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Shirley Jaffe
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Thomas Cole, iniciador de la Escuela del río Hudson, fue también el precursor de la tradición paisajista del siglo XIX norteamericano. Nació en Gran Bretaña y emigró a Estados Unidos junto a su familia con diecisiete años. Allí se convirtió en aprendiz de un pintor ambulante y en 1823 comenzó a asistir a la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Filadelfia. Dos años más tarde y siguiendo a su familia, Cole se trasladó a Nueva York. Aquel mismo verano realizó su primera excursión a las Catskill Mountains y el río Hudson, cuyo paisaje sería el principal tema de sus cuadros a partir de entonces. Las obras que siguieron a esta excursión, basadas en los apuntes que tomó del natural, tuvieron muy buena acogida en el ambiente artístico de Nueva York y le convirtieron en un paisajista de renombre.
Para Cole el paisaje tenía un significado que iba más allá de la simple representación de la naturaleza, con un trasfondo moral y vinculado a la consideración del nuevo continente como la tierra prometida. A finales de la década de 1820, Cole intensificó esta idea realizando una serie de paisajes alegóricos basados en historias bíblicas. Poco después, en 1829, se embarcó rumbo a Europa, en el primero de los dos viajes que realizaría al viejo continente, que le llevó a Gran Bretaña, Francia e Italia y donde contempló las obras de los grandes maestros del paisaje europeo, como John Constable, J. M.W. Turner, los grabados de John Marin y Claudio de Lorena. Tras tres años en Europa, regresó a Nueva York y realizó la serie El curso del imperio, de 1836 (Nueva York, New York Historical Society), su primer encargo importante, en el que desarrolló simbólicamente el origen, apogeo y hundimiento de una nación.
Durante toda su vida Cole compaginó la actividad pictórica con la poesía y la redacción de ensayos, como su Essay on American Scenery, que fue publicado en 1835 y en el que desarrollaba sus teorías artísticas.
En 1836 trasladó su residencia a Catskill, que hasta entonces había sido su lugar de vacaciones, y en torno a 1840 se convirtió a la iglesia episcopaliana, momento en el que su interés en el valor espiritual y sublime del paisaje evolucionó hacia una interpretación religiosa. En 1844 Edwin Frederic Church se convirtió en discípulo suyo. Murió joven, en 1848.
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
Nuria Ferriol es licenciada en Bellas artes por la Universidad de San Carlos de València, especialidad de pintura. Actualmente, compagina la docencia con la actividad artística y desde 2017 forma parte del comisariado de la convocatoria InsPirats pel Botànic.Durante los últimos años lleva desarrollando un trabajo multidisciplinario relacionado con la naturaleza y con el concepto de paisaje, un paisaje natural transformado por las propias sensaciones, hasta acercarlo en otros territorios, como lo del cuerpo. Como artista ha mostrado su trabajo en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre las cuales destacamos Cuestión de estudio (Espacio Modotti, Valencia, 2021), Chevelures (Museo de la Ciudad de Móstoles, Madrid, 2018), Piel de árbol, piel de pájaro (Gabinete de dibujos, València, 2015), Recortar el paisaje (Universidad de Murcia, 2015), Negro sobre blanco o el jardín soñado (Jardí Botànic de la Universitat de València, 2013), Jardín interior (CEART. Fuenlabrada, Madrid, 2012).Tiene obra en la Diputación Provincial de Alicante, Ayuntamiento de Alcoi (Alacant), Museo de Arte de Genalguacil (Málaga), y en diversas colecciones privadas.
Rotterdam, 1888-Greenwich, 1954. Nacido en Róterdam el 20 de febrero de 1888, Thieme estudió en la Academia de Bellas Artes de Róterdam durante dos años y luego, brevemente, en la Real Academia de La Haya. Viajó mucho por Europa y con frecuencia encontró trabajo como escenógrafo.Viajó a los Estados Unidos a la edad de 22 años. Rápidamente encontró trabajo como escenógrafo en el Century Theatre de Nueva York, diseñando decorados para la bailarina rusa Anna Pavlova. Cuando finalizó el encargo, viajó a Sudamérica, principalmente a Brasil y Argentina. El trabajo escénico nuevamente le proporcionó su sustento. Un regreso a Europa siguió con más trabajo en Inglaterra, Francia e Italia. Al regresar a los Estados Unidos con un contrato para trabajar en el escenario adicional, se encontró en Boston. Dejó de trabajar en los escenarios en 1928 y desde entonces se ganó la vida con las ventas de sus pinturas y grabados. Se casó con Lillian Beckett en 1929 y se mudó a Rockport, MA. Expuso su obra con frecuencia en las Grand Central Art Galleries de Nueva York.Continuó viajando mucho; México, Guatemala, Florida y Francia fueron los principales destinos, siempre pintando al aire libre.
Se suicidó el 6 de diciembre de 1954 en Greenwich, CT. Las circunstancias de su muerte no se entienden completamente. Ha habido historias de depresión profunda o enfermedad grave, pero no ha surgido ninguna razón definitiva para su suicidio.Anthony Thieme fue miembro de pleno derecho de la Sociedad Estadounidense de Acuarela, Art Alliance of America, Salmagundi Club, Boston Art Club, North Shore Art Association, Rockport Art Association, New York Water Color Club, Art Alliance of Philadelphia y National Arts Club. .
