Ópera Götterdämmerung de Richard Wagner com legendas em portugues ClarindOOliveira 2023-08-06 | Os quatro dramas musicais que compõem o ciclo do anel são, em ordem cronológica do enredo: 1- Das Rheingold (O Ouro do Reno), 2- Die Walküre (A Valquíria), 3- Siegfried e 4- Götterdämmerung (O Crepúsculo dos Deuses). Apesar delas serem apresentadas como obras individuais, a intenção de Wagner era apresentá-las em série. (Total de 14:30 de música)Götterdämmerung (em alemão: [ˈɡœtɐˌdɛməʁʊŋ] Crepúsculo dos Deuses) WWV 86D, é o último do ciclo de Richard Wagner de quatro dramas musicais épicos intitulados Der Ring des Nibelungen (O Anel do Nibelungo, ou O Ciclo do Anel ou O Anel). Recebeu sua estreia no Bayreuth Festspielhaus em 17 de agosto de 1876, como parte da primeira apresentação completa de toda a obra.O título é uma tradução para o alemão da frase nórdica antiga Ragnarök, que na mitologia nórdica se refere a uma guerra profetizada entre vários seres e deuses que, em última análise, resulta na queima, imersão na água e renovação do mundo. Tal como acontece com o resto do Anel, no entanto, o relato de Wagner diverge significativamente dessas fontes nórdicas antigas.
Oratorio A Paixão Segundo Matheus J S Bach com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-12-21 | A Paixão segundo Matheus BWV 244 (em latim: Passio Domini nostri Jesu Christi secundum Evangelistam Matthaeum; em alemão: Matthäus-Passion), mais conhecida em países católicos como Paixão segundo São Matheus, é um oratório de Johann Sebastian Bach, que representa o sofrimento e a morte de Cristo segundo o Evangelho de Matheus, com libreto de Picander (Christian Friedrich). Com uma duração de mais de duas horas e meia (em algumas interpretações, mais de três horas) é a obra mais extensa do compositor. Trata-se, sem dúvida alguma, de uma das obras mais importantes de Bach e uma das obras-primas da música ocidental. Esta e a Paixão segundo João são as únicas Paixões autênticas do compositor conservadas em sua totalidade. A Paixão segundo Matheus consta de duas grandes partes constituídas de 68 números, em que se alternam coros, corais, recitativos, ariosos e árias. A Paixão segundo Matheus foi escrita, provavelmente, em 1727. Apenas duas das quatro (ou cinco) composições sobre a Paixão de Cristo, que Bach escreveu, subsistiram integralmente; a outra é a Paixão segundo João. A obra foi apresentada pela primeira vez na Sexta-feira da Paixão de 1727 ou na Sexta-feira da Paixão de 1729 na Thomaskirche (Igreja de São Tomás) em Leipzig, onde Bach era o Kantor. Ele a revisou em 1736, apresentando-a novamente em março desse mesmo ano, incluindo dessa vez dois órgãos na instrumentação. A Paixão segundo Matheus não foi ouvida fora de Leipzig até 1829, quando Felix Mendelssohn apresentou uma versão abreviada em Berlim e foi vivamente aclamado. A redescoberta da Paixão segundo Matheus através de Mendelssohn expôs a música de Bach — principalmente suas grandes obras — à maior atenção pública e acadêmica que persiste até os dias atuais. Bach trabalhou junto com o libretista Christian Friedrich Henrici, conhecido como Picander, o qual publicou o texto da Paixão Segundo Matheus em 1729. O texto bíblico utilizado para a Primeira Parte é Matheus 26:1–56. A Segunda Parte utiliza Matheus 26:57–75 e Matheus 27:1–66. Além disso, Cantares de Salomão 6:1 é usado na primeira ária (com coro) da Parte 2.Estrutura: Muitos compositores escreveram composições sobre a Paixão de Cristo no século XVII. Como outras Paixões em forma de oratório, a composição de Bach apresenta o texto bíblico de Mateus, de um modo relativamente simples, usando, prioritariamente, recitativos, enquanto nas árias e ariosos emprega textos poéticos, que comentam os vários eventos da narrativa bíblica. Dois aspectos distintos da composição de Bach brotam de seus outros esforços eclesiásticos. Um deles é o formato de coro-duplo, que se origina em seus próprios motetos a coro-duplo e os muitos motetos desse tipo, escritos por outros compositores, com os quais ele iniciava rotineiramente os cultos dominicais. O outro é o uso abundante de corais, que aparece na composição padrão a 4 partes, como interpolações em árias, e como um cantus firmus em extensos movimentos polifônicos, notadamente "O Mensch, bewein dein' Sünde groß," a conclusão do primeiro meio-movimento que essa obra tem em comum com a sua Paixão segundo João e o coro inicial, Kommt, ihr Tochter, helft mir Klagen, no qual o soprano in ripieno coroa a colossal edificação da tensão polifônica e harmonica, cantando um verso do coral O Lamm Gottes, unschuldig (atribuído a Nikolaus Decius (1541). Os manuscritos remanescentes consistem de oito partituras concertate, usadas por oito solistas que também atuavam nos dois coros, umas poucas partes extras, e uma parte para o soprano in ripieno. Ao contrário da Paixão segundo João, onde existem partes de ripieno dobrando os coros, existe pouca evidência de que se usavam cantores adicionais além dos solistas que cantavam nos coros. A narração dos textos do Evangelho é cantada pelo tenor Evangelista em recitativo secco acompanhado apenas pelo contínuo. Solistas cantam as palavras de vários personagens, mesmo em recitativos; além de Jesus, há partes designadas para Judas, Pedro, Caifás (o sumo sacerdote), Pôncio Pilatos, mulher de Pilatos, e duas ancillae (serventes), embora nem sempre sejam cantadas por diferentes solistas. A esses "personagens" solistas são freqüentemente designadas árias além de cantarem no coro, prática nem sempre seguida pelos intérpretes modernos. Dois duetos são cantados por um par de solistas, representando dois falantes simultâneos, e um grande número de passagens para vários falantes, chamados turba (ou multidão), são cantadas por um dos dois coros. As passagens da turba não são recitativos, mas são música métrica convencional. Os recitativos cantados por Jesus são particularmente diferentes, pelo fato de serem acompanhados não apenas pelo contínuo, mas por toda a seção de cordas da 1ª orquestra (recitativo accompagnato), usando notas longas e criando um som sustentado chamado freqüentemente de "halo" de Jesus. Apenas as palavras finais Eli, Eli, lama sabactani (Deus meu, Deus meu, por que me desamparaste?), são cantadas sem esse "halo".
Opera Der Rosenkavalier (O cavaleiro da rosa) de Strauss com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-11-20 | Der Rosenkavalier (O Cavaleiro da Rosa ou O Portador da Rosa), Op. 59, é uma ópera cômica em três atos de Richard Strauss com libreto original alemão de Hugo von Hofmannsthal. É vagamente adaptado do romance Les amours du chevalier de Faublas de Louvet de Couvrai e da comédia Monsieur de Pourceaugnac de Molière. ] Foi apresentada pela primeira vez na Königliches Opernhaus em Dresden em 26 de janeiro de 1911 sob a direção de Max Reinhardt, Ernst von Schuch conduzindo. Até a estreia, o título provisório era Ochs auf Lerchenau. (A escolha do nome Ochs não é acidental, pois em alemão "Ochs" significa "boi", que descreve o caráter do Barão ao longo da ópera.)A ópera tem quatro personagens principais: o aristocrático Marschallin; seu amante muito jovem, o conde Otaviano Rofrano; seu primo brutal Barão Ochs; e a futura noiva de Ochs, Sophie von Faninal, filha de um burguês rico. Por sugestão do Marschallin, Otaviano atua como Rosenkavalier de Ochs, apresentando uma rosa de prata cerimonial a Sofia. No entanto, os jovens se apaixonam na hora, e logo inventam uma intriga cômica para libertar Sophie de seu noivado. Eles conseguem isso com a ajuda do Marschallin, que então entrega Otaviano à mulher mais jovem. Embora seja uma ópera cômica, o trabalho incorpora alguns temas de peso (particularmente através do arco de personagens do Marschallin), incluindo infidelidade, envelhecimento, predação sexual e altruísmo no amor (ou a falta dele).Der Rosenkavalier é notável por sua exibição da voz feminina, como suas protagonistas (soprano lírico leve Sophie, mezzo-soprano Octavian, e a soprano dramática madura Marschallin) são escritas para serem retratadas por mulheres, que compartilham vários duetos, bem como um trio no clímax emocional da ópera. Alguns cantores desempenharam dois ou mesmo todos esses três papéis ao longo de suas carreiras.Há muitas gravações da ópera e é regularmente realizada.Richard Strauss conheceu Hugo von Hofmannstal em 1899 em Berlim. Strauss ficou posteriormente impressionado com a peça de Hofmannsthal, Elektra (1903), e adaptou-a para uma ópera que estreou em 25 de janeiro de 1909. Durante esse processo, eles concordaram em colaborar em um novo projeto que seria mais cômico em tom. Depois que a comédia de Hofmannstal, Christinas Heimreise, foi rejeitada por Strauss e as peças de Molière deram poucos frutos, Hofmannsthal visitou Harry Graf Kessler em Weimar. Ao longo de alguns dias em fevereiro de 1909, Hofmannsthal e Kessler elaboraram um cenário inspirado em uma opereta de 1907 que Kessler tinha visto em Paris: o escritor de L'Ingénu libertin Louis Artus e o compositor Claude Terrasse. Strauss aprovou o esboço do enredo e o trabalho começou a sério. O texto do Ato I foi escrito em fevereiro-março de 1909, com sua música terminada em maio. Durante o verão, Strauss compôs o Ato II, colaborando com Hofmannstal para adicionar mais comédia e reviravoltas. Na primavera de 1910, os dois primeiros atos foram impressos e Hofmannstal terminou de escrever o libreto, embora Strauss não tenha terminado de compor o ato final até 26 de setembro de 1910.
Canto Gregoriano 2 - Gregorian Chant Voices of Tranquility ClarindOOliveira 2024-11-07 | Canto Gregoriano é o canto litúrgico próprio da Igreja Católica. É um gênero de música sacra cristã que tem suas raízes em tradições musicais judaicas de recitação salmódica. Tem seu início no cristianismo primitivo mas sua primeira grande estruturação e unificação se deu em meados do século VII com São Gregório Magno e veio a passar por outra grande estruturação, recuperação e revisão no século XIX pela Abadia de Solesmes. Sendo ainda hoje o canto próprio da Igreja Católica, seu repertório continua sendo executado na liturgia, sobretudo em missas e no ofício divino. É um canto monódico executado por uma schola cantorum em uníssono com eventuais trechos em solo e executado sem acompanhamento de instrumentos, daí o termo a capella. Não tendo um ritmo definido por uma batida, é de ritmo livre, não acompanhando pulsos de duração regular, mas a acentuação do texto. Seus textos são todos em língua latina, com exceção do Kyrie que é em grego e algumas palavras do hebraico como aleluia.Por ser uma música do ritual católico romano tem seus textos predominantemente retirados da Bíblia, sobretudo do Livro de Salmos. Mas em seu repertório também encontra-se canções de autores como São Tomás de Aquino, Santa Hildegarda e até composições tardias com Henri Dumont.Diversos cantos eclesiásticos, de melodias simples, foram desenvolvidos em meio aos Séculos III e IV baseados nos recitativos da liturgia das primeiras gerações de cristãos. Cada região desenvolvia seu próprio repertório, bem como sua forma particular de execução. Dessa forma, antecedendo o que viria a ser tornar o canto gregoriano, têm-se diversos tipos de cantos litúrgicos praticados em regiões diversas, como, por exemplo, o Ambrosiano (em Milão e norte da Itália), Romano (em Roma), Moçárabe (na Península Ibérica), Beneventano (no sul da Itália) e o Galicano (na Gália). Destes antigos repertórios latinos o único que permanece em uso até os dias de hoje é o milanês. Advindos de manuscritos do século XII é conhecido home como canto ambrosiano e recebe este nome em homenagem a Santo Ambrósio, arcebispo de Milão no século IV Sabe-se muito pouco sobre como era a execução dos cantos, ainda não existia uma notação musical e toda melodia era transmitida de forma oral e os cantos memorizados. Porem, o repertório é bem conhecido hoje. Tem-se conhecimento de cinco livros escritos entre os séculos XI e XIII que registram os repertórios que eram cantados em basílicas romanas da época. Quando comparados entre si, as diferenças são mínimas dando assim uma solidez em determinar qual era este repertório.
Ópera Medea de Luigi Cherubini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-19 | Medea é uma ópera-cômica em língua francesa de Luigi Cherubini. O libreto de François-Benoît Hoffman (Nicolas Étienne Framéry) foi baseado na tragédia de Medeia de Eurípides e na peça Médée de Pierre Corneille. Está situado na antiga cidade de Corinto. A ópera estreou em 13 de março de 1797 no Théâtre Feydeau, Paris. Teve uma recepção morna e não foi imediatamente revivido. Durante o século XX, foi geralmente executada em tradução italiana como Medeia, com o diálogo falado substituído por recitativos não autorizados pelo compositor. Mais recentemente, algumas performances usaram a versão original de Cherubini.A ária final há muito perdida, que Cherubini parece ter escapado de seu manuscrito original, foi descoberta por pesquisadores da Universidade de Manchester e da Universidade de Stanford empregando técnicas de raios-x para revelar as áreas escurecidas do manuscrito de Cherubini. • 1800: A tradução alemã de Karl Alexander Herklots foi estreada em Berlim em 17 de fevereiro de 1800• 1802: Outra tradução alemã de Georg Friedrich Treitschke foi estreada em Viena em 6 de novembro de 1802.• 1809: A versão abreviada da tradução de Treitschke foi dada em Viena, onde Cherubini produziu uma versão que omitiu cerca de 500 barras de música• 1855: A versão alemã de Franz Lachner foi dada em Frankfurt. Esta foi baseada na versão abreviada de Viena, mas com recitativos compostos por Lachner que substituíram o diálogo falado.• 1865: A estreia no Reino Unido foi dada em italiano no Teatro de Sua Majestade em 6 de junho, com recitativos de Luigi Arditi, e Thérèse Tietjens no papel-título. O filho e o neto de Cherubini estavam entre a plateia. Este desempenho recebeu uma crítica altamente entusiástica no The Times.• 1909: A tradução italiana da versão Lachner por Carlo Zangarini foi preparada para sua estreia italiana no Teatro alla Scala, em 30 de dezembro de 1909, e estrelada por Ester Mazzoleni. Foi esta versão híbrida que foi revivida em 1953 para Maria Callas.Talvez o renascimento mais famoso da obra no século 20 tenha sido em Florença, em 1953, com Maria Callas no papel-título, conduzido por Vittorio Gui. Callas aprendeu e desempenhou o papel dentro de uma semana, para aclamação da crítica. A produção foi tão bem sucedida que o Teatro alla Scala decidiu encenar esta ópera durante a semana de abertura de sua temporada 1953-1954, com Leonard Bernstein substituindo um indisposto Victor de Sabata e encenado por Margherita Wallmann.Callas desempenhou o papel ao longo da década de 1950 e início de 1960, com possivelmente a produção mais famosa sendo pela Ópera de Dallas em 1958, conduzida por Nicola Rescigno (com Jon Vickers como Jason e Teresa Berganza como Néris) e dirigida pelo diretor grego Alexis Minotis. Esta produção viajou para a Royal Opera House, Covent Garden, em Londres em 1959, no Ancient Theatre of Epidaurus em 1961 com a colaboração da Ópera Nacional.Grega e para o La Scala (onde alguns minutos foram filmados) em 1961-62. Foi nessas atuações que Callas fez suas últimas aparições na Itália.
Opera Lucio Silla de Mozart com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-07 | Lucio Silla (em italiano: [ˈluːtʃo ˈsilla]), K. 135, é uma ópera italiana em três atos composta por Wolfgang Amadeus Mozart aos 16 anos de idade. O libreto foi escrito por Giovanni de Gamerra, revisado por Pietro Metastasio.Foi apresentada pela primeira vez em 26 de dezembro de 1772 no Teatro Regio Ducale em Milão e foi considerada como "um sucesso moderado".A ópera Silla (1713), de Händel, abordou o mesmo assunto. Outras óperas com o mesmo título também foram compostas por Leonardo Vinci (1723), Pasquale Anfossi (1774) e Johann Christian Bach (1776).Lucio Silla estreou em 26 de dezembro de 1772 em Milão no Teatro Regio Ducale. Sua estreia no Reino Unido foi produzida pela Camden Town Hall em Londres em 1967. Sua estreia nos EUA seguiu em 1968 com uma performance em Baltimore. Entre outras performances, Lucio Silla foi dado pela Ópera de Santa Fé em 2005 e em Varsóvia em 2011 e pela The Classical Opera Company em Londres em 2012. Em 2013, o Gran Teatre del Liceu produziu a ópera em Barcelona e foi apresentada no Mozartwoche Salzburg e no Festival de Salzburgo. O Chicago Opera Theater apresentou a peça em 2015 no Harris Theater for Music and Dance sob a direção do então Diretor Geral Andreas Mitisek. Lucio Silla foi encenado no Teatro Real de Madri em 2017 como parte da programação de comemoração do bicentenário. Em novembro de 2017, La Monnaie, na Bélgica, produziu e executou a ópera em um cenário contemporâneo.
