërarchische basis centraal. Een nieuwsoortig 'chromatische tonaliteit' was het resultaat. Hiermee zou de breuk met de geschiedenis zijn hersteld, aldus Schat zelf.
Dit compositiesysteem maakte hij in 1982 bekend in een publicatie in NRC Handelsblad. Nadien verschenen hierover boeken van zijn hand: De toonklok: essays en gesprekken over muziek (1984), De wereld chromatisch (1989) en The tone clock (1993).
In 1988 hield Schat in Leiden de Huizingalezing onder de titel 'Adem, een vergelijking'.
Peter Schat leefde jarenlang samen met de actrice Marina Schapers, die overleed op 26 juli 1981 in Griekenland. Schapers, Schat en hun zoontje Bastiaan waren er op vakantie met Schapers' vriendin Kitty Courbois en haar kind. Deze gebeurtenis was inspiratiebron voor het boek Lucifer van de schrijfster Connie Palmen.
Peter Schat overleed in 2003 aan kanker.
Peter Ane (Peter) Schat (Utrecht, 5 juni 1935 - Amsterdam, 3 februari 2003) was een Nederlands componist. Schat studeerde aan het Koninklijk Conservatorium in Den Haag bij Kees van Baaren. Hij gold al tijdens zijn opleiding als een groot talent.
Schat was een van de oprichters van de Amsterdamse Studio voor Elektro-Instrumentale Muziek (STEIM). Ook ontwikkelde hij de toonklok.
In zijn geboortestad Utrecht studeerde Schat piano bij Jaap Callenbach en in Den Haag bij Kees van Baaren. Daarna werd hij leerling in Londen bij Matyas Seiber, gevolgd door studies bij Pierre Boulez in Bazel.
Als componist ontwikkelde hij zich in de jaren vijftig. Hij begon, zoals vele componisten in die tijd, met componeren via structurele processen. Dit is dan ook goed merkbaar in zijn eerste stukken. Later zou hij juist meer de werking tussen de emotie van de componist en zijn publiek vertalen in zijn werk. Hij dreef zelfs naar het sociale en politieke engagement: Schat was in de jaren zestig actief in de bewegingen voor maatschappelijke hervorming. Zijn werken uit die tijd stelden zich ook in dienst, zoals men dat noemt, van democratische idealen.
Aan het eind van de jaren zestig verstomde dit en begonnen zijn werken meer verwijzingen naar muziekstijlen uit het verleden te vertonen; eerst ironisch bedoeld, later meer vanuit het historische oogpunt. In de loop der jaren zeventig deed hij afstand van het muzikale modernisme. Hij sloot zich aan bij de meer traditionele muziek en omarmde het eens zo geviseerde 'traditionele' Concertgebouworkest. (Nog in 1969 had een beweging fel geprotesteerd tijdens een concert van dit orkest, met de zogeheten Notenkrakersactie. Schat was één van de belangrijkste figuren in deze protestbeweging.)
Vanaf 1974 tot 1983 was Schat leraar compositie aan het Koninklijk Conservatorium te Den Haag. In de laatste jaren van zijn docentschap ontwikkelde hij de Toonklok. Volgens de basis van dit principe en systeem dient de samenklank en opeenvolging van tonen gedicteerd te worden door muzikale wetten en niet door 'administratieve manipulatie', zoals zich voordoet in het serialisme. Vanuit die basis ontwikkelde hij een compositiesysteem, dat op drieklanken was gebaseerd. Hierin staan de muzikale relaties tussen tonen op een niet-hiërarchische basis centraal. Een nieuwsoortig 'chromatische tonaliteit' was het resultaat. Hiermee zou de breuk met de geschiedenis zijn hersteld, aldus Schat zelf.
Dit compositiesysteem maakte hij in 1982 bekend in een publicatie in NRC Handelsblad. Nadien verschenen hierover boeken van zijn hand: De toonklok: essays en gesprekken over muziek (1984), De wereld chromatisch (1989) en The tone clock (1993).
In 1988 hield Schat in Leiden de Huizingalezing onder de titel 'Adem, een vergelijking'.
Peter Schat leefde jarenlang samen met de actrice Marina Schapers, die overleed op 26 juli 1981 in Griekenland. Schapers, Schat en hun zoontje Bastiaan waren er op vakantie met Schapers' vriendin Kitty Courbois en haar kind. Deze gebeurtenis was inspiratiebron voor het boek Lucifer van de schrijfster Connie Palmen.