Ferrara, c. 1430 -1495-
Artista del Renacimiento italiano, era hijo de un zapatero y se le considera el fundador y uno de los representantes más importantes de la escuela de Ferrara. Fue pintor de corte de los Este, primero trabajó para el duque Borso y luego para su hijo Ercole. Además de su labor como pintor, realizó diseños para vidrieras, estandartes y tapices. Se desconocen los datos relativos a su formación artística, aunque existe la posibilidad de que la realizara en Venecia o de que tuviera contactos con artistas de esa zona. Conocía la obra de Pisanello, Van der Weyden, Jacopo Bellini y Piero della Francesca. Desarrolló su carrera casi por completo en su ciudad natal, a excepción de unos años, entre 1453 y 1456, en los que se ausentó y posiblemente vivió en Padua, donde pudo apreciar el trabajo de Donatello y Andrea Mantegna, y quizás también en Venecia. Su estilo, lineal y seco, tiene similitudes con el de Squarcione, Zoppo y Bartolomeo Vivarini. En su obra se evidencia asimismo el influjo de la escuela de miniaturistas de Ferrara cuando interpreta el paisaje y los colores.
Entre sus primeras pinturas destacan La Virgen y el Niño con san Jerónimo y un mártir del Musée Fesch, en Ajaccio, y una Musa de la National Gallery de Londres. La Anunciación y San Jorge y el dragón del Museo del Duomo de Ferrara, así como el Retablo Roverella son tres de sus obras maestras; las diferentes tablas que componían este último retablo se encuentran repartidas actualmente entre varios museos y colecciones, como el Musée du Louvre de París, en el que se conserva La Piedad, y la National Gallery de Londres con La Virgen y el Niño con ángeles músicos. Su obra más conocida es la serie de pinturas murales encargada por el duque Borso d’Este para el Palazzo Schifanoia, en los que plasma todo el esplendor de la vida cortesana de la Ferrara de su tiempo. También realizó numerosos retratos, la mayoría desaparecidos, como Retrato de un joven del Metropolitan Museum de Nueva York. La temática religiosa en su producción revela un tono más dramático, siendo un claro ejemplo el San Jerónimo de la colección de la National Gallery de Londres.
Aunque murió en 1495 su actividad artística termina a mitad de los años ochenta; su última obra fechada, en 1484, es el San Antonio de la Galleria Estense de Módena. Fue eclipsado por Ercole de’Roberti, cuyo estilo más suave fue más del gusto de sus mecenas.
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza
John George Brown nació en Durham, Inglaterra, el 11 de noviembre de 1831. Sus padres le enseñaron la carrera de vidriero a la edad de catorce años en un intento de disuadirlo de dedicarse a la pintura. Estudió por las noches en la Escuela de Diseño en Newcastle-on-Tyne mientras trabajaba como cortador de vidrio allí entre 1849 y 1852 y por las noches en la Academia Trustees en Edimburgo mientras trabajaba en Holyrood Glass Works entre 1852 y 1853. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1853, estudió con Thomas Seir Cummings en la Academia Nacional de Diseño, donde fue elegido Académico Nacional.en 1861. Brown fue vicepresidente de la Academia de 1899 a 1904. Alrededor de 1855, trabajó para el propietario de Brooklyn Glass Company como soplador de vidrio y luego se casó con la hija de su empleador. Su suegro fomentó sus habilidades artísticas, apoyándolo económicamente, permitiendo que Brown se dedicara a pintar a tiempo completo. Estableció un estudio en 1860 y, en 1866, se convirtió en uno de los miembros fundadores de la Water-Color Society, de la que fue presidente de 1887 a 1904. Brown se hizo famoso por sus representaciones idealizadas de pilluelos callejeros en New York ( limpiabotas , músicos callejeros, vendedores de ramilletes, vendedores de periódicos , etc.). Su Passing Show (París, Salón, 1877) y Street Boys at Play (Exposición de París, 1900) son buenos ejemplos de su talento popular. El arte de Brown se caracteriza mejor como pinturas de género británico adaptadas a temas estadounidenses. Esencialmente literarias, las pinturas de Brown están ejecutadas con detalles precisos, pero de color pobre y más populares entre el público en general que entre los conocedores. Sus pinturas fueron bastante populares entre los coleccionistas adinerados. Muchas de las pinturas de Brown se reprodujeron como litografías y se distribuyeron ampliamente con tés empaquetados. También pintó algunos paisajes, solo por placer.
Murió en su casa en la ciudad de Nueva York el 8 de febrero de 1913.
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En Occidente la Biblia inspiró cientos de obras de arte, sobre todo en la escultura, la pintura y el dibujo. La cultura bíblica se alimentó de estas manifestaciones artísticas que eran a la vez interpretaciones de las creencias que en el ámbito religioso seguían la mayoría de los habitantes de la Europa que más tarde las trasladó al continente americano. El Antiguo Testamento pretende ser una especie de crónica gigantesca desde los orígenes del mundo, centrada en la historia del pueblo elegido por Dios, en donde se anuncia la llegada de un Mesías que va a salvar a la humanidad. Las Escrituras recogen acontecimientos y mitos que el arte recreó a su manera, desde la creación, el diluvio universal y la Torre de Babel al éxodo y las plagas de Egipto, poniendo rostro a personajes como Noé, Abraham o Moisés.