Opera Macbeth de Giuseppe Verdi com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | Macbeth (pronúncia italiana: [ˈmakbet; makˈbɛt]) é uma ópera em quatro atos de Giuseppe Verdi, com libreto italiano de Francesco Maria Piave e adições de Andrea Maffei, baseada na peça homônima de William Shakespeare. Escrita para o Teatro della Pergola em Florença, Macbeth foi a décima ópera de Verdi e estreou em 14 de março de 1847. Foi a primeira peça de Shakespeare que Verdi adaptou para o palco operístico. Quase vinte anos depois, Macbeth foi revisado e expandido para uma versão francesa e dado em Paris em 21 de abril de 1865.Após o sucesso de Átila em 1846, época em que o compositor se tornou bem estabelecido, Macbeth veio antes dos grandes sucessos de 1851 a 1853 (Rigoletto, Il trovatore e La traviata) que o impulsionaram para a fama universal. Como fontes, as peças de Shakespeare forneceram a Verdi inspiração para toda a vida: algumas, como uma adaptação do Rei Lear (como Re Lear) nunca foram realizadas, mas ele escreveu suas duas últimas óperas usando Otelo como base para Otello (1887) e The Merry Wives of Windsor como base para Falstaff (1893).A primeira versão de Macbeth foi concluída durante o tempo que Verdi descreveu como seus "anos de galé", que variaram mais de 16 anos[2] e um que viu o compositor produzir 22 óperas. Para os padrões do assunto de quase todas as óperas italianas durante os primeiros cinquenta anos do século 19, Macbeth era altamente incomum. A versão de 1847 foi muito bem sucedida, e foi amplamente apresentada. Satisfeito com sua ópera e com sua recepção, Verdi escreveu a Antonio Barezzi, seu ex-sogro e apoiador de longa data, cerca de duas semanas após a estreia:Há muito tempo pretendo dedicar uma ópera a vocês, que foram pai, benfeitor e amigo para mim. Era um dever que eu deveria ter cumprido mais cedo se circunstâncias imperiosas não tivessem me impedido. Agora, eu te envio Macbeth, que eu prezo acima de todas as minhas outras óperas, e por isso considero mais digno de te apresentar. [3]A revisão de 1865, produzida em tradução francesa e com vários acréscimos, foi dada pela primeira vez em 21 de abril. Foi menos bem sucedido, e a ópera em grande parte desapareceu da vista do público até meados do século 20 revivals.Influenciado por sua amizade na década de 1840 com Andrea Maffei, um poeta e homem de letras que havia sugerido tanto Die Räuber (Os Ladrões) de Schiller e a peça Macbeth de Shakespeare como temas adequados para óperas, Giuseppe Verdi recebeu uma encomenda do Teatro della Pergola de Florença, mas nenhuma ópera em particular foi especificada. Ele só começou a trabalhar em Macbeth em setembro de 1846, a razão para essa escolha foi a disponibilidade de um cantor em particular, o barítono Felice Varesi que cantaria o papel-título. Com Varesi sob contrato, Verdi poderia se concentrar na música para Macbeth. (Maffei já estava escrevendo um libreto para I masnadieri, que foi baseado na peça sugerida por Schiller, mas poderia ter sido substituído por Macbeth se o barítono não estivesse disponível.) Como resultado de várias complicações, incluindo a doença de Verdi, essa obra não receberia sua estreia até julho de 1847.O texto de Piave foi baseado em uma tradução em prosa de Carlo Rusconi que havia sido publicada em Turim em 1838. Verdi não encontrou a obra original de Shakespeare até depois da primeira apresentação da ópera. No entanto, ele havia lido Shakespeare em tradução por muitos anos, como observado em uma carta de 1865: "Ele é um dos meus poetas favoritos. Tenho-o nas mãos desde a mais tenra juventude".Escrevendo a Piave, Verdi deixou claro o quanto esse assunto era importante para ele: "... Essa tragédia é uma das maiores criações do homem... Se não podemos fazer algo grande com isso, vamos pelo menos tentar fazer algo fora do comum." Apesar das discordâncias e da necessidade de Verdi de constantemente intimidar Piave para corrigir seus rascunhos (a ponto de Maffei ter ajudado a reescrever algumas cenas do libreto, especialmente o refrão das bruxas no Ato 3 e a cena sonâmbula), sua versão segue a peça de Shakespeare bem de perto, mas com algumas mudanças. Em vez de usar três bruxas como na peça, há um grande coro feminino de bruxas, cantando em harmonia de três partes (elas são divididas em três grupos, e cada grupo canta como uma única bruxa, usando "eu" e não "nós"). O último ato começa com uma assembleia de refugiados na fronteira inglesa e, na versão revisada, termina com um coro de bardos celebrando a vitória sobre o tirano.Já em 1852, Verdi foi convidado a rever seu Macbeth para Paris. No início, nada aconteceu, mas em 1864 Verdi foi convidado novamente a fornecer música adicional - um balé e um coro final - para uma produção planejada no Théâtre Lyrique (Théâtre-Lyrique Impérial du Châtelet) em Paris. Em uma carta para seu editor, Giulio Ricordi, pedindo uma cópia da partitura, Verdi afirmou: "Eu gostaria de alongar várias peças para dar à ópera mais caráter".
Opera La gazza ladra de Gioachino Rossini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | La gazza ladra (pronúncia italiana: [la ˈɡaddza ˈlaːdra], The Thieving Magpie) é uma melodramma ou ópera semiseria em dois atos de Gioachino Rossini, com libreto de Giovanni Gherardini baseado em La pie voleuse de Théodore Baudouin d'Aubigny e Louis-Charles Caigniez. The Thieving Magpie é mais conhecido pela abertura, que é musicalmente notável por seu uso de tambores de tarola. Esta seção memorável na abertura de Rossini evoca a imagem do tema principal da ópera: um magpie diabolicamente inteligente e ladrão.Rossini escreveu rapidamente, e La gazza ladra não foi exceção. Uma biografia do século 19 o cita dizendo que o maestro da apresentação de estreia o trancou em uma sala no topo do La Scala um dia antes da estreia com ordens para completar a abertura ainda inacabada da ópera. Ele estava sob a guarda de quatro mãos de palco, cujo trabalho era jogar cada página concluída pela janela para o copista abaixo. A primeira apresentação de The Thieving Magpie foi em 31 de maio de 1817, no La Scala, Milão. Em 1818, Rossini revisou a ópera para produções subsequentes em Pesaro; e depois, em 1819, para o Teatro del Fondo, em Nápoles; em 1820 para o Teatro di San Carlo, em Nápoles; e em 1866 revisou a música para apresentação em Paris. A revisão de 1866 incluiu enfeites e variações escritas especificamente para Giuseppina Vitali, que estava cantando o papel de Ninetta. Ele revisou o papel novamente em 1867 com enfeites e cadenzas para Adelina Patti. A primeira apresentação de The Thieving Magpie na Inglaterra foi no King's Theatre, em Londres, em 10 de março de 1821. Uma ópera-cômica em língua francesa usando o título original do material de origem francês (La pie voleuse) em uma versão traduzida por Castil-Blaze foi estreada em Lille, França, em 15 de outubro de 1822. [3] A primeira apresentação da versão em francês nos Estados Unidos foi no Théâtre d'Orléans, Nova Orleans, em 30 de dezembro de 1824. Em 1941, Riccardo Zandonai compôs uma versão de The Thieving Magpie para um revival da ópera em Pesaro. Em 1979, Alberto Zedda editou a composição original da ópera de Rossini para publicação pela Fondazione Rossini. Em 2013, a Ópera do Bronx, em Nova York, apresentou uma versão em inglês de La gazza ladra.
Opera Madama Butterfly de Giacomo Puccini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | Madama Butterfly é uma ópera em três atos (originalmente em dois atos) de Giacomo Puccini, com libreto de Luigi Illica e Giuseppe Giacosa, baseada no drama de David Belasco, o qual por sua vez se baseia numa história escrita pelo advogado norte-americano John Luther Long.[1] Estreou no Teatro alla Scala de Milão a 17 de fevereiro de 1904. É sobre um tenente da marinha que se apaixona por uma gueixa.Madama Butterfly estreou no Teatro Nacional de São Carlos, ópera de Lisboa a 10 de Março de 1908.A trama da ópera recebeu, mais tarde, uma citação na peça teatral (depois adaptada para o cinema) M. Butterfly, de David Henry Hwang (1988), inspirada no relacionamento entre um diplomata francês, Bernard Boursicot, e um cantor da ópera de Pequim, Shi Pei Pu. O nome Butterfly faz a ligação entre as duas histórias.O Japão era um país quase totalmente isolado do resto do mundo, até que por volta de 1870 um presidente americano mandou uma expedição de reconhecimento a Sua Majestade Imperial, cujo intuito era forjar laços de amizade com o Império do Sol Nascente. Nas décadas que se seguiram, vários oficiais da marinha americana visitaram o Japão e contraíram matrimônios temporários com jovens japonesas. A história de Cio-Cio-San (Butterfly, ou Borboleta), portanto, se baseia em fatos, e descreve as trágicas consequências de um desses matrimônios contraídos com leviandade.Madame Butterfly conta a história do amor, dor e morte de um casal que não estava destinado a ficar junto. Junte-se a nós para descobrir os meandros de uma das óperas mais aplaudidas e imortais da história.Madame Butterfly é uma ópera incrível sobre amor e devoção, que também aborda os profundos problemas sociais trazidos pela Segunda Guerra Mundial. A ópera é estrelada por um abusivo oficial do Exército dos EUA e uma jovem japonesa inocente.Esta ópera é uma das peças mais truculentas do repertório operístico ocidental. Madame Butterfly vem surpreendendo os seus espectadores há mais de um século com um enredo incrível e música excepcional.1904, Madame Butterfly é uma ópera do grande compositor italiano Giacomo Puccini. Lançada em Acompanha a história de Pinkerton, um oficial americano em Nagasaki. Com a ajuda de um cafetão sem escrúpulos, Cio-Cio-San será induzida a se unir temporariamente a Pinkerton. O oficial parte logo depois, deixando Cio-Cio-San sozinha e grávida.
Opera La gazzetta ossia Il matrimonio per concorso de Rossini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | La gazzetta, ossia Il matrimonio per concorso (O Jornal, ou O concurso de casamento) é uma ópera bufa de Gioachino Rossini. O libreto foi escrito por Giuseppe Palomba após a peça Il matrimonio per concorso de Carlo Goldoni de 1763. A ópera satiriza a influência dos jornais na vida das pessoas. Há discordância crítica quanto ao seu sucesso, embora as notas do Conservatório de Nova Inglaterra para sua produção de abril de 2013 afirmam que a ópera "foi um sucesso imediato, e mostrou Rossini em seu melhor cômico".Após o sucesso de seu Il Barbiere di Siviglia em Roma, o compositor chegou a Nápoles em fevereiro de 1816 para descobrir que o fogo havia destruído o Teatro San Carlo, que ele foi obrigado a compor uma cantata para celebrar um casamento real, além de supervisionar uma produção de seu Tancredi. E a música para La gazzetta estava prevista para as apresentações de agosto. [2] Seria a segunda ópera de Rossini escrita para Nápoles e a única comédia que ele escreveu lá. [3]Como era seu hábito, Rossini emprestou música de alguns de seus trabalhos anteriores, incluindo Il Turco in Italia (1814), La pietra del paragone (1812), e também de Torvaldo e Dorliska (1815). Nenhuma dessas peças teria sido ouvida pelo público de Nápoles da época.No entanto, o musicólogo Philip Gossett enfatiza que:Precisamos ter cuidado ao assumir um uso mecânico do autoempréstimo pelo compositor. [...] Como Handel antes dele, Rossini não era avesso a tomar emprestado de si mesmo, quando sentia que uma peça não seria amplamente conhecida ou quando sentia que poderia introduzir novo material nela. Mas Rossini sempre foi um compositor, e ele não pegaria facilmente uma passagem e a empregaria sem repensar sua função em um novo contexto musical e dramático. Embora a abertura tenha sido escrita especificamente para esta ópera, é provavelmente a peça mais conhecida da obra, porque, juntamente com outras músicas de La gazzetta, foi incorporada em La Cenerentola. Esses empréstimos podem ter acelerado o processo de composição, mas Charles Osborne observa que "nesta ocasião, Rossini não conseguiu completar a ópera com sua alacridade habitual" e especula que isso pode ter sido causado por sua atração pela soprano Isabella Colbran. Abriu um mês depois do previsto inicialmente.A ópera foi apresentada pela primeira vez em 26 de setembro de 1816 no Teatro dei Fiorentini em Nápoles, onde teve 21 apresentações. Osborne parece discordar, uma vez que ele observa que "depois de algumas apresentações foi retirado, a opinião geral sendo que seu libreto era desajeitado e sua música indistinguível".Após as apresentações iniciais, houve apenas um renascimento da ópera no século 19, quando foi realizada durante o Carnaval de 1828 em Palermo.Embora Osborne não mencione um renascimento em 1828, o trabalho recente de Philip Gossett parece apoiar sua existência. Mas, como observa Osborne, a ópera não reapareceu até uma apresentação de rádio italiana em 1960 e uma encenação em Viena pela Ópera de Câmara de Viena em 1976.A estreia no Reino Unido foi dada pela Garsington Opera em Oxfordshire em 12 de junho de 2001, com as primeiras performances da nova edição crítica preparada por Fabrizio Scipioni e Philip Gossett que, na época, não continha o quinteto do ato 1. La gazzetta foi apresentado pelo Festival de Ópera Rossini em Pesaro naquele verão e Pesaro repetiu-o durante o verão de 2005, dirigido por Dario Fo. Como o quinteto "só foi identificado na primavera de 2012, depois que o bibliotecário do Conservatório de Palermo, Dario Lo Cicero, encontrou o manuscrito [assim] em Pesaro [e em todas as outras produções anteriores a 2013], o diretor de palco, Dario Fo, arranjou outra coisa para o local onde o quinteto deveria ter ido". A produção de Fo para Pesaro foi mais tarde apresentada no Gran Teatre del Liceu em 2005. Esta produção foi gravada em DVD. Também foi dado pelo Rossini no Festival de Wildbad.
Opera Norma de Vincenzo Bellini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | Norma é uma ópera trágica em dois atos, de Vincenzo Bellini, com libreto de Felice Romani, cuja estreia ocorreu no Teatro alla Scala, de Milão, no dia 26 de dezembro de 1831. Essa ópera é considerada o ponto alto da tradição do bel canto. O papel principal (Norma) é geralmente avaliado como um dos mais difíceis do repertório de soprano. O papel foi criado para Giuditta Pasta, que também encarnou, pela primeira vez, o personagem Amina na ópera La sonnambula. Durante o século XX, somente um pequeno número de cantoras foi capaz de desempenhar o papel de Norma com sucesso: Rosa Ponselle, no início da década dos anos 1920, depois Joan Sutherland, a partir da década de 1960, e Montserrat Caballé. Maria Callas é considerada a intérprete suprema do papel-título de Norma. Ela representou-o inúmeras vezes e gravou-o, em estúdio, em duas ocasiões, pelo selo EMI. Em 13 de abril de 2013, o soprano italiano Mariella Devia debutou em Norma no Teatro Comunale di Bologna com uma recepção clamorosa do público. Em 2013 e 2015, Cecilia Bartoli apresentou a Norma no Festival Whitsun de Salzburg. A versão de Bartoli é historicamente informada e procura ser fiel ao som e ao espírito originais dos primórdios do romantismo. Para a gravação, feita pelo estúdio Decca, foi usada a mais recente edição crítica da partitura de Bellini, meticulosamente restaurada a partir do manuscrito e de antigas fontes impressas. Personagens • Norma, alta-sacerdotisa: soprano dramático • Adalgisa, sacerdotisa: mezzo-soprano lírico (originalmente, soprano lírico) • Pollione, pró-cônsul romano na Gália: tenor • Oroveso, chefe druida: baixo • Clotilde, amiga e confidente de Norma: Soprano (originalmente, mezzo-soprano) • Flavio, centurião romano e companheiro de Pollione: tenor
Opera Armida de Gioachino Rossini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | Armida é uma ópera em três atos do compositor italiano Gioachino Rossini com libreto italiano (dramma per musica) de Giovanni Schmidt, baseada em cenas de Gerusalemme liberata de Torquato Tasso.Armida foi escrito para ser apresentado no Teatro di San Carlo, Nápoles, em 11 de novembro de 1817 para celebrar a abertura da casa de ópera reconstruída, que havia sido destruída por um incêndio no ano anterior. Isabella Colbran cantou o papel-título, que é um dos mais longos e exigentes que Rossini escreveu, com passagens coloratura difíceis de todo tipo durante toda a ópera. Os mais notáveis podem ser encontrados em "D'amore al dolce impero" durante o ato 2, nos duetos entre Armida e Rinaldo, e em partes do ato 3 finale.A primeira encenação moderna teve lugar no Teatro Comunale de Florença em 26 de abril de 1952, durante o Maggio Musicale Fiorentino, com Maria Callas e Francesco Albanese nos papéis principais e Tullio Serafin conduzindo. Mais recentemente, apresentações foram dadas em Aix-en-Provence em 1988, com June Anderson, Rockwell Blake, Raúl Giménez, sob o maestro Gianfranco Masini, e no Festival de Ópera Rossini em 1993, com Renée Fleming e Gregory Kunde, sob o maestro Daniele Gatti.A estreia nos Estados Unidos foi dada em Tulsa, Oklahoma em 29 de fevereiro de 1992 em comemoração ao 200º aniversário do nascimento de Rossini, com um elenco que incluía Christine Weidinger no papel-título, Thomas Young como Rinaldo, e Ronald Naldi como Ubaldo. [1] Uma produção conjunta da Ópera de Tulsa, do Ballet de Tulsa e da Filarmônica de Tulsa, a obra foi encenada por Nicholas Muni, projetada por John Boesche, conduzida por Richard Bradshaw, e gravada para transmissão nacional na NPR.