Peter Schat overleed in 2003 aan kanker.
![Johannes Brahms, 4 Pieces for Piano Op 119, 1 & 2 Beth Levin, Piano
Four Pieces for Piano, Op. 119 by Johannes Brahms - Beth Levin, Piano
1. Intermezzo: Adagio
2. Intermezzo: Andantino poco adagio
The poetic mood of the first intermezzo from Op. 119 belies its vague title. In a letter from May 1893 to Clara Schumann, Brahms wrote:
I am tempted to copy out a small piano piece for you, because I would like to know how you agree with it. It is teeming with dissonances! These may [well] be correct and [can] be explained—but maybe they wont please your palate, and now I wished, they would be less correct, but more appetizing and agreeable to your taste. The little piece is exceptionally melancholic and to be played very slowly is not an understatement. Every bar and every note must sound like a ritard[ando], as if one wanted to suck melancholy out of each and every one, lustily and with pleasure out of these very dissonances! Good Lord, this description will [surely] awaken your desire!
Clara Schumann was enthusiastic and asked him to send the remaining pieces of his new work.
Beth Levin is an acclaimed recitalist, concerto soloist, chamber musician and recording artist. A pianist of rare qualities and the highest professional caliber, states pianist Paul Badura-Skoda of Beth, and throughout her celebrated career she has approached both the Romantic repertoire and contemporary composers with equal facility and grace.
At age 12, Beth made her debut with the Philadelphia Orchestra, and soon after was selected to study with Rudolf Serkin at the Curtis Institute of Music. Mr. Serkin was an inspiration the moment he walked into a room, she recalls, a single word evoking the eloquence of a poem.
Beth made her New York solo recital debut in 1982 at the Metropolitan Museum of Art. In 2007, she performed Johann Sebastian Bachs Goldberg Variations at Steinway Hall in New York City, a return for her to a composer in the first repertoire I had studied as a child.
As a concerto soloist, Beth has appeared with The Philadelphia Orchestra, the Boston Pops Orchestra, the Boston Civic Symphony, the Seattle Symphony Orchestra, and numerous other symphony orchestras throughout the Americas, working with noted conductors such as William Smith, Arthur Fiedler, Benjamin Zander, Tonu Kalam, Sidney Rothstein, Milton Katims, Silas Huff and Joseph Silverstein.
Chamber music festival collaborations brought her to the Marlboro Festival, Casals Festival, Harvard, the Edinburgh Fringe Festival, the Ankara Music Festival and the Blue Hill Festival. As a Music From Marlboro artist, she toured the United States and Canada.
A founding member of the Gramercy Trio, the American Arts Trio and Vista Lirica, Beth has also collaborated with the Audubon Quartet, the Vermeer Quartet, The Reykjavik Woodwind Quintet, the Daniel Quartet, the Boston Artists Ensemble and the Saratoga Chamber Players, as well as touring Europe extensively with Trio Borealis. Her recordings include Bachs Goldberg Variations, released on Centaur Records in 2008.
As a soloist, chamber musician and interpreter of contemporary music, Beth performed and recorded works by Alan Campbell, Marc Eychenne, Brian Fennelly, Steven R. Gerber, Henryk Górecki, Louis Karchin, Michael Rose, Allen Shearer, Scott Wheeler and David Del Tredici. Beth Levins musical education began with Maryan Filar at the Settlement Music School in Philadelphia, and in addition to Rudolf Serkin, her teachers included Leonard Shure at Boston University and Dorothy Taubman in New York City. Johannes Brahms, 4 Pieces for Piano Op 119, 1 & 2 Beth Levin, Piano](https://i.ytimg.com/vi/KwBCRM5tx-g/mqdefault.jpg)


![Wallingford Riegger, Fantasy for Orchestra and Organ (1931) - Part 1 of 2.mpg
Wallingford Constantine Riegger (April 29, 1885 - April 2, 1961) was a prolific American music composer, well known for orchestral and modern dance music, and film scores. He was born in Albany, Georgia, but lived much of his life in New York City. He is noted for his use of Arnold Schoenbergs twelve-tone technique.