En el Nuevo Testamento es la figura de Jesucristo la que protagoniza los episodios representados por los artistas en sus cuadros, aunque tras su muerte y resurrección se recoge la evolución del cristianismo y los acontecimientos narrados en los Hechos de los Apóstoles y el Apocalipsis. A veces la iconografía obedece más a la devoción de los artistas que a los textos de las Escrituras
Pasquale Celommi nació el 6 de enero 1851 en el pequeño pueblo de Montepagano, hoy una fracción de Roseto degli Abruzzi,
en la provincia de Teramo.
Después de algún tiempo los padres se mudaron a la costa para administrar una posada y el pequeño Pasquale se puso a dibujar, con carbóncillo los costados de los barcos.
Su vocación por el dibujo fue inmediatamente valorado por el maestro Camillo Mezzoprete, pintor local y coleccionista, quien también lo ayudó económicamente en el inicio de sus estudios.
En 1873 ganó un concurso artístico y una pension organizada por la Administración Provinciale di Teramo, título que le permitió asistir a la “Escuela libre de desnudo "en la Academia de Bellas Artes de Florencia. Aquí, junto con otros jóvenes talentos, fue alumno del maestro tesino Antonio Ciseri, que ya había sido Maestro de Silvestro Lega.
Durante su estancia en la Toscana conoció y se casó con la sobrina del poeta Giuseppe Giusti, Giuseppina, con quien tuvo, en 1881, el primogénito Raphael.
Las obras de gusto académico-clasicista y de inspiración exótica y morelliana como Odalisca al Bagno, las presentó en la Exposición Nacional del 78 junto a Tarantella e Il Vecchio Abruzos.
También podemos suponer que en el mismo período Pasquale Celommi tenía también contactos con los Macchiaioli, aunque no hay pruebas pero la maduración artística, sin embargo, coincidió con el regreso a Roseto, donde se trasladó definitivamente en 1881 y donde descubrió los temas que inspirarían su pintura, los temas que le congenian con sus medios de expresión: sus gentes, escenas relacionadas con la vida marinera, marinas con ambientes suaves sumergidos en la transparencia de una luz dorada... Pero también fue el intérprete del trabajo y el cansancio de pescadores, agricultores y trabajadores.
Murió el 9 de agosto de 1928, a raíz de las complicaciones de una nefritis
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El término shunga significa imágenes de primavera, un eufemismo para referirse al acto sexual, que engloba la ingente producción gráfica, sexualmente explícita, realizada en Japón entre 1600 y 1900, que ha influenciado a formas modernas de arte como el manga, el anime o el arte del tatuaje japonés.El shunga no es pornografía vulgarmente obscena y degradante, sino que celebra una actividad natural del ser humano, con cierta sensibilidad, diversión y un refinamiento propio de los grandes maestros, entre ellos Utamaro y Hokusai. En estas estampas eróticas tanto el hombre como la mujer disfrutan del placer sensual en todas sus formas, generalmente representados con unos genitales desproporcionados y en ocasiones situados en escenarios floridos o bucólicos. En una colorida lámina perteneciente a la serie Ilustraciones eróticas para los doce meses (c.1788), de Katsukawa Shuncho, aparecen un marido y una mujer practicando sexo junto a una ventana en pleno verano y escuchando el llanto de un cuco.En la Europa contemporánea (desde finales del siglo XVIII) las prohibiciones religiosas y la moralidad dominante forzaron una división absoluta entre arte y pornografía. En Japón regían las estrictas leyes del confucianismo, pero la vida privada no estaba tan controlada. La sexualidad femenina fue fácilmente reconocida y el sexo entre dos hombres fue aceptado en ciertos contextos sociales. Los hombres eran los principales productores y consumidores del shunga, pero también tenía una gran aceptación entre el público femenino. Desde finales del siglo XIX y durante el siglo XX -tras la apertura a Occidente por parte de Japón- el shunga fue apartado del ámbito popular y académico de Japón y se convirtió en un tabú. Resulta irónico, pero en esta época fue descubierto y coleccionado con entusiasmo por artistas europeos y estadounidenses como Tolouse-Lautrec, Aubrey Beardsley, John Singer Sargent o Picasso.
Dordrecht, 1620-1691-Aelbert Cuyp nació en Dordrecht en 1620 en el seno de una familia de artistas: su abuelo Gerrit Gerritsz. fue un notable artesano, y su padre Jacob y su tío Benjamin Gerritsz. ejercieron también como pintores. Cuyp fue el apodo que Jacob Gerritsz. comenzó a usar a partir de 1617, y su uso se extendió al resto dela familia. El primer maestro de Aelbert fue su padre. Durante los primeros años de la década de 1640 ambos colaboraron estrechamente en varios lienzos, en los que Aelbert pintaba el escenario paisajístico a los grupos de figuras de su padre. En esta etapa hizo un primer viaje a lo largo de Holanda y del Rin, realizando dibujos de Rhenen, Arnhem, Amersfoort, Utrecht, Leiden y La Haya. Sus primeras obras están inspiradas en la pintura «tonal» de Jan van Goyen, Salomon van Ruysdael y Herman Saftleven II, pero mostrando una preferencia por las gamas monocromáticas de amarillos a diferencia de las tonalidades, grises y pardas, características de los pintores tonales.