Opera Zoraida di Granata de Gaetano Donizetti com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | Zoraida di Granata (também Zoraide di Granata ou Zoraïda di Granata) é uma melodramma eroico (ópera seria, ou ópera "heroica"), em dois atos de Gaetano Donizetti. O libreto italiano tinha sido parcialmente preparado por Bartolomeo Merelli (sobre cujo atraso o compositor se queixava), baseado na peça francesa Gonzalve de Cordoue ou Grenade Reconquise de Jean-Pierre Claris de Florian (1791), e num libreto de Luigi Romanelli para uma ópera de Nicolini chamada Abenamet e Zoraide.Quando Donizetti chegou a Roma, carregando uma carta de apresentação de seu professor e mentor Johann Simon Mayr ao poeta e libretista Jacopo Ferretti, ele conseguiu sua ajuda na revisão do texto de Merelli.Embora tenha sido o primeiro sucesso teatral de Donizetti "e a ópera em que ele começou a adotar técnicas 'rossinianas', a versão original de 1822 desta violenta história de amor nunca recebeu uma performance completa porque Amerigo Sbigoli, o tenor originalmente escalado para o papel de Abenamet, morreu pouco antes da primeira noite, sem substituto disponível. Donizetti rapidamente adaptou esse papel para contralto, embora omitindo três números no processo.A primeira apresentação ocorreu no Teatro Argentina, Roma, em 28 de janeiro de 1822 e ele e seu compositor receberam grande aclamação no semanário Notizie del giorno:"Uma nova e muito feliz esperança está surgindo para o teatro musical italiano. O jovem Maestro Gaetano Donizetti... lançou-se fortemente em sua ópera verdadeiramente séria, Zoraida. Unânime, sincero, universal foi o aplauso que ele justamente recolheu da plateia...".A ópera foi apresentada em uma edição revisada no mesmo teatro em 7 de janeiro de 1824, e recebeu um renascimento em Lisboa em 1825.
Opera La favorita de Gaetano Donizetti com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | La favorita é uma grande ópera em quatro atos de Gaetano Donizetti com libreto em francês de Alphonse Royer e Gustave Vaëz, baseada na peça Le comte de Comminges de Baculard d'Arnaud com adições de Eugène Scribe baseada na história de Leonora de Guzmán. [1] A ópera diz respeito às lutas românticas do rei de Castela, Afonso XI, e sua amante, a "favorita" Leonora, tendo como pano de fundo as artimanhas políticas do recuo da Espanha moura e da vida da Igreja Católica. Estreou em 2 de dezembro de 1840 na Académie Royale de Musique (Salle Le Peletier) em Paris.Originalmente, Donizetti estava compondo uma ópera com o nome de Le Duc d'Albe como sua segunda obra para a Ópera de Paris. No entanto, o diretor, Léon Pillet, se opôs a uma ópera sem um papel de destaque para sua amante, a mezzo-soprano Rosine Stoltz. Donizetti, portanto, abandonou Le Duc d'Albe e pegou emprestado pesadamente de L'Ange de Nisida, um projeto não realizado de 1839, para criar La favorite.Donizetti escreveu todo o ato final em três a quatro horas, com exceção da cavatina e uma parte de um dueto, que foram adicionados na fase de ensaio.A produção original da Ópera (Paris, 1840) teve figurinos desenhados por Paul Lormier e cenários produzidos por duas equipes de artistas cênicos: René-Humanité Philastre e Charles-Antoine Cambon (atos 1 e 3), Charles Séchan, Léon Feuchère [fr], Jules Diéterle e Édouard Desplechin (atos 2 e 4). Avivamentos no Palais Garnier, em 25 de janeiro de 1875 e 3 de fevereiro de 1896, aumentaram a escala da encenação, mas permaneceram fiéis ao conceito original de 1840. A ópera continuou a ser executada a cada temporada na Ópera até 1894, permanecendo em seu repertório até 1918, bem como mantendo uma presença nas províncias francesas durante este período.Foi revivido para uma estreia italiana em Pádua sob o título de Leonora di Guzmán em 1842 com o barítono Achille De Bassini no papel de Alfonso e no La Scala como Elda em 1843 com Marietta Alboni no papel-título, embora o próprio Donizetti não estivesse envolvido nessas produções.A estreia em Londres foi em inglês em Drury Lane em 1843 com a soprano Emma Romer, e depois em francês dois anos depois em Covent Garden, e em italiano em Sua Majestade em 1847. O Théâtre d'Orléans de Nova Orleans viu a peça pela primeira vez em 9 de fevereiro de 1843 em francês (seguido por uma apresentação em Nova York pela New Orleans French Opera Company), e o Metropolitan Opera montou uma produção em 1895. [7] Reavivamentos italianos em meados do século 20 ocorreram no La Scala de Milão em 1934 com Ebe Stignani e Pertile, em Roma um ano depois com Cobelli e Gigli, seguidos por novos avivamentos em ambas as cidades, vários com Stignani no papel-título. [7] Arturo Toscanini conduziu o trabalho em Bérgamo para o centenário de Donizetti. [8] Em 1978, o Metropolitan Opera reviveu La Favorite (em italiano) com Luciano Pavarotti e Shirley Verrett; a ópera não era ouvida no Met desde que Enrico Caruso a cantou lá em 1905, 73 anos antes.Entre outras performances, a Ópera Estatal da Baviera apresentou uma nova produção da obra na versão original francesa em 2016, com Elīna Garanča, tenor Matthew Polenzani e Mariusz Kwiecień nos papéis principais.
Opera Les Boréades de Jean Philippe Rameau com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-06 | Les Boréades é uma tragédie lyrique mise en musique, ou uma tragédia lírica musicada, um tipo de ópera, em cinco atos de Jean-Philippe Rameau (1683-1764). É a última de suas cinco obras. O libreto, atribuído a Louis de Cahusac (1706-1759), é vagamente baseado na lenda grega de Abaris o Hiperbóreo e inclui elementos maçônicos; os Boréades são descendentes de Boréas.Não houve performances conhecidas desta ópera na vida de Rameau. A obra foi ensaiada em 1763 na Ópera de Paris, provavelmente para uma apresentação privada na corte de Choisy. Não se sabe por que a apresentação foi abandonada, embora muitas teorias tenham sido apresentadas, incluindo que as facções na corte brigaram por ela, a música era muito difícil, havia elementos subversivos da trama, e que a Ópera foi queimada no mês dos ensaios. A primeira apresentação conhecida da obra foi em 1770 em um concerto em Lille. J. J. M. Decroix coletou as obras de Rameau após a morte do compositor, e assim garantiu a sobrevivência desta partitura. A Bibliothèque Nationale abrigou as obras coletadas, incluindo vários manuscritos relacionados a esta ópera.A primeira apresentação moderna da obra foi pela ORTF em 1964, em 16 de setembro de 1964 (comemorando o 200º aniversário da morte de Rameau) na Maison de la Radio em Paris, gravada para transmissão no mês seguinte; o elenco incluía Christiane Eda-Pierre e Andre Mallabrera. [2] Deve seu renascimento moderno ao maestro John Eliot Gardiner, que deu uma versão de concerto da peça (na qual Trevor Pinnock tocou cravo contínuo) no Queen Elizabeth Hall, Londres, em 14 de abril de 1975, para o qual ele havia preparado o material orquestral a partir dos manuscritos originais no ano anterior. Em julho de 1982, Gardiner fez a primeira apresentação totalmente encenada com Catherine Turocy, coreógrafa, e sua Companhia de Dança Barroca de Nova York no Festival de Aix-en-Provence. Desde então, a reputação e popularidade da ópera cresceram consideravelmente. Em 2020, a orquestra barroca checa Collegium 1704, liderada pelo maestro Václav Luks, percorreu a Europa com uma produção de concerto da ópera (Viena, Moscovo, Versalhes); uma gravação completa com Caroline Weynants, Deborach Cachet, Benedikt Kristjánsson, Mathias Vidal e Benoît Arnould, foi lançada no mesmo ano pelo selo Château de Versailles Spectacles. A gravação ganhou o prêmio francês Troféus para a melhor gravação de ópera do ano.
Opera A vida parisiense (La vie parisienne) de Offenbach com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-05 | La vie parisienne (pronúncia francesa: [la vi paʁizjɛn], vida parisiense) é uma ópera bouffe, ou opereta, composta por Jacques Offenbach, com libreto de Henri Meilhac e Ludovic Halévy. Esta obra foi a primeira obra de Offenbach a retratar a vida parisiense contemporânea, ao contrário de suas peças de época anteriores e temas mitológicos. Tornou-se uma das operas mais populares de Offenbach.Em 1864, o Théâtre du Palais-Royal apresentou uma comédia de Meilhac e Halévy intitulada Le Photographe (O Fotógrafo), que apresentava um personagem chamado Raoul Gardefeu, o amante de Métella, tentando seduzir uma baronesa. Dois anos antes, uma comédia dos mesmos autores La Clé de Métella (A Chave de Métella) foi encenada no Théâtre du Vaudeville. Estas duas peças pressagiam o libreto de La vie parisienne que pode ser datado do final de 1865. Foi produzido pela primeira vez em uma versão de cinco atos no Théâtre du Palais-Royal, Paris, em 31 de outubro de 1866. A obra foi revivida em quatro atos (sem o quarto ato original) em 25 de setembro de 1873, no Théâtre des Variétés, Paris.O Théâtre des Variétés reviveu-o em 1875 com Dupuis, Grenier, Cooper, Berthelier e Bouffar, Berthal e Devéria; raramente esteve ausente dos palcos parisienses por muitos anos, com Dupuis retornando repetidamente ao seu papel e cantores como Jeanne Granier, Baron, Albert Brasseur, Germaine Gallois, Anna Tariol-Baugé, Max Dearly e Mistinguett participando dos revivals. [3]Em 1958, uma produção notável foi montada no Théâtre du Palais-Royal, com Jean-Pierre Granval, Jean Desailly, Pierre Bertin, Jean-Louis Barrault, Jean Parédès, Suzy Delair, Madeleine Renaud, Simone Valère e Denise Benoît. O Théâtre national de l'Opéra-Comique montou a obra em 1931 e depois em 1974. Produções posteriores em Paris incluíram o Théâtre du Châtelet em 1980 com Michel Roux, Daniele Chlostawa e Patrick Minard, e o Théâtre de Paris em 1985 com Gabriel Bacquier, Jane Rhodes e Martine Masquelin. Foi apresentado pela primeira vez em Londres, no Holborn Theatre, em 30 de março de 1872, em uma adaptação de F. C. Burnand. A estreia em Nova York foi no primeiro Booth Theatre, em 12 de junho de 1876.
Opera Giulio Cesare em Egitto de Handel com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-05 | Giulio Cesare em Egitto foi apresentado pela primeira vez no King's Theatre em Haymarket, Londres, em 20 de fevereiro de 1724. A ópera foi um sucesso imediato. Um contemporâneo escreveu em uma carta em 10 de março de 1724:... a ópera também está a todo vapor, já que a nova de Hendell, chamada Jules César – na qual Cenesino e Cozzuna brilham além de todas as críticas – foi colocada. A casa estava tão cheia na sétima apresentação quanto na primeira.Handel reviveu a ópera (com várias mudanças) três vezes durante sua vida: em 1725, 1730 e 1732.Os papéis de Cesare e Cleópatra foram originalmente cantados pelo castrato Senesino e pela famosa soprano Francesca Cuzzoni, respectivamente. Handel compôs oito árias e dois recitativos accompagnati para cada cantor, fazendo assim pleno uso de suas capacidades vocais. Curio e Nireno não receberam nenhuma ária na versão original, apenas cantando em recitativos, embora participem do primeiro e último refrão. No entanto, Handel compôs uma ária para Nireno para um posterior renascimento em 1730.Embora uma caricatura, a gravura contemporânea de Senesino à esquerda, Francesca Cuzzoni e castrato Gaetano Berenstadt à direita, fornece informações valiosas sobre o aspecto visual das performances originais das óperas de Händel. A ilustração é provavelmente de uma cena do Flávio de Händel, apresentada pela Academia Real de Música em 1723, embora às vezes tenha sido identificada como uma cena de Giulio Cesare. Os corpos alongados dos castrati se erguem sobre Cuzzoni, que foi descrito por Horácio Walpole como "curto e agachado". O cenário é arquitetônico e genérico, não um local específico, e os trajes para os homens também são genéricos, com alguma inspiração no antigo traje militar romano; couraças, saias blindadas e armaduras de pernas, combinadas com plumas nos cocares. Tais trajes eram usados pelos principais homens em óperas de Händel, quer o cenário fosse a Roma antiga ou a Europa gótica. Cuzzoni, em contraste, usa um vestido contemporâneo como poderia ter sido adequado para apresentação na corte, com um anão para servir como seu porta-trem.
Opera Khovanshchina de Modest Mussorgsky com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-05 | Khovanshchina (russo: Хованщина, IPA: [xɐˈvanjɕːɪnə] O Caso Khovansky é uma ópera em cinco atos de Modest Mussorgsky. A obra foi escrita entre 1872 e 1880 em São Petersburgo, Rússia. O compositor escreveu o libreto com base em fontes históricas. A ópera estava quase terminada em partitura para piano quando o compositor morreu em 1881, mas a orquestração estava quase totalmente ausente.Como Boris Godunov, Khovanshchina lida com um episódio da história russa, trazido pela primeira vez ao conhecimento do compositor por seu amigo, o crítico Vladimir Stasov. Trata-se da rebelião do príncipe Ivan Khovansky, dos Velhos Crentes e do moscovita Streltsy contra a regente Sofia Alekseyevna e os dois jovens czares Pedro, o Grande e João V, que estavam tentando instituir reformas ocidentalizantes na Rússia. Khovansky ajudou a fomentar a Revolta de Moscou de 1682, que resultou em Sofia se tornando regente em nome de seu irmão mais novo Ivan e meio-irmão Pedro, que foram coroados czares conjuntos. No outono de 1682, o príncipe Ivan Khovansky voltou-se contra Sofia. Apoiado pelos Velhos Crentes e pelos Streltsy, Khovansky – que supostamente queria se instalar como novo regente – exigiu a reversão das reformas do patriarca Nikon. Sofia e sua corte foram forçadas a fugir de Moscou. Eventualmente, Sofia conseguiu suprimir o chamado Khovanshchina (caso Khovansky) com a ajuda do diplomata Fyodor Shaklovity, que sucedeu Khovansky como líder do moscovita Streltsy. Com a rebelião esmagada, os Velhos Crentes cometeram suicídio em massa (na ópera, pelo menos).Nikolai Rimsky-Korsakov completou, revisou e orquestrou Khovanshchina em 1881-1882. Em 1958, Dmitri Shostakovich foi contratado para revisar e reorquestrar a ópera para uma versão cinematográfica lançada no ano seguinte. [1] É a versão Shostakovich que agora é geralmente executada. Em 1913, Igor Stravinsky e Maurice Ravel fizeram seu próprio arranjo a pedido de Sergei Diaghilev. Quando Feodor Chaliapin se recusou a cantar o papel de Dosifey em qualquer outra orquestração que não a de Rimsky-Korsakov, a companhia de Diaghilev empregou uma mistura de orquestrações que não se mostraram bem-sucedidas. A orquestração Stravinsky-Ravel foi esquecida, exceto pelo final de Stravinsky, que ainda é usado às vezes.Embora o pano de fundo da ópera inclua a Revolta de Moscou de 1682 e o caso Khovansky alguns meses depois, seus principais temas são a luta entre facções políticas progressistas e reacionárias durante a minoria do czar Pedro, o Grande e a passagem da velha Moscóvia antes das reformas ocidentalizantes de Pedro. Recebeu sua primeira performance na edição Rimsky-Korsakov em 1886.