Riegger was born in 1885 to Ida Wallingford and Constantine Riegger. After his fathers lumber mill burned down in 1888, his family moved to Indianapolis, and later to Louisville, finally settling in New York in 1900. A gifted cellist, he graduated from the first graduating class of the Institute of Musical Art, later known as the Juilliard School, in 1907, after studying under Percy Goetschius. He continued his studies at the Hochschule für Musik in Berlin for three years. After returning in 1910, he married Rose Schramm, with whom he later had three daughters, in 1911. For a time, he returned to Germany and accepted various conducting positions, but this was interrupted by the joining of America in World War I in 1917, after which he moved back to America. From 1918 to 1922, he taught music theory and violoncello at Drake University. During the greater part of the time from 1930 to 1956, he continued publishing music and taught at various universities in New York, notably the Institute of Musical Art and Ithaca College. In 1957, he was called before the House Un-American Activities Committee, which was investigating Communism in the musical world. In 1958, Leonard Bernstein honored him by conducting his Music for Orchestra with the New York Philharmonic Orchestra. He died in New York in 1961 when he tripped over the leashes of two fighting dogs, resulting in a fall and a head injury from which he did not recover despite treatment.
His students included Alan Stout and Merton Brown. We have heard that when, toward the end of his life, George Gershwin told his friend (and tennis partner) Arnold Schoenberg that we wanted to study composition seriously, Schoenberg suggested that Gershwin study with Riegger. (We would very much like to confirm this story. The official version is that when Gershwin asked Schoenberg for composition lessons. Schoenberg refused, saying I would only make you a bad Schoenberg, and youre such a good Gershwin already. Again, what we heard was that Schoenberg then suggested Riegger.)
Riegger was known for his use of Schoenbergs twelve-tone system, but he did not use it in all of his compositions. For example, Dance Rhythms was not written in this style. Aside from Schoenberg, Riegger was also significantly influenced by his friends Henry Cowell and Charles Ives. Along with Cowell, Ives, Carl Ruggles, and John J. Becker, Riegger was a member of the group of American modernist composers known as the American Five.
Starting in the mid 1930s, Riegger began to write contemporary dance music. Later, as his career progressed, he began to use Schoenbergs twelve-tone technique more and more often, though he did occasionally revert to his earlier styles. From 1941 on, he focused almost solely on instrumental music, and his Symphony No. 3 received the New York Music Critics Circle Award and a Naumburg Foundation Recording Award.
[We apologize for the couple of skips in this very old LP.] Wallingford Riegger, Fantasy for Orchestra and Organ (1931) - Part 1 of 2.mpg](https://i.ytimg.com/vi/LH_Sw0t1YKc/mqdefault.jpg)



![Villa-Lobos, String Quartet No. 5 (1931), ii. Vivo e energico, Lento, Tempo Primo
I love to write quartets. One would say that it is a mania. Heitor Villa-Lobos made this confession, quoted by Pierre Vidal, in Paris in the spring of 1958. He had completed his seventeenth and final quartet the year before and had begun to sketch an eighteenth. Villa-Lobos attributed his knowledge of the string quartet to his study of Haydn.
The period from 1917 to 1931 saw the creation of major orchestral works, among them Uirapu, Amazonas and the six orchestral Choros. Much of that time was spent in Paris, where Villa-Lobos came in contact with Ravel, Dukas, Falla, Schmitt, Honegger, Stravinsky, Prokofieff, Casella and Varèse. His return to the string quartet in 1931 produced one isolated example, the fifth, or Quartetto Popular No. 1, among the most immediately appealling of all Villa-Loboss quartets and at the same time one of the most inventive. Its firm tonal sense and clearly drawn melodies, some of popular origin, coexist with extraordinary creativity and imagination. Departing from the composers usual and simpler tenary pattern, the quartets first movement consists of seven parts, arranged to suggest an overall tripartite structure. The second movement (presented in this installment) borders on the miraculous [we agree]. To begin, it quotes the first part of a nursery tune, cai, cai baiao, in dazzling fashion with descending scales and polyrhythms. Modulation from F major to d minor brings a soulful melody (foreshadowed in the first movement right after the modinha), while fantastic sul ponticello effects and swirling figurations screate an air or profound mystery.
The Danubius Quartet was established in 1983 under the artistic direction of the distinguished violinst Vilmos Tatrai, and has won awards in Trapani, Evian and Graz. Villa-Lobos, String Quartet No. 5 (1931), ii. Vivo e energico, Lento, Tempo Primo](https://i.ytimg.com/vi/LsKZ4-0IyTk/mqdefault.jpg)