A partir de 1645 la obra de Cuyp acusa los influjos de los paisajistas italianizantes, en especial de Jan Both y Herman van Swanevelt. En este periodo introdujo en sus paisajes la luz de sol dorada, vistas escarpadas, y árboles altos y alargados; todos ellos elementos típicos de la escuela de Utrecht. En 1652 hizo un nuevo viaje por el Rin y el Waal, llegando hasta Cleve, Elten y Emmerich, en cuyo transcurso tomó nuevamente numerosos dibujos que fueron fuente de inspiración para sus composiciones posteriores. Su tema más frecuente fue el paisaje con animales, pero también ejecutó marinas, naturalezas muertas y retratos.
En 1658 contrajo matrimonio con Cornelia Boschman, viuda adinerada de un gobernador local y nieta del teólogo Franciscus Gomarus. Cuyp dejó de pintar tras su matrimonio, dedicándose a los negocios y a asuntos de su iglesia y de su ciudad. Fue diácono y oficial gobernante de la iglesia Reformada, gobernador de la institución de caridad más importante de la urbe y, en 1679, se convirtió en miembro del Tribunal del Sur de Holanda. Su principal discípulo fue Abraham van Calraet, cuyas obras han sido frecuentemente atribuidas a Cuyp.
El tema favorito de Lépine era el Sena, el cual iba a pintar en diferentes temas el resto de su vida. Participó en la primera exposición impresionista que se celebró en Nadar en 1874, aunque generalmente a el no se le considera un pintor impresionista. Sus pinturas son de ambiente tranquilo y plácido y normalmente de pequeño tamaño.Le concedieron el primer premio en la exposición de 1889. Murió en París
Vittore Carpaccio
Venecia (?), hacia 1460/1466 - Venecia, 1525/1526
De Vittore Carpaccio tenemos poca información relativa a su formación como pintor y primeras obras, dándose por seguro un aprendizaje en Venecia, que tradicionalmente se ha situado en el entorno de los Bellini, aunque estudios recientes han propuesto como maestro a Lazzaro Bastiani. Organizó un prestigioso taller en el que trabajaron sus hijos Pietro y Benedetto, que también se dedicaron a la pintura. En su obra se detectan influjos de Antonello da Messina, Giovanni Bellini y de la pintura ferraresa. Su fama está cimentada sobre los grandes ciclos que realizó para las scuole y cofradías venecianas. El primero de ellos, fechado entre 1490 y 1494, y actualmente expuesto en la Galleria dell’Accademia de Venecia, fue para la Scuola de Sant’Orsola, con escenas de la vida de la santa. El conjunto consta de ocho lienzos de grandes dimensiones, y en él se detectan rasgos que definirán su pintura posterior, como son el gusto por los pormenores y el afán anecdótico, que se integra en la narración de modo natural. Una tela de esta serie, La llegada de santa Úrsula a Colonia, es su primera obra firmada y fechada en 1490. El siguiente encargo importante, dentro de sus ciclos decorativos, fue el de la Scuola Grande di San Giovanni Evangelista, para donde pintó El milagro de la reliquia de la Santa Cruz, hoy en la Galleria dell’Accademia. Entre 1502 y 1508 trabajó en San Giorgio degli Schiavoni ilustrando Las vidas de san Jorge y san Jerónimo, serie conservada in situ. Entre sus últimos ciclos se encuentra, entre 1511 y 1520, el de San Esteban, cuyos lienzos están repartidos entre varios museos y colecciones. Carpaccio fue pionero en el uso de la tela como soporte para la pintura y la empleó tanto en sus ciclos narrativos como en los retablos. Su pintura, con el cambio de siglo, perdió vigor por las renovaciones estéticas propugnadas precisamente en Venecia por Giorgione y Tiziano. Entre sus pinturas de caballete destacamos La Virgen y el Niño con san Juan Bautista, en el Städelsches Kunstinstitut de Frankfurt, La Presentación de Jesús en el templo, en la Galleria dell’Academia, Santo Tomás de Aquino entronizado de la Staatsgalerie de Stuttgart y las célebres Dos damas venecianas, del Museo Correr de Venecia. Asimismo gozó de un gran prestigio como retratista, que traspasó las fronteras venecianas, lo que le llevó a recibir encargos de las más importantes familias de Italia.