Opera La sonnambula de Vincenzo Bellini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-05 | La sonnambula (pronúncia italiana: [la sonˈnambula]; O Sonâmbulo) é uma ópera em dois atos, com música na tradição bel canto de Vincenzo Bellini definida para um libreto italiano de Felice Romani, baseado em um cenário para um balé-pantomima escrito por Eugène Scribe e coreografado por Jean-Pierre Aumer chamado La somnambule, ou L'arrivée d'un nouveau seigneur. O balé estreou em Paris em setembro de 1827, no auge de uma moda de obras teatrais incorporando sonambulismo.O papel de Amina foi originalmente escrito para a soprano sfogato Giuditta Pasta e o tenor Giovanni Battista Rubini, mas durante a vida de Bellini outra soprano sfogato, Maria Malibran, foi um notável expoente do papel. A primeira apresentação ocorreu no Teatro Carcano, em Milão, em 6 de março de 1831.A maioria das gravações do século XX foram feitas com um elenco de soprano como Amina, geralmente com notas de topo adicionadas e outras mudanças de acordo com a tradição, embora tenha sido lançado em voz soprano sfogato (não confundir com o mezzo moderno, inexistente na época) que cantava papéis de soprano e contralto sem modificações.A frase Ah! non credea mirarti / Sì presto estinto, o fiore ("Eu não acreditava que te veria desaparecer tão cedo, oh flor") da ária final de Amina está inscrita no túmulo de Bellini na Catedral de Catânia, na Sicília.Retornando a Milão após as apresentações do I Capuleti e i Montecchi em março de 1830, pouco ocorreu até o final de abril, quando Bellini conseguiu negociar um contrato com a casa de Milão para o outono de 1831 e outro para a temporada de Carnaval de 1832 em La Fenice, em Veneza; estas óperas se tornariam Norma para o La Scala e Beatrice di Tenda para Veneza. [1] Escrevendo para seu tio na Sicília, o compositor relatou que "Vou ganhar quase o dobro do que se tivesse composto [apenas para o empresário veneziano]". No entanto, também havia um contrato para uma segunda casa de Milão para a temporada de inverno seguinte para uma ópera ainda sem nome, mas já havia sido acordado que Giuditta Pasta, que havia alcançado sucesso em Milão em 1829 e 1830 aparecendo em várias óperas importantes, seria o artista principal.Em seguida, Bellini experimentou a recorrência de uma doença que havia surgido em Veneza devido à pressão do trabalho e ao mau tempo, e que consistentemente se repetia após cada ópera. A condição gastro-entérica – que ele descreveu como "uma tremenda febre biliosa gástrica inflamatória" resultou em seu cuidado por amigos. Foi só no verão, quando ele foi ficar perto do Lago de Como, que a pressão para decidir sobre um assunto para a ópera do inverno seguinte tornou-se mais urgente. O fato de Pasta ser dona de uma casa perto de Como e ficar lá durante o verão foi a razão pela qual Felice Romani viajou para conhecer ela e Bellini.Em 15 de julho, eles haviam decidido sobre um assunto para o início de 1831, mas era incerto se Pasta estava interessado em cantar um papel de calças, o do protagonista, Ernani, em uma adaptação de Hernani de Victor Hugo, mais tarde musicado por Giuseppe Verdi em 1844. Com ambos tendo vários outros compromissos, até o final de novembro de 1830 nada havia sido alcançado na forma de escrever nem o libreto nem a partitura de Ernani mas, em janeiro, a situação e o assunto haviam mudado. Bellini escreveu que "[Romani] está agora escrevendo La sonnambula, ossia I Due Fidanzati svezzeri... Deve subir ao palco no mais tardar no dia 20 de fevereiro." Aquela música que ele estava começando a usar para Ernani foi transferida para Sonnambula não está em dúvida, e, como Weinstock comenta, "ele estava tão pronto quanto a maioria dos outros compositores de sua época para reutilizar em uma nova situação passagens musicais criadas para uma diferente, anterior".
Opera Cassandra de Bernard Foccroulle com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-04-05 | Cassandra é uma ópera em treze cenas e um prólogo de Bernard Foccroulle, com libreto escrito por Matthew Jocelyn, estreado em 2023 em Bruxelas. A ópera é inspirada no mito de Cassandra para traçar paralelos com a personagem de Sandra, uma jovem cientista que tenta alertar sobre as mudanças climáticas.Cassandra é a primeira ópera de Bernard Foccroulle, anteriormente diretor de La Monnaie, de 1992 a 2007, que compôs entre 2020 e 2022, encomendado por Peter de Caluwe para o Théâtre Royal de La Monnaie.A ópera estreou em 10 de setembro de 2023 no Théâtre Royal de La Monnaie sob a direção de Kazushi Ōno em uma encenação de Marie-Ève Signeyrole com cenários de Fabien Teigné3. A encenação da criação é sóbria, mas apresenta cenários variados, como uma antiga ruína, uma biblioteca destruída e um iceberg derretendo; Vídeos e animações são projetados em telas brancas esticadas na parte de trás do espaço do palco3.Cassandra é uma ópera, um prólogo e treze cenas em inglês, com um tempo de execução de aproximadamente 1 hora e 50 minutos. A partitura inclui um coro antigo, simboliza a antiguidade com instrumentos de metais, um saxofone e música popular contemporânea
Opera O navio fantasma (The flying dutchaman) de Wagner com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-18 | Der Fliegende Holländer (em português: O holandês errante ou O holandês voador), também conhecida em Portugal e no Brasil como O Navio Fantasma, é uma ópera em três atos de Richard Wagner. Estreou no ano de 1843 no Königliches Hoftheater de Dresden.[1]Ambientada em uma aldeia pesqueira da Noruega, conta a história de um navegador holandês que é punido por Deus por blasfemar contra seu nome, perdendo-se de sua pátria para sempre, a menos que surja em sua vida uma mulher que lhe seja plenamente fiel. Ao atracar no porto, o holandês ancora sua nau ao lado da de Daland, outro navegador. O holandês oferece a enorme riqueza em ouro e jóias que carrega em sua nau a Daland em troca da mão de Senta, sua filha. Senta já conhecera previamente a história do "Holandês Voador", mas é cortejada pelo caçador Erik, que se enciuma todas as vezes em que ela faz qualquer referência ao "Holandês Voador", seja observando insistentemente seu retrato, seja cantando a "Balada do Holandês" - esta, uma das árias mais célebres da ópera.Daland apresenta o holandês a Senta, e ela lhe jura eterna fidelidade, mas Erik ainda tenta persuadir Senta a voltar para ele. A certa altura, o holandês encontra Erik abraçando Senta e julga que esta rompeu com seu voto de fidelidade eterna, e parte novamente para o mar. À medida que a nau do holandês se afasta, Senta olha cada vez mais longe e se atira ao mar, na direção onde está a nau do holandês, tentando unir sua alma à dele.
Opera Il Giustino de Vivaldi com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-18 | Il Giustino RV 717 é uma ópera de Vivaldi de 1724 com libreto de Nicolò Beregan, originalmente usada para a ópera homônima de 1683 por Giovanni Legrenzi, e também mais tarde definida por Albinoni e Handel. A ópera foi composta para a temporada de carnaval de 1724 em Roma e estreou no Teatro Capranica.A ária de Anastasio, Vedrò con mio diletto, tornou-se conhecida como uma peça de recital e cantada em concertos e em gravações por contratenores como Philippe Jaroussky e Jakub Józef Orliński e por contraltos como Sonia Prina. A Sinfonia do Ato I, Cena V, também é usada por Vivaldi como o principal motivo do primeiro movimento de La Primavera ("Primavera") de seu concerto As Quatro Estações. A ópera foi revivida nos tempos modernos em 1985 em uma produção dirigida por Alan Curtis e apresentada no Teatro Olímpico de Vicenza, na Ópera Real do Palácio de Versalhes e no Teatro La Fenice, em Veneza. De acordo com dados relatados pela revista Le magazine de l'opéra barroca, uma apresentação subsequente em forma de concerto foi realizada no Mégaron Musikis em Atenas em 2007, enquanto um novo renascimento no palco, para um total de doze apresentações, ocorreu, entre 2008 e 2009, no Oldenburgisches Staatstheater.Em julho de 2018, um concerto foi dado no Festival International d'Opéra Baroque de Beaune — com a Accademia Bizantina dirigida por Ottavio Dantone. Em agosto de 2018, uma versão completa de Il Giustino, dirigida por Deda Cristina Colonna e conduzida por Peter Spissky e a Camerata Øresund, figurou como uma das peças centrais do Festival de Música Antiga de Næstved.
Ópera Semiramide (part 1ª) de Gioachino Rossini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-18 | Semiramide ATO 1 (part 1ª)(pronúncia italiana: [semiˈraːmide]) é uma ópera em dois atos de Gioachino Rossini. O libreto de Gaetano Rossi é baseado na tragédia Semiramis de Voltaire, que por sua vez foi baseada na lenda de Semíramis da Assíria. A ópera foi apresentada pela primeira vez no La Fenice, em Veneza, em 3 de fevereiro de 1823.Semiramide foi a última ópera italiana de Rossini e, de acordo com Richard Osborne, "poderia muito bem ser apelidada de Tancredi Revisited". Assim como em Tancredi, o libreto de Rossi foi baseado em uma tragédia de Voltaire. A música tomou a forma de um retorno às tradições vocais da juventude de Rossini, e foi um melodrama no qual ele "recriou a tradição barroca de canto decorativo com habilidade incomparável". As cenas de conjunto (particularmente as duplas entre Arsace e Semiramide) e coros são de alta ordem, assim como a escrita orquestral, que faz pleno uso de um grande poço.Depois desse esplêndido trabalho, um de seus melhores no gênero, Rossini virou as costas para a Itália e se mudou para Paris. Além de Il viaggio a Reims, que ainda está em italiano, suas últimas óperas foram composições originais em francês ou adaptações extensivamente retrabalhadas para o francês de óperas italianas anteriores.O musicólogo Rodolfo Celletti resume a importância de Semiramide afirmando que "foi a última ópera da grande tradição barroca: a mais bela, a mais imaginativa, possivelmente a mais completa; mas também, irremediavelmente, a última". [5]Depois de deixar sua marca com uma série de óperas cômicas brilhantes (mais notavelmente Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola, Il turco na Itália, e L'italiana na Argélia), Rossini voltou-se cada vez mais para a ópera séria (opere serie). Durante os anos de 1813 (quando Rossini compôs Tancredi) até 1822 ele escreveu uma série considerável deles, principalmente para o Teatro di San Carlo, Nápoles.Uma das razões para seu novo interesse pelo gênero sério foi sua conexão com a grande soprano dramática Isabella Colbran, que foi primeiro sua amante, depois sua esposa. Ela criou os principais papéis femininos em Elisabetta, regina d'Inghilterra (1815), Otello (1816), Armida (1817), Mosè in Egitto (1818), Maometto II (1820), e cinco outras óperas de Rossini até e incluindo sua contribuição final para o gênero, Semiramide, que também foi escrito com Colbran no papel principal.O trabalho começou com o libretista em outubro de 1822, compositor e libretista pegando a história de Voltaire e fazendo mudanças significativas. A composição real levou 33 dias para completar a partitura. Após sua estreia, a ópera foi colocada vinte e oito vezes para o resto da temporada em Veneza (e, em algum momento, por quatro noites seguidas) e passou a apresentações em toda a Itália e Europa, incluindo Paris em 1825, Milão em 1829 e 1831, e Viena em 1830. Chegou a Londres em 15 de julho de 1824, teve sua estreia nos Estados Unidos no St. Charles Theatre em Nova Orleans em 1 de maio de 1837, mas demorou até 3 de janeiro de 1845, antes de ser apresentado em Nova York. Outras prima donnas surgiram nos papéis principais por volta de 1825, uma vez que os poderes vocais de Colbran haviam diminuído muito na época das apresentações de estreia em Veneza e ela "não estava em nenhum estado para cantar o papel novamente". Por 25 anos após 1830, Giulia Grisi triunfou no papel notavelmente em São Petersburgo em 1849 e Nova York em 1854.No final de 1800, a ópera praticamente desapareceu do repertório. No entanto, foi escolhido em 1880 para inaugurar o Teatro Costanzi, novo local da companhia de Ópera de Roma, e apareceu como parte do Festival de Ópera de Cincinnati 1882, que contou com a presença de Oscar Wilde e que contou com a famosa diva Adelina Patti que escolheu a ária "Bel raggio lusinghiero" para sua performance de despedida. O Metropolitan Opera reviveu Semiramide em 1892, 1894 (com Nellie Melba) e 1895.
Ópera Semiramide (part 2ª) de Gioachino Rossini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-18 | Semiramide ATO 2 (part 2ª) (pronúncia italiana: [semiˈraːmide]) é uma ópera em dois atos de Gioachino Rossini. O libreto de Gaetano Rossi é baseado na tragédia Semiramis de Voltaire, que por sua vez foi baseada na lenda de Semíramis da Assíria. A ópera foi apresentada pela primeira vez no La Fenice, em Veneza, em 3 de fevereiro de 1823.Semiramide foi a última ópera italiana de Rossini e, de acordo com Richard Osborne, "poderia muito bem ser apelidada de Tancredi Revisited". Assim como em Tancredi, o libreto de Rossi foi baseado em uma tragédia de Voltaire. A música tomou a forma de um retorno às tradições vocais da juventude de Rossini, e foi um melodrama no qual ele "recriou a tradição barroca de canto decorativo com habilidade incomparável". As cenas de conjunto (particularmente as duplas entre Arsace e Semiramide) e coros são de alta ordem, assim como a escrita orquestral, que faz pleno uso de um grande poço.Depois desse esplêndido trabalho, um de seus melhores no gênero, Rossini virou as costas para a Itália e se mudou para Paris. Além de Il viaggio a Reims, que ainda está em italiano, suas últimas óperas foram composições originais em francês ou adaptações extensivamente retrabalhadas para o francês de óperas italianas anteriores.O musicólogo Rodolfo Celletti resume a importância de Semiramide afirmando que "foi a última ópera da grande tradição barroca: a mais bela, a mais imaginativa, possivelmente a mais completa; mas também, irremediavelmente, a última". [5]Depois de deixar sua marca com uma série de óperas cômicas brilhantes (mais notavelmente Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola, Il turco na Itália, e L'italiana na Argélia), Rossini voltou-se cada vez mais para a ópera séria (opere serie). Durante os anos de 1813 (quando Rossini compôs Tancredi) até 1822 ele escreveu uma série considerável deles, principalmente para o Teatro di San Carlo, Nápoles.Uma das razões para seu novo interesse pelo gênero sério foi sua conexão com a grande soprano dramática Isabella Colbran, que foi primeiro sua amante, depois sua esposa. Ela criou os principais papéis femininos em Elisabetta, regina d'Inghilterra (1815), Otello (1816), Armida (1817), Mosè in Egitto (1818), Maometto II (1820), e cinco outras óperas de Rossini até e incluindo sua contribuição final para o gênero, Semiramide, que também foi escrito com Colbran no papel principal.O trabalho começou com o libretista em outubro de 1822, compositor e libretista pegando a história de Voltaire e fazendo mudanças significativas. A composição real levou 33 dias para completar a partitura. Após sua estreia, a ópera foi colocada vinte e oito vezes para o resto da temporada em Veneza (e, em algum momento, por quatro noites seguidas) e passou a apresentações em toda a Itália e Europa, incluindo Paris em 1825, Milão em 1829 e 1831, e Viena em 1830. Chegou a Londres em 15 de julho de 1824, teve sua estreia nos Estados Unidos no St. Charles Theatre em Nova Orleans em 1 de maio de 1837, mas demorou até 3 de janeiro de 1845, antes de ser apresentado em Nova York. Outras prima donnas surgiram nos papéis principais por volta de 1825, uma vez que os poderes vocais de Colbran haviam diminuído muito na época das apresentações de estreia em Veneza e ela "não estava em nenhum estado para cantar o papel novamente". Por 25 anos após 1830, Giulia Grisi triunfou no papel notavelmente em São Petersburgo em 1849 e Nova York em 1854.No final de 1800, a ópera praticamente desapareceu do repertório. No entanto, foi escolhido em 1880 para inaugurar o Teatro Costanzi, novo local da companhia de Ópera de Roma, e apareceu como parte do Festival de Ópera de Cincinnati 1882, que contou com a presença de Oscar Wilde e que contou com a famosa diva Adelina Patti que escolheu a ária "Bel raggio lusinghiero" para sua performance de despedida. O Metropolitan Opera reviveu Semiramide em 1892, 1894 (com Nellie Melba) e 1895.
Opera Andrea Chénier de Umberto Giordano com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-18 | Andrea Chénier (pronúncia italiana: [anˈdrɛːa ʃʃeˈnje]) é uma opera em quatro atos de Umberto Giordano, com libreto italiano de Luigi Illica, e apresentada pela primeira vez em 28 de março de 1896 no La Scala, Milão. A história é vagamente baseada na vida do poeta francês André Chénier (1762-1794), que foi executado durante a Revolução Francesa. O personagem Carlo Gérard é parcialmente baseado em Jean-Lambert Tallien, uma figura importante na Revolução. Continua popular entre o público, embora menos frequentemente realizado do que na primeira metade do século 20. Uma das razões para sua sobrevivência no repertório é a música lírico-dramática fornecida por Giordano para o tenor principal, que dá a um cantor talentoso oportunidades de demonstrar suas habilidades e ostentar sua voz. O triunfo de Giuseppe Borgatti no papel-título na primeira apresentação imediatamente o impulsionou para o primeiro posto dos cantores de ópera italianos. Ele se tornou o maior tenor wagneriano da Itália, em vez de um especialista em verismo-ópera.A obra foi apresentada pela primeira vez no Teatro alla Scala, Milão, em 28 de março de 1896 com Evelina Carrera, Giuseppe Borgatti (que substituiu Alfonso Garulli na décima primeira hora) e Mario Sammarco nas partes principais de soprano, tenor e barítono, respectivamente. Rodolfo Ferrari conduziu.Outras primeiras apresentações notáveis incluem aquelas em Nova York na Academia de Música em 13 de novembro de 1896; em Hamburgo, em 3 de fevereiro de 1897, sob a batuta de Gustav Mahler; e no Camden Theatre de Londres em 16 de abril de 1903 (cantado em inglês).Além de Borgatti, Chéniers famosos no período entre a estreia da ópera e a eclosão da Segunda Guerra Mundial incluíram Francesco Tamagno (que estudou a obra com Giordano), Bernardo de Muro, Giovanni Zenatello, Giovanni Martinelli, Aureliano Pertile, Francesco Merli, Beniamino Gigli, Giacomo Lauri-Volpi e Antonio Cortis. Enrico Caruso também fez algumas apresentações como Chénier em Londres em 1907. Todos esses tenores, com exceção de Borgatti, deixaram gravações de 78 rpm de um ou mais solos da peça.No pós-guerra, Franco Corelli, Richard Tucker e Mario Del Monaco foram os intérpretes mais famosos do papel-título durante as décadas de 1950 e 1960, enquanto Plácido Domingo se tornou seu principal intérprete entre a próxima geração de tenores, embora o contemporâneo de Domingo, Luciano Pavarotti, também tenha cantado e gravado a obra. O tenor wagneriano Ben Heppner abordou o papel em Nova York em um revival do Metropolitan Opera em 2007 com sucesso misto; Sua voz era impressionantemente poderosa, mas não se encaixava no estilo, alegaram os críticos. A produção dirigida por Keith Warner foi realizada em 2011 e 2012 em Bregenz, Áustria, sob o nome de "André Chénier", usando uma estátua de quase 78 metros de altura de um Jean-Paul Marat moribundo afundando na água, uma ode à pintura de Jacques-Louis David de 1793, A Morte de Marat, que retrata o revolucionário assassinado caído em sua banheira. Além de quatro árias para o tenor principal ("Un dì all'azzurro spazio"; "Io non amato ancor"; "Si, fui soldato"; "Come un bel dì di maggio"), a ópera contém uma ária bem conhecida ("La mamma morta") para a heroína soprano, que foi destaque no filme Filadélfia (a versão Maria Callas é usada na trilha sonora.) Também vale a pena notar o monólogo expressivo do barítono "Nemico della patria" e o dueto soprano-tenor final para os dois protagonistas enquanto se preparam para enfrentar a guilhotina ("Vicino a te").
Ópera Suor (Irmã Angelica) Giacomo Puccini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-18 | Suor Angelica (Irmã Angélica) é uma ópera em um ato de Giacomo Puccini com libreto original italiano de Giovacchino Forzano. É a segunda ópera do trio de óperas conhecido como Il trittico (O Tríptico). Recebeu sua estreia mundial no Metropolitan Opera em 14 de dezembro de 1918.Local: Um convento na ItáliaTempo: A última parte do século 17A ópera abre com cenas que mostram aspectos típicos da vida no convento. Irmã Angélica e duas irmãs leigas - Irmã Genovieffa e Irmã Dolcina - estão atrasadas para a capela. Todas as irmãs cantam hinos, o Monitor repreende as irmãs Genovieffa e Dolcina por não fazerem penitência como a Irmã Angélica fez, e todos se reúnem para recreação no pátio. As irmãs se regozijam porque, como explica a amante das noviças, esta é a primeira de três noites que ocorrem todos os anos, quando o sol poente bate na fonte para tornar sua água dourada. O fato faz com que as irmãs se lembrem de Bianca Rosa, irmã que morreu. A irmã Genovieffa sugere que eles despejem um pouco da água "dourada" em seu túmulo.As freiras discutem seus desejos por prazeres mundanos. Embora o Monitor acredite que qualquer desejo esteja errado, a irmã Genovieffa confessa que anseia pelos cordeiros que cuidava quando era pastora, e a irmã Dolcina por alimentos doces para comer. Irmã Angélica afirma não ter desejos, mas assim que ela diz isso, as freiras começam a fofocar - Irmã Angélica mentiu, porque seu verdadeiro desejo é ouvir de sua família nobre rica, de quem ela não tem notícias há sete anos. Há rumores de que ela foi enviada para o convento como castigo.A conversa é interrompida pela irmã da enfermaria, que implora à irmã Angélica que faça um remédio fitoterápico, sua especialidade, para uma picada de vespa. Dois tourières chegam, trazendo suprimentos para o convento, e notícias de que um grande ônibus está esperando do lado de fora. Irmã Angélica fica nervosa e chateada, pensando corretamente que alguém de sua família veio visitá-la. A Abadessa repreende a Irmã Angélica por sua excitação inapropriada e anuncia a visitante, a Princesa, tia da Irmã Angélica.A princesa rejeita os gestos carinhosos da irmã Angélica. A princesa explica que, 20 anos antes, ela se tornou a guardiã de Angélica e sua irmã Anna Viola quando seus pais morreram e que ela recebeu controle sobre a herança de suas sobrinhas. A princesa, então, revela o motivo de ter ido ao convento — Angélica precisa assinar um documento transferindo sua herança para Anna Viola, que está se casando com um homem disposto a ignorar a vergonha que a irmã de sua noiva trouxe para sua família. Angélica responde que se arrependeu de seu pecado, mas que não pode sacrificar tudo à Virgem: não pode esquecer as lembranças de seu filho ilegítimo, que lhe foi tirado 7 anos antes e de sua tia tê-la banido para o convento como retribuição. A princesa a princípio se recusa a responder, mas ela finalmente informa à irmã Angélica que seu filho morreu de febre 2 anos antes. Irmã Angélica, arrasada, assina o documento transferindo sua herança e depois desaba em lágrimas. A princesa vai embora.Irmã Angélica é tomada por uma visão celestial – ela acredita que ouve seu filho chamando por ela para encontrá-lo no paraíso. Ela faz um veneno e bebe, mas percebe que, ao se matar, cometeu um pecado mortal e se condenou à separação eterna de seu filho. Ela implora misericórdia à Virgem Maria e, ao morrer, testemunha um milagre: a Virgem Maria aparece junto com o filho da irmã Angélica, que corre para abraçá-la.
Ópera Semiramide de Gioachino Rossini com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Semiramide (pronúncia italiana: [semiˈraːmide]) é uma ópera em dois atos de Gioachino Rossini. O libreto de Gaetano Rossi é baseado na tragédia Semiramis de Voltaire, que por sua vez foi baseada na lenda de Semíramis da Assíria. A ópera foi apresentada pela primeira vez no La Fenice, em Veneza, em 3 de fevereiro de 1823.Semiramide foi a última ópera italiana de Rossini e, de acordo com Richard Osborne, "poderia muito bem ser apelidada de Tancredi Revisited". Assim como em Tancredi, o libreto de Rossi foi baseado em uma tragédia de Voltaire. A música tomou a forma de um retorno às tradições vocais da juventude de Rossini, e foi um melodrama no qual ele "recriou a tradição barroca de canto decorativo com habilidade incomparável". As cenas de conjunto (particularmente as duplas entre Arsace e Semiramide) e coros são de alta ordem, assim como a escrita orquestral, que faz pleno uso de um grande poço.Depois desse esplêndido trabalho, um de seus melhores no gênero, Rossini virou as costas para a Itália e se mudou para Paris. Além de Il viaggio a Reims, que ainda está em italiano, suas últimas óperas foram composições originais em francês ou adaptações extensivamente retrabalhadas para o francês de óperas italianas anteriores.O musicólogo Rodolfo Celletti resume a importância de Semiramide afirmando que "foi a última ópera da grande tradição barroca: a mais bela, a mais imaginativa, possivelmente a mais completa; mas também, irremediavelmente, a última". [5]Depois de deixar sua marca com uma série de óperas cômicas brilhantes (mais notavelmente Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola, Il turco na Itália, e L'italiana na Argélia), Rossini voltou-se cada vez mais para a ópera séria (opere serie). Durante os anos de 1813 (quando Rossini compôs Tancredi) até 1822 ele escreveu uma série considerável deles, principalmente para o Teatro di San Carlo, Nápoles.Uma das razões para seu novo interesse pelo gênero sério foi sua conexão com a grande soprano dramática Isabella Colbran, que foi primeiro sua amante, depois sua esposa. Ela criou os principais papéis femininos em Elisabetta, regina d'Inghilterra (1815), Otello (1816), Armida (1817), Mosè in Egitto (1818), Maometto II (1820), e cinco outras óperas de Rossini até e incluindo sua contribuição final para o gênero, Semiramide, que também foi escrito com Colbran no papel principal.O trabalho começou com o libretista em outubro de 1822, compositor e libretista pegando a história de Voltaire e fazendo mudanças significativas. A composição real levou 33 dias para completar a partitura. Após sua estreia, a ópera foi colocada vinte e oito vezes para o resto da temporada em Veneza (e, em algum momento, por quatro noites seguidas) e passou a apresentações em toda a Itália e Europa, incluindo Paris em 1825, Milão em 1829 e 1831, e Viena em 1830. Chegou a Londres em 15 de julho de 1824, teve sua estreia nos Estados Unidos no St. Charles Theatre em Nova Orleans em 1 de maio de 1837, mas demorou até 3 de janeiro de 1845, antes de ser apresentado em Nova York. Outras prima donnas surgiram nos papéis principais por volta de 1825, uma vez que os poderes vocais de Colbran haviam diminuído muito na época das apresentações de estreia em Veneza e ela "não estava em nenhum estado para cantar o papel novamente". Por 25 anos após 1830, Giulia Grisi triunfou no papel notavelmente em São Petersburgo em 1849 e Nova York em 1854.No final de 1800, a ópera praticamente desapareceu do repertório. No entanto, foi escolhido em 1880 para inaugurar o Teatro Costanzi, novo local da companhia de Ópera de Roma, e apareceu como parte do Festival de Ópera de Cincinnati 1882, que contou com a presença de Oscar Wilde e que contou com a famosa diva Adelina Patti que escolheu a ária "Bel raggio lusinghiero" para sua performance de despedida. O Metropolitan Opera reviveu Semiramide em 1892, 1894 (com Nellie Melba) e 1895.
Ópera Sansão e Dalila (Samson et Dalila) Op 47 de Camille Saint Saens com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Sansão e Dalila (em francês: Samson et Dalila), Op. 47, é uma grande ópera em três atos e quatro cenas de Camille Saint-Saëns com libreto francês de Ferdinand Lemaire. Foi apresentada pela primeira vez em Weimar no Teatro Grossherzogliches (atual Staatskapelle Weimar) em 2 de dezembro de 1877 em uma tradução alemã.A ópera é baseada no conto bíblico de Sansão e Dalila encontrado no capítulo 16 do Livro dos Juízes no Antigo Testamento. É a única ópera de Saint-Saëns que é executada regularmente. A cena de amor do segundo ato na tenda de Dalila é um dos cenários que definem a ópera francesa. Duas árias de Dalila são particularmente conhecidas: "Printemps qui commence" ("A primavera começa") e "Mon cœur s'ouvre à ta voix" ("Meu coração se abre para sua voz", também conhecida como "Suavemente desperta meu coração"), a última das quais é uma das peças de recital mais populares no repertório mezzo-soprano/contralto.Em meados do século 19, um renascimento do interesse pela música coral varreu a França, e Saint-Saëns, um admirador dos oratórios de Handel e Mendelssohn, fez planos para compor um oratório sobre o tema Sansão e Dalila, como sugerido pelo libreto Sansão de Voltaire para Rameau. O compositor começou a trabalhar no tema em 1867, apenas dois anos depois de completar sua primeira (e ainda não executada) ópera, Le timbre d'argent. Saint-Saëns havia abordado Ferdinand Lemaire, marido de um dos primos de sua esposa, para escrever um libreto para o oratório, mas Lemaire convenceu o compositor de que a história era mais adequada para uma ópera. [1]Saint-Saëns escreveu mais tarde:Um jovem parente meu havia se casado com um jovem encantador que escrevia versos ao lado. Percebi que ele era talentoso e tinha de fato um verdadeiro talento. Pedi a ele que trabalhasse comigo em um oratório sobre um assunto bíblico. 'Um oratório!', ele disse, 'não, vamos fazer uma ópera!', e ele começou a vasculhar a Bíblia enquanto eu delineava o plano da obra, até mesmo esboçando cenas, e deixando apenas a versificação para fazer. Por algum motivo, comecei a música com o ato 2, e a toquei em casa para um público seleto que não podia fazer nada dela.1910) (foto), mas a cantora era muito velha para ensaiar o papel para a estreia de 2 de dezembro de 1877 em Weimar e o papel foi confiado a Auguste von Müller.Depois que Lemaire terminou o libreto, Saint-Saëns começou a compor ativamente o ato 2 da ópera, produzindo uma ária para Dalila, um dueto para Sansão e Dalila, e algumas peças musicais para o coro (algumas das quais foram mais tarde atribuídas ao ato 1) durante 1867-1869. Desde o início, a obra foi concebida como um grande dueto entre Sansão e Dalila contra a tempestade que se aproximava. Embora a orquestração ainda não estivesse completa, o ato 2 foi apresentado em uma apresentação privada em 1870, pouco antes da eclosão da Guerra Franco-Prussiana, com Saint-Saëns tocando as partes orquestrais, que foram em grande parte improvisadas, no piano. A compositora Augusta Holmès (Dalila), o pintor Henri Regnault (Sansão) e Romain Bussine (Sumo Sacerdote) renderam seus papéis a partir de livros parciais. Apesar de muitos precedentes, o público francês reagiu negativamente à intenção de Saint-Saëns de colocar um assunto bíblico no palco. O alarme por parte do público fez com que ele abandonasse o trabalho na ópera pelos próximos dois anos.