Amberes, 1610 - Bruselas, 1690
Nació en el seno de una familia de artistas y su padre, David Teniers, el Viejo, fue su primer maestro; de hecho, en los textos, se le conoce como David Teniers II. Ingresa en la guilda de San Lucas en 1633 y empieza a firmar y fechar sus cuadros en este año. En la primera época de su producción, en los temas de género, sigue a Adriaen Brouwer, y en sus paisajes se notan las influencias de Joos de Momper y Paul Brill. Pero en la vida artística de Teniers hay dos acontecimientos decisivos: su boda con una hija de Jan Brueghel, que era además ahijada de Rubens, en 1637, y su entrada al servicio del archiduque Leopoldo Guillermo en 1647. De todos modos Teniers mantuvo excelentes relaciones con múltiples mecenas y coleccionistas de pintura, que le encargaron numerosas obras, bastantes de las cuales fueron enviadas a España. Trabajó, primero en Amberes y, posteriormente, se estableció en Bruselas, en donde compró una magnífica casa junto al palacio de gobierno, transformándola en una espaciosa vivienda-estudio. Al emparentar con los Brueghel, se manifiesta en él una mayor atención a los temas populares. Las escenas rurales, de granjas e interiores, formaban parte ya de su temática, pero ahora pinta "kermesses", fiestas populares, aumenta el colorido de su paleta, y hace sus obras más alegres y abundantes en paisajes. Este cambio influye en su maduración y en 1644 es elegido decano de la guilda de Amberes. La llegada del archiduque a Flandes y la entrada a su servicio como conservador y pintor de cámara, le eleva de categoría. Después de la marcha de su gran protector y tras la muerte de su primera mujer, sucedidas en 1656, sigue viviendo en Bruselas, se casa de nuevo y su fama continúa. Sus obras clásicas como paisajes, escenas rurales y populares, interiores, siguen siendo muy solicitadas. En 1664 consigue la fundación de la Academia de Amberes, tras pedírselo como pintor de corte a Felipe IV de España, quien se lo concede. Teniers tiene una vida muy larga para aquella época, pues muere a los ochenta años. Fue ya celebrado en vida, como demuestra el libro sobre los artistas de Cornelis de Bie, publicado en 1661, y después muy estimado por los críticos y escritores de los siglos XVIII y XIX, siendo abundantes los estudios sobre su vida y sus creaciones (Luna, J. J.: De Tiziano a Goya. Grandes maestros del Museo del Prado, National Art Museum of China-Shanghai Museum, 2007, pp. 306-307).
Su autorretrato se inserta en 'El archiduque Leopoldo Guillermo en su galería de pinturas en Bruselas' que corresponde a la obra P01813 del Museo del Prado.|
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El siglo XVII fue de profunda crisis económica en la península ibérica; sin embargo, recibió el apodo de Siglo de Oro en el terreno religioso, cultural, artístico, literario, etc. La Reforma católica tuvo sus principales teólogos en España y sus postulados rigieron la codificación artística en nuestro país más allá que en cualquier otra nación del ámbito católico europeo. A esta situación contribuyó el hecho de que el absolutismo monárquico predominante en toda Europa se viera más atenuado ante el poder eclesiástico. Tal situación influye de manera determinante sobre las artes, que serán encargadas en un 90% por la Iglesia, lo que marca el predominio del tema religioso en detrimento de la mitología, pinturas de guerra y profanas. Los óleos encargados son con frecuencia de gran tamaño; emplean colores vivos y muy variados, resaltados por varios focos de luz que provienen de todos los lados, contrarrestándose unos a otros, creando grandes sombras y zonas iluminadas. Los personajes aparecen en posturas muy dinámicas, con rostros y gestos muy expresivos puesto que el Barroco es la época del sentimiento.Las composiciones grandiosas, con personajes vestidos ricamente, en alegorías religiosas o mitológicas, las grandes escenas de corte o de batalla, son los ejemplos más evidentes del arte barroco. Sobre este tema en particular resulta muy conocido el cuadro de Velázquez llamado Las Lanzas.
El color es la clave, directamente del tubo, obviando la mímesis y aplicándolo en toques rápidos y vigorosos, dotando a la obra de una sensación de espontaneidad.
Giulio Carpioni nació en 1613, probablemente en Venecia. Está documentado por primera vez en 1630, fecha en la que comienza su formación como pintor en el taller de Alessandro Varotari, conocido como Padovanino. Desde el principio se aprecia en su estilo una búsqueda de realismo y objetividad a la manera de Saraceni, Jean Leclerc y otros venecianos, interés que posiblemente fue fruto del viaje que realizó a Bérgamo, en 1631, junto con su maestro y donde conoció la pintura lombarda. Sus primeras obras documentadas, La Glorificación (Vicenza, Museo Civico) y Martirio de santa Catarina (Vicenza), datan de 1647 y 1648. Su pintura también acusa los influjos de los Bamboccianti, en especial de Pietro Vecchia.
Desde 1638 está documentado en Vicenza, ciudad en la que se estableció permanentemente. Giulio Carpioni se dejó también influir por el arte elegante y colorista de Francesco Maffei que dominaba la ciudad, llegando a colaborar con él en la decoración de los oratorios de Zitelle y San Nicola, ambos en Vicenza. Tras la marcha de Maffei de Vicenza, en 1657, Carpioni comenzó su etapa más productiva. Durante las siguientes décadas ejecutó numerosos trabajos de tema religioso, entre los que destacan las pinturas del oratorio de Santa Clara, las del Palazzo Trissino Baston y un importante ciclo para Santi Filippo e Fortu nato. Sus obras más originales son, sin embargo, las pinturas de pequeño formato dedicadas a temas mitológicos, como las bacanales, entre las que destacan El triunfo de Sileno, en la Galleria dell’Accademia de Venecia, y El reino de Hypnos, del Kunsthistorisches Museum de Viena.