Ópera Iolanta, Op 69, em russo Иоланта de Pyotr Tchaikovsky com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Iolanta, Op. 69, (em russo: Иоланта) é uma ópera lírica em um ato de Pyotr Tchaikovsky. Foi a última ópera que compôs. O libreto foi escrito pelo irmão do compositor, Modest Tchaikovsky, e é baseado na peça dinamarquesa Kong Renés Datter (Filha do Rei René) de Henrik Hertz, um relato romantizado da vida de Yolande de Bar. Na peça dinamarquesa original, a grafia do nome da princesa era "Iolanthe", mais tarde adotada para a opereta Gilbert e Sullivan desse nome. A peça foi traduzida por Fyodor Miller e adaptada por Vladimir Zotov. A ópera teve sua estreia em 18 de dezembro de 1892 em São Petersburgo.Compondo após a conclusão de A Rainha de Espadas, Tchaikovsky temia ter perdido sua inspiração criativa após um projeto tão grande. Ele começou Iolanta em junho de 1891 com o dueto central, e, apesar de suas preocupações, terminou a composição em setembro e orquestração em novembro. A recepção do público foi bastante favorável, embora Tchaikovsky estivesse desapontado e sentisse que estava se repetindo, especialmente quando comparado com seu trabalho anterior, A Feiticeira.A estreia mundial ocorreu em 18 de dezembro (6 de dezembro O.S.) 1892 no Teatro Mariinsky em São Petersburgo. Foi conduzido por Eduard Nápravník e os cenários foram desenhados por Mikhail Bocharov. A estreia da ópera dividiu uma dobradinha com o último balé do compositor, O Quebra-Nozes. Uma versão em dois atos de 1997 de Iolanta é apresentada regularmente no Teatro Bolshoi em Moscou, e na Bielorrússia.Sua primeira apresentação fora da Rússia foi em Hamburgo em 3 de janeiro de 1893, com Gustav Mahler conduzindo. Mahler também conduziu a estreia em Viena em 22 de março de 1900. [4] Em Nova Iorque foi produzido em 1997 e 2011 pela Dicapo Opera. Em 2015, Iolanta foi apresentada pela primeira vez no Metropolitan Opera em Nova York, com Anna Netrebko no papel-título.Há apenas algumas gravações da ópera, embora a ária de Robert tenha sido gravada e executada em concertos com frequência. Uma performance de 1963 foi filmada em Riga e lançada no exterior em 1974.O cantor cego Nafset Chenib (headliner da cerimônia de encerramento dos Jogos Paralímpicos de Inverno de 2014) se apresentou no papel-título na Fortaleza de Ivangorod em 29 de agosto de 2021.
Ópera Anna Bolena de Gaetano Donizetti com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Anna Bolena é uma ópera trágica (tragedia lirica) em dois atos composta por Gaetano Donizetti. Felice Romani escreveu o libreto italiano depois de Enrico VIII ossia Anna Bolena, de Ippolito Pindemonte, e Anna Bolena, de Alessandro Pepoli, ambos contando a vida de Ana Bolena, a segunda esposa do rei Henrique VIII da Inglaterra.É uma das quatro óperas de Donizetti que tratam do período Tudor na história inglesa - em ordem de composição, Il castello di Kenilworth (1829), Anna Bolena (1830), Maria Stuarda (nomeada em homenagem a Maria, rainha da Escócia, apareceu em diferentes formas em 1834 e 1835), e Roberto Devereux (1837, nomeado em homenagem a um suposto amante da rainha Elizabeth I da Inglaterra). As principais personagens femininas das três últimas óperas são muitas vezes referidas como "as Três Rainhas Donizetti".Anna Bolena estreou em 26 de dezembro de 1830 no Teatro Carcano, em Milão, com "sucesso avassalador". Weinstock observa que somente após esse sucesso o professor de Donizetti, Johann Simon Mayr, "se dirigiu a seu ex-aluno como Maestro". O compositor tinha começado "a emergir como um dos três nomes mais luminosos no mundo da ópera italiana", ao lado de Bellini e Rossini.Século 19Depois de suas apresentações de abertura na Itália em 1830, Anna Bolena foi dada pela primeira vez em Londres no King's Theatre em 8 de julho de 1831. Sua primeira apresentação nos EUA foi dada em francês (como Anne de Boulen) em Nova Orleans, no Théâtre d'Orléans em 12 de novembro de 1839. A estreia da ópera em Nova York, e a primeira apresentação italiana da obra nos Estados Unidos, ocorreu na Astor Opera House em 7 de janeiro de 1850, com o maestro Max Maretzek e Apollonia Bertucca no papel-título. Parece ter sido apresentado na Europa, até 1850, em 25 cidades e novamente em 1881 em Livorno. Após o surgimento do verismo,[2] ele foi realizado com pouca frequência.Século 20 e alémRaramente visto na primeira metade do século 20, foi revivido com mais frequência após a Segunda Guerra Mundial. Em 30 de dezembro de 1947, a ópera foi apresentada no Gran Teatre del Liceu, em Barcelona, para marcar o centenário daquele teatro (que havia sido inaugurado em 1847 com Anna Bolena). O elenco era formado por Sara Scuderi como Anna, Giulietta Simionato como Jane Seymour e Cesare Siepi como Henrique VIII. Em abril de 1957, a ópera foi revivida no La Scala para Maria Callas (uma das sete performances foi gravada) em uma produção luxuosa dirigida por Luchino Visconti, com Giulietta Simionato como Jane Seymour. Provou ser um dos maiores triunfos de Callas. No revival do ano seguinte, Callas e Simionato repetiram seus papéis e se juntaram a Siepi como o rei, este papel tendo sido cantado por Nicola Rossi-Lemeni na estreia no ano anterior.Desde sua performance de 1850, a ópera não foi executada novamente nos Estados Unidos até que foi apresentada em uma versão de concerto pela American Opera Society em outubro de 1957 com Gloria Davy o papel-título e Simionato como Giovanna Seymour para apresentações no Town Hall e Carnegie Hall. Em 26 de junho de 1959, a Ópera de Santa Fé montou a primeira produção totalmente encenada da obra desde 1839.Várias sopranos modernas famosas emprestaram suas vozes para o papel, incluindo Leyla Gencer, Montserrat Caballé, Marisa Galvany, Renata Scotto, Edita Gruberova e Mariella Devia. Na década de 1970, Beverly Sills ganhou um grau considerável de fama quando apareceu em todas as três óperas "Tudor" de Donizetti na New York City Opera. (Ela também fez gravações de estúdio de todas as três óperas.) E Anna foi um dos últimos novos papéis interpretados por Dame Joan Sutherland, na Ópera de São Francisco em 1984.Embora ainda não faça parte do "repertório padrão", Anna Bolena é cada vez mais executada hoje, e há várias gravações.
Ópera Capriccio Op 85 de Richard Strauss com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Capriccio, Op. 85, é a última ópera do compositor alemão Richard Strauss, com o subtítulo "A Conversation Piece for Music". Recebeu sua estreia no Nationaltheater München em 28 de outubro de 1942. Strauss e Clemens Krauss escreveram o libreto alemão, mas sua gênese veio de Stefan Zweig na década de 1930, e Joseph Gregor desenvolveu a ideia vários anos depois. Strauss então assumiu, mas finalmente recrutou Krauss como seu colaborador. A maior parte do libreto final é de Krauss. [1]A ópera originalmente consistia em um único ato com duração de cerca de duas horas e meia. Isso, em combinação com o tom conversacional da obra e a ênfase no texto, impediu que ela alcançasse grande popularidade. Mas em Hamburgo, em 1957, Rudolf Hartmann [de], que dirigiu a ópera em sua estreia em Munique, inseriu um intervalo no ponto em que a Condessa pede chocolate, e outros diretores muitas vezes seguiram o exemplo, incluindo apresentações no Festival de Ópera de Glyndebourne. A cena final da Condessa Madeleine é frequentemente ouvida como um trecho. Capriccio recebeu sua estreia profissional americana na Ópera de Santa Fé em 1958, depois que a Juilliard School a encenou em 1954 com Gloria Davy e Thomas Stewart como os irmãos aristocráticos.
Ópera Simon Boccanegra de Giuseppe Verdi com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Simon Boccanegra (em italiano: [siˈmom ˌbokkaˈneːɡra]) é uma ópera com um prólogo e três atos de Giuseppe Verdi com libreto italiano de Francesco Maria Piave, baseada na peça Simón Bocanegra (1843) de Antonio García Gutiérrez, cuja peça El trovador tinha sido a base para a ópera de Verdi de 1853, Il trovatore.Simon Boccanegra foi apresentado pela primeira vez no Teatro La Fenice, em Veneza, em 12 de março de 1857. Dadas as complicações do enredo original e a resposta popular geralmente pobre - embora a crítica tenha sido mais encorajadora - a ópera caiu em desuso após 1866. Finalmente, 23 anos depois, a editora de Verdi convenceu o compositor a rever a ópera, com mudanças de texto a serem preparadas por Arrigo Boito, o libretista que aspirava trabalhar com o compositor envelhecido em um projeto que acabou se tornando uma nova ópera, Otello, mas com o qual Verdi não havia se comprometido totalmente naquela época.A versão revisada de Simon Boccanegra, com a agora famosa cena da Câmara do Conselho, foi apresentada pela primeira vez no La Scala, em Milão, em 24 de março de 1881. É essa versão a mais realizada atualmente.O musicólogo e autor Julian Budden aponta três projetos que o compositor tinha em mente quando, no início de 1855, recusou um convite de La Fenice para escrever uma nova ópera para eles para o ano seguinte. Ele respondeu: "o principal obstáculo é minha determinação inabalável de não me prender mais a um período definido nem para a composição nem para a produção". [1] Embora essa abordagem não tenha se mostrado viável naquela época, era um objetivo final e, ao almejar alcançá-lo, sua parceira dos quatro anos anteriores, Giuseppina Strepponi encorajou-a muito quando ela escreveu a ele na época de suas frustrações dois anos antes quando trabalhava em Paris em Les vêpres siciliennes.O único projeto para o qual houve movimento para frente foi para a realização de sua há muito planejada Re Lear, uma ópera a ser baseada no Rei Lear, para o qual seu novo libretista (após a morte de Salvadore Cammarano) foi Antonio Somma. Mas um ano depois, ao supervisionar um revival de La traviata em La Fenice, ele concordou com uma nova ópera para aquela casa para a temporada 1856/7,[2] e propôs a peça de Gutiérrez, que Budden presume ter lido em tradução. Budden também presume que a tradução tinha sido feita por Strepponi porque ela tinha sido a tradutora da outra peça de Gutiérrez que se tornou Il trovatore.A trama um tanto complicada de Simon Boccanegra pode ser difícil de acompanhar. Budden observa: "Todos os personagens se definem contra um padrão engenhosamente cambiante de intriga, como pode ser altamente eficaz em uma peça, mas quase impossível de seguir em uma ópera". Verdi chegou ao ponto de realmente escrever o cenário em prosa, que ele então submeteu a Piave em agosto; tudo o que ele esperava de seu libretista era que ela fosse transformada em poesia, então Verdi recusou um pouco quando os censores exigiram uma versão poética completa: "o que importa para o momento que está em prosa ou verso?" Ele se esforçou mais, afirmando que "Eu planejo compor música para um libreto em prosa! O que você acha disso?" No final, houve uma versão poética e tudo estava bem: foi aceito pela casa de ópera e pelos censores.A partir de julho e durante a maior parte do período de preparação do libreto, o compositor e Strepponi estiveram em Paris cuidando de garantir vários direitos de execução e publicação, incluindo trabalhar em uma versão traduzida de Il trovatore, a ópera que se tornou Le trouvère. Piave foi informado de que a estadia de Verdi precisaria ser prolongada e tudo seria tratado entre eles e as autoridades venezianas pelo correio.No entanto, a insatisfação de Verdi com parte do trabalho do libretista levou-o a encontrar um colaborador local para ajudar a revisar algumas das seções. Assim, ele chamou um exilado italiano em Paris, o político, ex-professor de direito, poeta e escritor Giuseppe Montanelli, para fazer isso. Piave não aprendeu nada das revisões até receber uma nota de Verdi: "Aqui está o libreto, encurtado e alterado mais ou menos como deve ser. Você pode colocar o seu nome ou ele, como quiser". No entanto, ele também não soube nada do colaborador anônimo. [7] Após a estreia de Le trouvère em 12 de janeiro de 1857, Verdi e Strepponi deixaram Paris para retornar à Itália, então ambos foram para Veneza para a estreia de março.No entanto, a relação foi logo restaurada e Piave veio a Sant'Agata em abril para trabalhar em algumas revisões, mas foi o libreto que recebeu as críticas mais pesadas: "Foi geralmente condenado como um dos mais ininteligíveis por ter chegado ao palco", observa Kimbell e sua sensação geral sombria e sombria afetaria sua fortuna por muitos anos.
Parsifal WWV 111 de Richard Wagner com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Parsifal (WWV 111) é um drama musical em três atos do compositor alemão Richard Wagner e sua última composição. O libreto de Wagner para a obra é livremente baseado no romance de cavalaria do século 13 Parzival do Minnesänger Wolfram von Eschenbach e no romance de cavalaria francês antigo Perceval ou le Conte du Graal pela trouvère Chrétien de Troyes do século 12, contando diferentes relatos da história do cavaleiro arturiano Parzival (Percival) e sua busca espiritual pelo Santo Graal.Wagner concebeu a obra em abril de 1857, mas só a terminou 25 anos depois. Ao compô-lo, ele aproveitou a acústica particular de seu recém-construído Bayreuth Festspielhaus. Parsifal foi produzido pela primeira vez no segundo Festival de Bayreuth em 1882. O Festival de Bayreuth manteve o monopólio das produções de Parsifal até 1903, quando a ópera foi apresentada no Metropolitan Opera em Nova York.Wagner descreveu Parsifal não como uma ópera, mas como Ein Bühnenweihfestspiel (uma peça de teatro de festival sagrado) Em Bayreuth surgiu uma tradição de que o público não aplaude no final do primeiro ato. O manuscrito autógrafo da obra está preservado na Fundação Richard Wagner.Wagner leu o poema Parzival de von Eschenbach enquanto tomava as águas em Marienbad em 1845 Depois de encontrar os escritos de Arthur Schopenhauer em 1854, Wagner se interessou pelas filosofias indianas, especialmente o budismo. Desse interesse surgiu Die Sieger (The Victors, 1856), um esboço que Wagner escreveu para uma ópera baseada em uma história da vida de Buda Os temas de renúncia, renascimento, compaixão e até mesmo grupos sociais exclusivos (castas em Die Sieger, os cavaleiros do Graal em Parsifal) que mais tarde foram explorados em Parsifal foram introduzidos pela primeira vez em Die Sieger.De acordo com sua autobiografia Mein Leben, Wagner concebeu Parsifal na manhã da Sexta-Feira Santa, abril de 1857, no Asyl (em alemão: "Asilo"), a pequena casa de campo na propriedade de Otto Wesendonck no subúrbio de Zurique de Enge, que Wesendonck - um rico comerciante de seda e generoso patrono das artes - havia colocado à disposição de Wagner, através dos bons ofícios de sua esposa Mathilde Wesendonck. O compositor e sua esposa Minna se mudaram para a casa de campo em 28 de abril:... na Sexta-feira Santa acordei e encontrei o sol brilhando pela primeira vez nesta casa: o pequeno jardim estava radiante de verde, os pássaros cantavam e, finalmente, pude sentar-me no telhado e desfrutar da tão sonhada paz com sua mensagem de promessa. Cheio desse sentimento, lembrei-me subitamente de que o dia era Sexta-Feira Santa, e lembrei-me do significado que esse presságio já havia assumido para mim quando estava lendo Parzival de Wolfram. Desde a estada em Marienbad [no verão de 1845], onde concebi Die Meistersinger e Lohengrin, nunca mais me ocupei daquele poema; agora suas nobres possibilidades me impressionaram com força avassaladora, e de meus pensamentos sobre a Sexta-Feira Santa concebi rapidamente todo um drama, do qual fiz um esboço tosco com alguns traços da caneta, dividindo o todo em três atos.Wagner não retomou o trabalho em Parsifal por oito anos, durante os quais ele completou Tristan und Isolde e começou Die Meistersinger von Nürnberg. Então, entre 27 e 30 de agosto de 1865, ele retomou Parsifal e fez um rascunho em prosa da obra; Este contém um esboço bastante breve da trama e uma quantidade considerável de comentários detalhados sobre os personagens e temas do drama. Mas mais uma vez o trabalho foi abandonado e reservado por mais onze anos e meio. Durante este tempo, a maior parte da energia criativa de Wagner foi dedicada ao ciclo do Anel, que foi finalmente concluído em 1874 e recebeu sua primeira apresentação completa em Bayreuth em agosto de 1876. Somente quando essa tarefa gigantesca foi cumprida é que Wagner encontrou tempo para se concentrar em Parsifal. Em 23 de fevereiro de 1877, ele completou um segundo e mais extenso rascunho em prosa da obra, e em 19 de abril do mesmo ano ele transformou isso em um libreto em verso (ou "poema", como Wagner gostava de chamar seu libreto).Em setembro de 1877 ele começou a música fazendo dois rascunhos completos da partitura do início ao fim. O primeiro deles (conhecido em alemão como Gesamtentwurf e em inglês como o anteprojeto ou o primeiro rascunho completo) foi feito a lápis em três aduelas, uma para as vozes e duas para os instrumentos. O segundo rascunho completo (Orchesterskizze, rascunho orquestral, partitura curta ou particell) foi feito em tinta e em pelo menos três, mas às vezes até cinco, aduelas. Este rascunho era muito mais detalhado do que o primeiro e continha um grau considerável de elaboração instrumental.