Desde 1669 hasta 1673, Carpioni está documentado en Verona junto con el también pintor Bartolomeo Cittadela. Durante su permanencia allí realizó varias pinturas religiosas para las iglesias de San Leonardo y Santi Nazaro e Celso. Giulio Carpioni, en su última etapa artística, trabajó como grabador.
Nacimiento: 2 de Noviembre, 1699 - Muerte: 6 de Diciembre, 1779
Renombrado artista francés del siglo XVIII, Jean Baptiste Siméon Chardin era bien conocido por sus bodegones y pinturas de género. Su estilo sofisticado y realista tuvo una influencia duradera en algunos de los principales artistas de los siglos XIX y XX, como Henri Matisse (1869-1954) y Paul Cézanne (1839-1906). Sus pinturas representaban temas simples, pero de ejecución magistral, como podemos ver en sus obras expuestas en la Galería de los Uffizi, Niño con castillo de cartas y Doncella con volante.
Se formó en los pintores franceses de escenas históricas Pierre Jacques Cazes y Noël-Nicolas Coypel (1690 – 1734), pero en su formación fueron fundamentales sus estudios individuales. De acuerdo con la biografía del Museo Getty, el pintor francés comenzó a realizar letreros para los comerciantes y los detalles para obras de otros artistas. Sabemos que en 1724 era miembro de la Academia de San Lucas en París, pero fue descubierto por Nicolas de Largillière (1656-1746), un pintor de retratos. Largillière impulsó a su entrada a la Real Academia de Pintura en 1728.
Las obras que le permitieron ser aceptado en la Academia fueron El rayo y El buffet, que muestran su típica representación realista y le valieron el apodo de "pintor de animales y frutas". Desde aquí Chardin desarrolló aún más su capacidad de reproducir las naturalezas muertas y empezó a apasionarse a las escenas de género. Su reputación le llevó a recibir encargos lucrativos, y también una pensión por el rey Luis XV (1710-1774). Su trabajo estaba en constante evolución, desde las simples naturalezas muertas hasta las detalladas representaciones de la vida cotidiana en la sociedad francesa.
Después de 1770, Chardin empezó a perder la vista, pero siguió evolucionando como artista y encontró la pintura en colores pastel. Dijo al respecto "Utilizamos colores, pero pintamos con los sentimientos"; por él sus naturalezas muertas tenían una vida propia. Como escribió el novelista Marcel Proust (1871-1922), "Hemos aprendido de Chardin que una pera es viva como una mujer, que una pieza ordinaria de cerámica es hermosa como una piedra preciosa". En cuanto al artista, Proust también escribió que "La vida cotidiana te encantará, una vez que habrás absorbido las pinturas de Chardin en unos pocos días, como una lección. Después de comprender la vida de sus pinturas, habrás descubierto la belleza de la vida".
UFFICI GALLERY
Entre los premios que obtuvo destaca la medalla de oro, con diploma de honor, en la Exposición Regional Gallega, celebrada en Santiago de Compostela en el año 1909
Fondo, 1892-Rovereto, 1960 Relacionado con el movimiento futurista italiano, Fortunato Depero fue aprendiz de decorador durante la Esposizione Internationale de Turín en 1910 y un año más tarde decidió convertirse en pintor. Sus primeras obras se relacionaban estilísticamente con el simbolismo y trataban temas sociales. Tras publicar en 1913 Spezzature-Impressioni: Segni e ritmi, una recopilación de su prosa y poesía acompañada de ilustraciones, se trasladó a Roma donde conoció a Filippo Tommaso Marinetti, poeta ideólogo del futurismo. A través de Marinetti, Depero trató con los pintores futuristas, que le influyeron en su interés por el estudio del dinamismo y con los que expuso en la Galleria Permanente Futurista de Roma en el verano de 1914.
En 1915 firmó con Giacomo Balla el manifiesto Riconstruzione futurista dell’universo y poco después fue llamado a filas para luchar en la Primera Guerra Mundial. Su débil salud provocó que poco tiempo después fuese licenciado del ejército y pudiese dedicarse de nuevo al arte. A partir de 1916 sus composiciones adquirieron un carácter mecánico que se reflejó también en las escenografías que realizó desde 1916, cuando Serguéi Diághilev le encargó la puesta en escena de Le Chant du rossignol de Igor Stravinsky, que finalmente no llegó a ser representada, y que continuó en 1918 con las grandes marionetas de Balli Plastici en el Teatro dei Piccoli de Roma.
En 1919 fundó la Casa d’Arte Depero y, desde entonces, él y su mujer diseñaron paneles publicitarios y diferentes utensilios para el hogar. Entre 1928 y 1930 residió en Estados Unidos, donde aumentó su dedicación al arte gráfico y la publicidad. A su regreso publicó en 1932 el Manifesto dell’arte publicitaria futurista. Paralelamente continuó cultivando su interés por la pintura y en 1929 firmó el Manifesto dell’Aeropittura con Balla, Marinetti, Benedetta Capa y otros. A partir de entonces su pintura se centró en la importancia del color, pero perdió parte de su originalidad.
(Valladolid, España, 4 de diciembre de 1930-Valladolid, 17 de noviembre de 2021) Cuadrado Lomas fue galardonado con el Premio Castilla y León de las Artes 2017, y durante su carrera destacó por su trabajo vinculado con los paisajes de la tierra. El pintor renunció al galardón concedido en 2017 después de que se lo otorgara por unanimidad el jurado encargado de decidir la distinción.Por "su capacidad de unir tradición y vanguardia, por su dominio de formas y colores y por haber sabido captar de manera magistral los campos y gentes de Castilla y León con un estilo propio y una visión esencial", resumió el jurado al argumentar la concesión del premio hace cuatro años.Referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX
Último superviviente hasta hoy del conjunto de artistas denominado Grupo de Simancas, Cuadrado Lomas, a pesar de la renuncia al galardón de 2017 mientras este premio no recuperara la dotación económica que en ese año no existía, agradeció no obstante el interés que hacia su persona mostró el jurado y las entidades que le propusieron para este reconocimiento.Durante su carrera el artista fue un referente de la escena pictórica de la segunda mitad del siglo XX. Además, destacó por su interpretación del sistema castellano basado en la severa geometría y cromatismo que reflejan sus cuadros.
Denis Sarazhin nació en Nikopol, Ucrania en 1982. Asistió a la Academia de Arte y Diseño de Jarkov, graduándose en 2008. Se especializó en pintura y fue alumno de Ganozkiy VL, Chaus VN y Vintayev VN. Sarazhin fue galardonado con el Premio de Diploma de 1er Grado a la Excelencia en Pintura de la Academia de Arte de Ucrania . Desde 2007 es miembro de la sección de Jarkov de la asociación de la Alianza de Artistas de Ucrania.
“Ucrania es la tierra más hermosa del mundo para mí”, admite Ivan, aunque le preocupa que, por más veces que haya viajado por el mundo, nunca ha visto tanto desorden y tanta basura como en su país.
Se mantiene viviendo en Kiev ante la amenaza bélica que continúa en su país.
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(Lucca, 1708-Roma, 1787). Pintor italiano. Se formó con su padre, Paulino, dorador de oficio. El grabado sobre metal precioso determinó la afinidad de Batoni con la precisión y la delicadeza, aspectos estilísticos decisivos para su obra posterior como pintor. Completó su formación en Roma, adonde viajó en 1727, y entró en la Academia del Desnudo de Sebastiano Conca. Aprovechó para dibujar modelos al natural y las esculturas clásicas de las colecciones del Vaticano y estudiar la pintura de los maestros de tradición clasicista, como Rafael Sanzio, Annibale Carracci, Guido Reni, Carlo Maratta y Domenichino, lo que deja una innegable huella en sus conceptos pictóricos. En la primera etapa de su vida profesional, Batoni se ganó el sustento vendiendo sus dibujos de reproducciones de esculturas clásicas y, al parecer, también decorando abanicos. En la década de 1730 consiguió reputación por su pintura de historia, de asuntos religiosos y mitológicos. Sus retablos y sus lienzos parten de los principios estéticos del seicento, creando escenas teatrales, cargadas de gestos y expresiones emotivas, tal como demuestra el Éxtasis de santa Catalina de Siena, encargado por el papa Benedicto XIV en 1743 (Museo Nazionale de Villa Guinigi, Lucca), o la Caída de Simón Magnus, encargado en 1746 para decorar San Pedro y entregado en 1755. Había trabajado casi diez años para el gran retablo, considerado el hito de su producción como pintor de historia, pero la obra fue rechazada y desplazada a Santa María de los Ángeles. Se centró a partir de este fracaso en su especialidad más reconocida: los retratos de viajeros en Italia, turistas del llamado grand tour, que eran en su mayoría de nacionalidad británica o irlandesa. Batoni recurre a la tradición del retrato-viajero, desarrollado ya por Francesco Trevisani, y lo traduce a su propio lenguaje pictórico. De dibujo preciso, la técnica de Batoni acusa un acabado pulido, donde trata con minuciosidad los detalles y los aviva con tonalidades alegres. Dispone a sus clientes siempre de manera parecida, lo que provoca una cierta monotonía en los retratados. El personaje aparece de pie o sentado ante un paisaje abierto, en un estudio, o ante una arquitectura emblemática, pero siempre rodeado de estatuas clásicas y otros vestigios de la Antigüedad que dejan constancia sobre el viaje y los lugares visitados. Los retratos realizados a partir de la década de 1750 parecen reflejar ciertos convencionalismos con respecto a las poses, los gestos y las modas. Proceden del retrato tradicional inglés y de los conceptos de Anton van Dyck, cuya obra pudo haber consultado Batoni a través de grabados. El artista utilizaba siempre lienzos de formato estandarizado y trabajaba -al contrario que en sus composiciones, de preparación dibujística más compleja- directamente sobre las telas preparadas con imprimación rosa-rojiza. Fijaba en dos o tres sesiones los rasgos más característicos de sus modelos y concluía la efigie después de la partida del cliente. Realizó también retratos de mujeres, en donde recurría a modelos y motivos alegóricos de la pintura francesa contemporánea, a las que caracterizaban a menudo como diosas y musas mitológicas. Batoni ocupó también importantes cargos en la vida docente de la ciudad: en 1741 fue admitido como miembro de la Academia de San Lucas, institución en la que fue director de extranjeros, responsable de los pintores venidos de fuera de Roma y de los Estados del Vaticano, y dirigió la sección de la Academia Capitolina del Desnudo.