Ópera Tristan und Isolde de Richard Wagner com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Tristan und Isolde (em português, Tristão e Isolda) é uma ópera em três atos com música e libreto do compositor alemão Richard Wagner, baseada na lenda medieval contada por Gottfried von Strassburg. Foi composta entre 1857 e 1859 e estreada em Munique em 10 de junho de 1865, no Teatro da Baviera, sob regência do maestro Hans von Bülow. Sua composição foi inspirada em Mathilde Wesendonck e Arthur Schopenhauer. Reconhecida internacionalmente como o ápice do repertório operístico de Richard Wagner, Tristan und Isolde destaca-se pelo uso de cromatismo, tonalidade, cor orquestral e suspensão harmônica. Sua partitura é um marco importante da música erudita moderna por apontar para a dissolução da tonalidade, cuja consequência é o atonalismo do século XX. A ópera manteve um legado entre os compositores ocidentais e serviu de inspiração a músicos como Gustav Mahler, Richard Strauss, Karol Szymanowski, Alban Berg e Arnold Schoenberg. Avaliada retrospectivamente, a performance foi considerada como "o fim da harmonia convencional e a tonalidade. Wagner compôs a ópera durante o período que passou na Suíça, quando se viu obrigado a deixar o seu cargo na Ópera de Dresde em 1849, uma vez que tinham ordenado sua detenção por ter participado da Revolução de Maio. O compositor deixou sua esposa, Minna Planer, em Dresde e fugiu para Zurique. Na cidade suíça conheceu, em 1852, o rico comerciante de seda, Otto Wesendonck, o qual o ajudou economicamente. Mathilde Wesendonck namorou o compositor à época. Ainda que Wagner estava trabalhando em seu épico Der Ring des Nibelungen, sentiu-se intrigado pela lenda medieval de Tristão e Isolda. À medida que a composição da obra ia progredindo em 1857 e 1858, sua complexidade aumentava. A redescoberta da poesia germânica medieval produziu um grande impacto nos movimentos românticos na Alemanha em meados do século XIX. Há várias versões da tragédia Tristão e Isolda, a primeira remonta-se em meados do século XII, a versão de Gottfried von Strassburg teve uma enorme influência na literatura moderna alemã.[4] Wagner escreveu o libreto baseando-se da história de Gottfried, do qual se inspirou na lenda medieval de Tristão, escrita em francês por Tomás da Inglaterra. Os compositores românticos encontraram nos romances medievais uma fonte de inspiração para argumentos de suas óperas. Muitos críticos, à época, consideraram que a obra de Wagner representava "o zênite da música ocidental"; por outro lado, uma banda musical, liderados por Eduard Hanslick classificou-a como "incompreensível". Segundo sua obra autobiográfica, Mein Leben, Wagner decidiu dramatizar a lenda de Tristan und Isolde após o pedido de seu amigo Karl Ritter: “Esforcei-me, de fato, em dar proeminência às fases mais ligeiras do romance, porém a sua tragédia onipresente me impressionou tão profundamente que me convenceu de que se deve destacar [tudo], independente dos detalhes".
Ópera Otello de Verdi com legendas em portugues ClarindOOliveira 2024-03-16 | Otello (pronúncia italiana: [oˈtɛllo]) é uma ópera em quatro atos de Giuseppe Verdi com libreto italiano de Arrigo Boito, baseada na peça Otelo de Shakespeare. Foi a penúltima ópera de Verdi, apresentada pela primeira vez no Teatro alla Scala, em Milão, em 5 de fevereiro de 1887. O compositor estava relutante em escrever qualquer coisa nova após o sucesso de Aida em 1871, e ele se retirou para a aposentadoria. Levou seu editor de Milão Giulio Ricordi os próximos dez anos, primeiro para encorajar a revisão de Simon Boccanegra de Verdi de 1857, introduzindo Boito como libretista e, em seguida, para começar o árduo processo de persuadir e persuadir Verdi a ver o libreto completo de Boito para Otello em julho / agosto de 1881. [1] No entanto, o processo de escrever os primeiros rascunhos do libreto e os anos de sua revisão, com Verdi o tempo todo não prometendo nada, se arrastaram. Não foi até 1884, cinco anos após os primeiros rascunhos do libreto, que a composição começou, com a maior parte do trabalho terminando no final de 1885. Quando finalmente estreou em Milão em 5 de fevereiro de 1887, provou ser um sucesso retumbante, e mais encenações de Otello logo se seguiram nos principais teatros da Europa e da América. Após a conclusão e estreia de sua ópera Aida em dezembro de 1871, Verdi decidiu que era hora de ele terminar sua carreira de sucesso como compositor de ópera, assim como Rossini tinha feito após a conclusão da ópera William Tell, embora ele fosse facilmente o compositor mais popular, e possivelmente o mais rico, na Itália na época. No entanto, os anos sessenta de Verdi não foram bons anos: como observa o musicólogo Julian Budden, "ele parecia ter entrado [naqueles anos] em um clima de melancolia e depressão [.. e..] suas cartas na época estavam cheias de queixas sobre o teatro italiano, a política italiana e a música italiana em geral [todas] vistas por ele como afundando sob uma maré de germanismo". Devido à imensa popularidade da música de Verdi na Itália na década de 1870, a aposentadoria de Verdi parecia ao seu editor, Giulio Ricordi, um desperdício de talento e possíveis lucros. Assim, uma espécie de enredo foi arquitetado para persuadir o compositor a sair da aposentadoria para escrever outra ópera. Devido à importância dos aspectos dramáticos da ópera para o compositor, Verdi foi especialmente seletivo em sua escolha de assuntos. Consequentemente, se ele concordasse em criar outra ópera após uma década de aposentadoria. Durante o período em que uma história adequada estava sendo procurada para o que se tornou Aida, Ricordi se deparou com o libreto parcialmente acabado de Boito de sua própria ópera Nerone, e ele até sugeriu em uma carta de fevereiro de 1870 a Verdi que, com a permissão de Boito, ele a musicou. Verdi ignorou-o, e assim Ricordi tentou novamente em janeiro de 1871, anexando com sua carta uma cópia do libreto de Boito para o amigo e colaborador de Boito, Franco Faccio, Amleto, que havia sido dado em 1865 e foi revivido em fevereiro de 1871. [3] Nada veio dessa abordagem, embora Ricordi tenha perseverado de várias maneiras, como visto pela resposta grosseira do compositor à declaração do editor "Toda a salvação do teatro e da arte está em suas mãos", quando Verdi escreveu em abril de 1875 que "Eu não posso tomar isso como apenas uma piada", continuando com "Oh não, nunca tenha medo, compositores para o teatro nunca faltarão". As recusas de Verdi continuaram à medida que a década de 1870 progredia. Sabendo de seu interesse na soprano Adelina Patti, Ricordi tentou seduzi-lo a escrever uma ópera para ela, mas a recusa de Verdi resultou em outra abordagem através de uma carta à esposa do compositor, Giuseppina, que apresentaria a ideia em um momento oportuno. Mas ela confessou a derrota mais uma vez. Clara Maffei também tentou, sem sucesso, em março de 1878, interessar a Verdi, que respondeu: "Por qual razão devo escrever? O que eu conseguiria fazer?" Enquanto ele estava tentando fazer com que Verdi envolvesse uma nova ópera, em maio de 1879 Ricordi também tentou envolver o compositor na revisão de Simon Boccanegra. Esta sugestão, originalmente expressa dez anos antes, mas ignorada, foi mais uma vez ignorada por Verdi, que enviou uma nota dizendo que a partitura de 1857, que havia sido enviada ao compositor para revisão, permaneceria intocada "assim como você a enviou para mim". Persistindo com novas tentativas de convencer o compositor, Ricordi também abordou a ideia de uma colaboração com Boito para uma nova ópera baseada em Otelo, de Shakespeare. Verdi admirava as obras dramáticas de Shakespeare e, ao longo de sua carreira, desejava criar óperas baseadas em suas peças, embora sua única tentativa de fazê-lo, Macbeth em 1847, embora inicialmente bem sucedida, não tenha sido bem recebida quando revisada para apresentação em Paris em 1865. Por causa de sua história relativamente simples, a peça Otelo foi selecionada como um alvo provável.
Recordar é viver música internacional anos 50,60,70 com legendas em português ClarindOOliveira 2023-12-01 | Música internacional com legendas em português.#português #musicas #inesquecíveis
As Melhores de Pholhas ClarindOOliveira 2023-12-01 | Tracklist0:00:00 01 - My Mistake0:03:10 02 - Forever0:06:39 03 - The Other One0:09:50 04 - I Love You0:13:25 05 - She Made Me Cry0:16:42 06 - My Sorrow0:19:25 07 - It's Gonna Be Hard0:22:49 08 - Shadow Of Love0:26:12 09 - I Never Did Before (Mr. X)0:29:06 10 - Anymore0:31:51 11 - Special Girl0:35:22 12 - Sunshine0:39:24 13 - Get Back0:42:01 14 - Dead Faces0:47:59 15 - It's too late0:48:00 16 - Smoke gets in your eyes0:53:06 17 - Listen To The Music0:56:25 18 - Venus0:59:34 19 - I Started A Joke1:02:45 20 - In My Way1:06:14 21 - Have you ever seen the rain-1:08:40 22 - Skyline pigeon1:12:19 23 - Reflections of my life1:16:08 24 - A whiter shade of pale1:20:24 25 - Bus stop1:24:07 26 - Unchained melody1:28:22 27 - Blue suede shoes1:30:58 28 - If#português #musicas #inesquecíveis
Ópera Don Giovanni de Mozart K 527 com legendas em portugues ClarindOOliveira 2023-09-26 | Don Giovanni de Mozart (K. 527; título completo em italiano: Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni, lit. O Libertino Punido, ou Don Giovanni) é uma ópera em dois atos com música do compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart e libreto do autor italiano Lorenzo Da Ponte. Sua primeira apresentação foi realizada em Praga, no Teatro di Praga, especializado em ópera italiana (atualmente chamado de Teatro dos Nobres), em 29 de outubro de 1787. O libreto de Da Ponte foi classificado, assim como muitos outros da época, como um dramma giocoso, termo que descrevia uma obra que continha um misto de ação cômica e séria. Mozart classificou a obra em seu catálogo como uma "opera buffa". Embora por vezes seja ainda hoje em dia classificada como cômica, ela apresenta características de comédia, melodrama e até mesmo elementos sobrenaturais.A obra, que tem um tempo de duração de aproximadamente duas horas e 45 minutos, é considerada uma das obras-primas da história das óperas. Seu tema, além de ter sido presente na obra de autores como Mozart e Da Ponte, também esteve presente em obras de outras figuras de extrema relevância na história cultural europeia, como E.T.A. Hoffmann e Søren Kierkegaard.Na medida em que constitui uma obra pertencente aos clássicos do repertório operístico, consta em décima posição na lista das óperas mais executadas em todo o mundo compilada pelo banco de dados online Operabase. Seu tema também inspirou diversos escritores e filósofos.PersonagensDon Giovanni, um inquietante nobre que seduz as donzelas prometendo casamento, mas as abandona barítono ou baixoLeporello, servo de Don Giovanni baixo-barítono ou baixoComendador, pai de Donna Anna, assassinado por Don Giovanni ao tentar protegê-la do sedutor baixo ou baixo profundoDonna Anna, filha do Comendador soprano lírico-dramáticoDon Ottavio, noivo de Donna Anna tenorDonna Elvira, nobre seduzida e abandonada por Don Giovanni soprano ou mezzosopranoZerlina, jovem, bela e inocente camponesa seduzida por Don Giovanni soprano ou mezzosopranoMasetto, o noivo, muito ciumento, de Zerlina barítono ou baixoCamponeses e camponesas, amigos de Masetto e Zerlina coroServos e guardas de Donna Anna e Don Ottavio coroMúsicos de Don Giovanni coro
Requiem de Verdi com legendas em portugues ClarindOOliveira 2023-08-23 | A Missa da Requiem (em tempos referida como o Requiem Manzoni) é um cenário musical da missa fúnebre católica (Requiem) para quatro solistas, coro duplo e orquestra de Giuseppe Verdi. Foi composta em memória de Alessandro Manzoni, a quem Verdi admirava. A primeira apresentação, na igreja de San Marco, em Milão, em 22 de maio de 1874, marcou o primeiro aniversário da morte de Manzoni.Considerada demasiado operística para ser executada num ambiente litúrgico, é geralmente dada em forma de concerto de cerca de 90 minutos de duração. O musicólogo David Rosen chama-lhe "provavelmente a obra coral mais frequentemente executada desde a compilação do Requiem de Mozart". [2]Após a morte de Gioachino Rossini em 1868, Verdi sugeriu que vários compositores italianos colaborassem em um Requiem em honra de Rossini. Ele começou o esforço apresentando o movimento final, o "Libera me". Durante o ano seguinte, uma Messa per Rossini foi compilada por Verdi e doze outros compositores italianos famosos da época. A estreia foi marcada para 13 de novembro de 1869, o primeiro aniversário da morte de Rossini.No entanto, em 4 de novembro, nove dias antes da estreia, o comitê organizador a abandonou. Verdi atribuiu isso ao maestro Angelo Mariani. Ele apontou para a falta de entusiasmo de Mariani pelo projeto, embora na verdade o maestro não tivesse feito parte do comitê organizador e feito o possível para apoiar Verdi, este episódio marcou o início do fim de sua amizade. A composição permaneceu sem execução até 1988, quando Helmuth Rilling estreou a Messa per Rossini completa em Stuttgart, Alemanha.Enquanto isso, Verdi continuava brincando com seu "Libera me", frustrado que a comemoração combinada da vida de Rossini não seria realizada em sua vida.Em 22 de maio de 1873, o escritor e humanista italiano Alessandro Manzoni, que Verdi havia admirado durante toda a sua vida adulta e conheceu em 1868, morreu. Ao saber de sua morte, Verdi resolveu completar um Requiem - desta vez inteiramente de sua própria escrita - para Manzoni. Verdi viajou para Paris em junho, onde começou a trabalhar no Requiem, dando-lhe a forma que conhecemos hoje. Ele incluiu uma versão revisada do "Libera me" originalmente composto para Rossini.
Requiem de Mozart d Moll KV 626 com Christian Thielemann ClarindOOliveira 2023-08-23 | O Requiem em ré menor, K. 626, é uma missa de réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Mozart compôs parte do Requiem em Viena no final de 1791, mas estava inacabado em sua morte em 5 de dezembro do mesmo ano. Uma versão completa datada de 1792 por Franz Xaver Süssmayr foi entregue ao conde Franz von Walsegg, que havia encomendado a peça para um serviço de réquiem em 14 de fevereiro de 1792 para comemorar o primeiro aniversário da morte de sua esposa Anna aos 20 anos de idade em 14 de fevereiro de 1791.O manuscrito autógrafo mostra o Introito acabado e orquestrado na mão de Mozart, e rascunhos detalhados do Kyrie e da sequência Dies irae até os oito primeiros compassos do movimento Lacrymosa, e o Ofertório. Não se pode mostrar até que ponto Süssmayr pode ter dependido de "pedaços de papel" agora perdidos para o restante; mais tarde, ele reivindicou o Sanctus e o Benedictus e o Agnus Dei como seus.Walsegg provavelmente pretendia passar o Requiem como sua própria composição, como ele é conhecido por ter feito com outras obras. Este plano foi frustrado por uma apresentação de benefício público para a viúva de Mozart, Constanze. Ela foi responsável por uma série de histórias em torno da composição da obra, incluindo as alegações de que Mozart recebeu a encomenda de um mensageiro misterioso que não revelou a identidade do comissário, e que Mozart passou a acreditar que ele estava escrevendo o réquiem para seu próprio funeral.Além da versão de Süssmayr, uma série de complementos alternativos foram desenvolvidos por compositores e musicólogos nos séculos 20 e 21.O Requiem é composto por 2 trompas em F, 2 fagotes, 2 trompetes em D, 3 trombones (alto, tenor e baixo), tímpanos (2 baterias), violinos, viola e baixo contínuo (violoncelo, contrabaixo e órgão). As partes da trompa basset às vezes são tocadas em clarinetes convencionais, mesmo que isso mude a sonoridade.As forças vocais consistem em soprano, contralto, tenor e baixo solistas e um coro misto SATB.A conclusão de Süssmayr divide o Requiem em oito seções:a. Introito Requiem aeternamII. KyrieIII. Sequentiaa. Morre iraeb. Tuba mirum |c. Rex tremendae |d. Recordaree. Confutatisf. LacrimosaIV. Ofertórioa. Domine Jesub. HostiasV. SanctusVI. BenedictusVII. Agnus DeiVIII. Communioa. Lux aeterna |b. Cum sanctis tuisTodas as seções do Sanctus em diante não estão presentes no fragmento manuscrito de Mozart. Mozart pode ter a intenção de incluir a fuga Amém no final da Sequentia, mas Süssmayr não o fez em sua conclusão.A tabela a seguir mostra as oito seções da conclusão de Süssmayr com suas subdivisões: título, partes vocais (soprano solo (S), alto (A), tenor (T) e baixo (B) [em negrito] e coro de quatro partes SATB), tempo, tecla e métrica.
Requiem em Ré menor, op 48 de Gabriel Fauré com legendas em portugues ClarindOOliveira 2023-08-23 | Requiem em ré menor, Op. 48, Gabriel Fauré compôs entre 1887 e 1890. O cenário coral-orquestral da abreviada missa católica pelos mortos em latim é a mais conhecida de suas grandes obras. Seu foco é o descanso eterno e a consolação. As razões de Fauré para compor a obra não são claras, mas não parecem ter tido nada a ver com a morte de seus pais em meados da década de 1880. Ele compôs a obra no final da década de 1880 e a revisou na década de 1890, terminando-a em 1900.Em sete movimentos, a obra é composta para solistas soprano e barítono, coro misto, orquestra e órgão. Diferente das configurações típicas de Requiem, a sequência completa Dies irae é omitida, substituída por sua seção Pie Jesu. O movimento final In Paradisum é baseado em um texto que não faz parte da liturgia da missa fúnebre, mas do enterro.Fauré escreveu sobre a obra: "Tudo o que consegui entreter por meio da ilusão religiosa coloquei em meu Requiem, que além disso é dominado do início ao fim por um sentimento muito humano de fé no descanso eterno".A peça estreou em sua primeira versão em 1888 em La Madeleine, em Paris, para uma missa fúnebre. Uma apresentação leva cerca de 35 minutos.As razões de Fauré para compor seu Requiem são incertas. Um possível impulso pode ter sido a morte de seu pai, em 1885, e a morte de sua mãe, dois anos depois, na véspera de Ano Novo de 1887. No entanto, quando sua mãe morreu, ele já havia começado o trabalho, sobre o qual mais tarde declarou: "Meu Requiem não foi escrito para nada – por prazer, se posso chamá-lo assim!" A mais antiga música composta incluída no Requiem é a Libera me, que Fauré escreveu em 1877 como uma obra independente. Em 1887-88, Fauré compôs a primeira versão da obra, que ele chamou de "un petit Requiem"] com cinco movimentos (Introit e Kyrie, Sanctus, Pie Jesu, Agnus Dei e In Paradisum), mas não incluiu seu Libera me. Esta versão foi realizada pela primeira vez em 16 de janeiro de 1888 para o funeral de Joseph Lesoufaché, um arquiteto, em La Madeleine, Paris. O compositor conduziu sua obra; o solista agudo foi Louis Aubert. Em 1889, Fauré acrescentou a porção Hostias do Ofertório e em 1890 ele expandiu o Ofertório e acrescentou o Libera me de 1877. Esta segunda versão foi estreada em 21 de janeiro de 1893, novamente no Madeleine com Fauré conduzindo. As autoridades eclesiásticas não permitiam cantoras e insistiam em coralistas e solistas de agudos e altos; Fauré compôs a obra com essas vozes em mente, e teve que empregá-las para suas apresentações na Madeleine, mas na sala de concertos, sem restrições pelas regras eclesiásticas, ele preferiu cantoras para as partes corais superiores e o solo no Pie Jesu.
Requiem Alemão de Johannes Brahms Op 45 com legendas em portugues ClarindOOliveira 2023-08-23 | O Réquiem Alemão, sobre palavras da Sagrada Escritura, Op. 45 (em alemão: Ein deutsches Requiem, nach Worten der heiligen Schrift, op. 45) de Johannes Brahms, é uma grande obra para coral, orquestra e solistas, composta entre 1865 e 1868. Com sete partes, que demoram uns 70 minutos, é a maior obra de Brahms. O réquiem de Brahms é música sacra, mas não música litúrgica como os réquiens de Verdi, Mozart e outros compositores católicos. Brahms, assim como Bach, era protestante luterano e exprime com sua obra a seriedade e firmeza da fé dessa igreja tradicional. Ele usa a língua alemã, como já sugere o título da obra.A mãe de Brahms morreu em fevereiro de 1865, e esse fato provavelmente inspirou-o para compor um réquiem. Essa morte foi a segunda grande perda na vida de Brahms depois da morte do amigo e compositor Robert Schumann em 1856. Até o fim de abril 1865, Brahms completou a primeira, a segunda e a quarta parte. A segunda parte está baseada em esboços do ano 1854, o ano do declínio de Robert Schumann. Brahms, em 1854, foi para Düsseldorf, Alemanha, para ajudar a Clara Schumann, a esposa de Robert, e as crianças pequenas.Brahms completou a quinta parte em 1866. Johann Herbeck regeu as primeiras três partes em Viena no 1º de dezembro de 1867. Essa estreia não saiu bem, porque o timpanista leu algumas partes de forma errada. (Nessa época as orquestras ainda não faziam ensaios antes de apresentar uma obra. A estreia da obra quase completa em 1868 na catedral de Bremen na Sexta-feira Santa, dia 10 de abril de 1868, com Brahms como maestro e o barítono famoso Julius Stockhausen foi um grande sucesso e um ponto decisivo na carreira de Brahms. O próprio Brahms escolheu e arranjou os textos de seu réquiem. Enquanto o réquiem tradicional da igreja católica, usado por compositores como Verdi, Mozart, Cherubini, Dvorak, é um texto litúrgico estandardizado em latim, Brahms escolheu os textos livremente da Bíblia na tradução alemã de Martinho Lutero, incluindo livros apócrifos, que se encontrão em muitas bíblias evangélicas em anexo.O réquiem católico começa com orações a favor dos mortos. Os protestantes rejeitam a ideia de rezar para um morto, porque o morto, uma vez julgado para salvação ou condenação, não pode mais ser beneficiado com orações e réquiens. Por isso o réquiem de Brahms se direciona aos vivos e começa: Felizes são os que choram, pois serão consolados.
Madrigal Io che nellotio nacqui -Il ritorno dUlisse in patria de Monteverdi com legendas em portug ClarindOOliveira 2023-08-23 | ...
Montserrat Caballé Sposa son Disprezzata (Bajazet de vivaldi) ClarindOOliveira 2023-08-23 | Sposa son disprezzataFida, son oltraggiataCieli che feci mai?Sole che feci mai?E pur egl'è il mio corIl mio sposo, il mio amorLa mia speranzaSposa son disprezzataFida, son oltraggiataCieli che feci mai?Cieli che feci mai?E pur egl'è il mio corIl mio sposo, il mio amorLa mia speranzaLa mia speranzaIl mio sposo, il mio amorLa mia speranzaLa mia speranza- - - Noiva eu sou desprezada Confie, estou indignada O que ele já ouviu? Eu nunca fiz o sol? E embora seja meu coração Meu noivo, meu amor Minha esperança Noiva eu sou desprezada Confie, estou indignada O que ele já ouviu? Bem, o que eu já fiz? E embora seja meu coração Meu noivo, meu amor Minha esperança Minha esperança Meu noivo, meu amor Minha esperança Minha esperança
Requiem de Mozart com legendas em portugues e latim ClarindOOliveira 2023-08-23 | O Requiem em ré menor, K. 626, é uma missa de réquiem de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). Mozart compôs parte do Requiem em Viena no final de 1791, mas estava inacabado em sua morte em 5 de dezembro do mesmo ano. Uma versão completa datada de 1792 por Franz Xaver Süssmayr foi entregue ao conde Franz von Walsegg, que havia encomendado a peça para um serviço de réquiem em 14 de fevereiro de 1792 para comemorar o primeiro aniversário da morte de sua esposa Anna aos 20 anos de idade em 14 de fevereiro de 1791.O manuscrito autógrafo mostra o Introito acabado e orquestrado na mão de Mozart, e rascunhos detalhados do Kyrie e da sequência Dies irae até os oito primeiros compassos do movimento Lacrymosa, e o Ofertório. Não se pode mostrar até que ponto Süssmayr pode ter dependido de "pedaços de papel" agora perdidos para o restante; mais tarde, ele reivindicou o Sanctus e o Benedictus e o Agnus Dei como seus.Walsegg provavelmente pretendia passar o Requiem como sua própria composição, como ele é conhecido por ter feito com outras obras. Este plano foi frustrado por uma apresentação de benefício público para a viúva de Mozart, Constanze. Ela foi responsável por uma série de histórias em torno da composição da obra, incluindo as alegações de que Mozart recebeu a encomenda de um mensageiro misterioso que não revelou a identidade do comissário, e que Mozart passou a acreditar que ele estava escrevendo o réquiem para seu próprio funeral.Além da versão de Süssmayr, uma série de complementos alternativos foram desenvolvidos por compositores e musicólogos nos séculos 20 e 21.O Requiem é composto por 2 trompas em F, 2 fagotes, 2 trompetes em D, 3 trombones (alto, tenor e baixo), tímpanos (2 baterias), violinos, viola e baixo contínuo (violoncelo, contrabaixo e órgão). As partes da trompa basset às vezes são tocadas em clarinetes convencionais, mesmo que isso mude a sonoridade.As forças vocais consistem em soprano, contralto, tenor e baixo solistas e um coro misto SATB.A conclusão de Süssmayr divide o Requiem em oito seções:a. Introito Requiem aeternamII. KyrieIII. Sequentiaa. Morre iraeb. Tuba mirum |c. Rex tremendae |d. Recordaree. Confutatisf. LacrimosaIV. Ofertórioa. Domine Jesub. HostiasV. SanctusVI. BenedictusVII. Agnus DeiVIII. Communioa. Lux aeterna |b. Cum sanctis tuisTodas as seções do Sanctus em diante não estão presentes no fragmento manuscrito de Mozart. Mozart pode ter a intenção de incluir a fuga Amém no final da Sequentia, mas Süssmayr não o fez em sua conclusão.A tabela a seguir mostra as oito seções da conclusão de Süssmayr com suas subdivisões: título, partes vocais (soprano solo (S), alto (A), tenor (T) e baixo (B) [em negrito] e coro de quatro partes SATB), tempo, tecla e métrica.
Mantra (Mantras Para Meditação e Prosperidade) Mantra from Tibet ClarindOOliveira 2023-08-19 | Mantra é uma vibração sonora que usamos na maioria das vezes na meditação.▶Tracklist:00:00:00 01 Gayatri Mantra_v.1 00:05:27 02 Gayatri Mantra_v.200:08:44 03 gayatri mantra_v.300:13:10 04 Om Mani Padme Hum_v.100:24:40 05 Om Mani Padme Hum_v.200:48:29 06 Mul Mantra00:56:24 07 Prana Apana01:11:07 08 OM ChatOs mantras são sons sagrados que ajudam a entrar em estado de meditação. Dotados de grande força energética, eles também nos ajudam a realizar nossos desejos. Para que funcionem bem, convém praticá-los com regularidade, desde que estejamos aptos para isto – diariamente, ou pelo menos em dias alternados.A força do mantra reside em sua entonação correta e na mentalização adequada.O OM o mais conhecido dos mantras, foge a todas as regras gramaticais expostas, pois é considerado a síntese de todos os sons.Existem na tradição indiana centenas de mantras e o uso de cada um tem uma finalidade específica. Para quem deseja iniciar-se nesta prática seguem algumas indicações:Sente-se numa posição confortável e procure relaxar concentrando sua respiração no abdômen. A seguir, vocalize o mantra durante um tempo mínimo de três minutos. Esta é a forma mais aconselhável para potencializar o mantra, mas se não puder dizê-lo em voz alta, sussurre-o ou apenas mentalize-o.Ajude a manter o canalhelp keep the channelayuda a mantener el canalInscreva-se...Compartilhe este video: youtu.be/XywNJj_cJPsGratidão!! 🍀🙏🏻
Oratório A Danação de Fausto de Hector Berlioz com legendas em portugues ClarindOOliveira 2023-08-19 | A Danação de Fausto (em francês: La damnation de Faust), Op. 24, é uma composição musical para quatro solistas, coros e orquestra do compositor francês Hector Berlioz. A Danação de Fausto que Berlioz classificou como uma "lenda dramática" (légende dramatique) teve a sua primeira apresentação na Opéra-Comique em Paris em 6 de Dezembro de 1846.Berlioz inspirou-se numa tradução do poema dramático Fausto de Goethe e criou uma obra musical que, como a obra-prima na qual se baseia, é de difícil categorização. Concebido em várias ocasiões como um oratório de formato não convencional e como uma ópera (Berlioz, por último, chamou-o de "lenda dramática"), a sua forma de viagem e a perspectiva cósmica tornaram a sua encenação como ópera um desafio muito dificultoso. O próprio Berlioz que estava ansioso para ver a obra encenada, quando tal aconteceu, admitiu que as técnicas de produção do seu tempo não estavam à altura da tarefa. Grande parte da fama da obra derivou da sua apresentação em formato de concerto.Berlioz leu a Parte Um do Fausto em 1828, na tradução de Gérard de Nerval, tendo referido nas suas Memórias que "este livro maravilhoso me fascinou desde o início. Eu não conseguia parar de ler. Eu lia incessantemente, nas refeições, no teatro, na rua." Ele ficou tão impressionado que a sua Opus 1 (1829) foi uma suíte intitulada "Oito Cenas de Fausto", embora mais tarde ele tenha recolhido todas as cópias que conseguiu encontrar. Ele retornou ao material em 1845 para fazer uma obra maior, com algum texto adicional de Almire Gandonnière com tratamento próprio, e que ele chamou primeiro de "ópera em concerto" e depois, quando a ampliou, de "lenda dramática".Ele trabalhou na obra durante a turnê de concertos de 1845, adicionando o seu próprio texto para "Nature immense, impénétrable et fière" - a invocação de Fausto de toda a natureza - e incorporando a Ràkòczi-Marsch que tinha sido um estrondoso sucesso num concerto em Peste (Hungria), em 15 de fevereiro de 1846.
Vespro della Beata Vergine de Monteverdi com legendas em portugues ClarindOOliveira 2023-08-18 | Vespro della Beata Vergine (Vésperas para a Santíssima Virgem), SV 206, é um cenário musical de Claudio Monteverdi das vésperas noturnas em festas marianas, marcado para solistas, coros e orquestra. É um trabalho ambicioso no escopo e em sua variedade de estilo e pontuação, e tem uma duração de cerca de 90 minutos. Publicado em Veneza (com uma dedicatória ao Papa Paulo V datada de 1 de setembro de 1610) como Sanctissimae Virgini Missa senis vocibus ac Vesperae pluribus decantandae, cum nonnullis sacris concentibus, ad Sacella sive Principum Cubicula accommodata ("Missa para a Santíssima Virgem para seis vozes, e Vésperas para várias vozes com alguns cantos sagrados, adequados para capelas e câmaras ducais"), às vezes é chamado de Vésperas de Monteverdi de 1610.Monteverdi compôs a música enquanto músico e compositor para os Gonzagas, os duques de Mântua. O libreto é compilado de vários textos bíblicos e litúrgicos latinos. Os treze movimentos incluem o Deus in adiutorium introdutório, cinco Salmos, quatro motetos de concertato e uma sonata vocal na ladainha "Sancta Maria", várias estrofes do hino "Ave maris stella", e uma escolha de dois Magnificats. Uma apresentação na igreja teria incluído antífonas no canto gregoriano para o dia específico da festa. A composição demonstra a capacidade de Monteverdi de assimilar tanto a nova seconda pratica, como na ópera emergente, quanto o velho estilo da prima pratica, construindo salmos e Magnificat no canto tradicional como um cantus firmus. A composição é composta para até dez partes vocais e instrumentos, incluindo cornetos, violinos, viola da braccio e baixo contínuo. Monteverdi viajou a Roma para entregar a composição ao Papa pessoalmente, e um livro de peças está guardado pela Biblioteca do Vaticano.Nenhuma performance durante a vida do compositor pode ser positivamente identificada a partir de documentos sobreviventes,[a] embora partes da obra possam ter sido executadas nas capelas ducais em Mântua e em San Marco em Veneza, onde o compositor se tornou diretor de música em 1613. A obra recebeu atenção renovada de musicólogos e intérpretes no século 20. Eles discutiram se é uma composição planejada em um sentido moderno ou uma coleção de música adequada para Vésperas, e debateram o papel dos movimentos adicionados, instrumentação, teclas e outras questões de performance historicamente informada. A primeira gravação de trechos das Vésperas foi lançada em 1953; Muitas gravações que se seguiram apresentaram toda a música impressa em 1610. Em algumas gravações e performances, antífonas para uma determinada ocasião do ano da igreja são adicionadas para criar um serviço de vésperas litúrgicas, enquanto outras apresentam estritamente apenas a música impressa. As Vésperas de Monteverdi são consideradas um marco único da história da música, na transição do Renascimento para o Barroco.