Información, Museo del Prado
Museo del Prado
(Schwäbisch Gmünd, Alemania, 1484/1485-Estrasburgo, 1545). Pintor y grabador alemán. Pertenecía a una familia culta de abogados y profesores universitarios que se trasladó a Estrasburgo durante la década de 1490. Su padre fue consejero jurídico del obispo de aquella población y él mismo estableció un duradero contacto con los humanistas y reformadores de la ciudad, llegando a formar parte del Gran Consejo de la ciudad. Se ha supuesto que recibió una primera educación artística en el taller de un maestro asentado allí muy influido por la personalidad dominante de Martin Schongauer. Lo cierto es que en 1503 ya se encontraba trabajando con Alberto Durero, quien llegaría a mostrarle su predilección al encargarle la dirección de su taller durante su segundo viaje a Venecia (1505-1507). La adopción de su sobrenombre, «Grien» (Verde), demuestra su inclinación por ese color durante sus primeros años, utilizándolo en su firma para distinguirse de otros compañeros con idéntico nombre. Desde muy joven demostró su independencia y versatilidad en la realización de numerosos dibujos y grabados, aunque tuviese siempre presente el ejemplo de Durero. En 1507 realizó un viaje a Halle, donde recibió importantes encargos: dos retablos, uno con La Adoración de los Magos (Gemäldegalerie, Berlín) y otro de San Sebastián (Germanisches Nationalmuseum, Núremberg). En ambos se perciben ecos de su maestro Alberto Durero y también de Lucas Cranach. En 1509 se hizo ciudadano de Estrasburgo y al año siguiente obtuvo el título de maestro, pudiendo crear un taller con oficiales. Es también en 1510 cuando Baldung sacó a la luz su primera estampa sobre brujería, un tema que se haría omnipresente en su obra durante los años siguientes y con el que daría rienda suelta a creaciones marcadas por la inquietud y el erotismo: nigromancia, aquelarres y representaciones de la Muerte se harán frecuentes en pinturas y grabados. En 1512 se trasladó a Friburgo, donde permaneció durante cinco años. Allí realizó una de sus obras principales, el retablo de la catedral, constituido por once paneles monumentales. Fue instalado en mayo de 1516 y aún puede contemplarse in situ. Además, siguió trabajando en obras de pequeño tamaño y estampas y diseñó numerosas composiciones para las vidrieras de la catedral, una actividad que ya había realizado para varias iglesias de Núremberg. En 1517 regresó a Estrasburgo, y entonces fue nombrado miembro del Gran Consejo de la ciudad. Allí se adhirió a la Reforma protestante, aunque, afortunadamente para su trabajo, la ciudad no vivió grandes conmociones iconoclastas. Su arte se fue alejando de un primer estadio de gran expresividad y dramatismo para sumergirse más y más en fórmulas manieristas, con insistencia en el dibujo y en la creación de figuras estilizadas y elegantes de poderosa sensualidad. Partiendo de las imágenes medievales de las danzas de la Muerte, creó originales alegorías morales sobre la fugacidad de la Vida y la Belleza, así como voluptuosas interpretaciones de la mitología clásica. En el Museo del Prado se conservan dos obras de Baldung en las cuales la protagonista absoluta es la figura humana desnuda, tan presente en su producción: Las Edades y la Muerte y La Armonía o las tres Gracias. Esta última posee una inscripción al reverso que nos informa de que fue regalada por el conde de Solms a Juan de Ligne el 23 de enero de 1547. Tanto las dimensiones como la temática de ambas, parecen indicar que eran piezas compañeras y mezclaban alusiones a la Antigüedad clásica con reflexiones moralizantes. Debieron de pasar a posesión de Carlos V o de Felipe II, a cuya muerte se encontraban en el Alcázar de Madrid.
Leiden, 1626-1679
Pintor holandés apreciado sobre todo en el siglo XVIII por sus escenas costumbristas y de género. Hijo de un cervecero, estudió en la Universidad de Leiden, donde estaba inscrito en 1646. Dos años más tarde formó parte del gremio de pintores de su ciudad natal. Se casó en La Haya, en 1649, con una de las hijas de Jan van Goyen, Margaretha. De carácter inquieto, es difícil asociarle con una sola ciudad. Entre 1656 y 1660 está documentado en Warmond, entre 1661 y 1670 en Haarlem, y desde ese año hasta su muerte en Leiden. Compatibilizó otras actividades con la pintura; así entre 1654 y 1657 su padre le alquiló una cervecería en Delft, La culebra, que no tuvo mucho éxito, y en 1672 el pintor abrió una fonda en Leiden. Fue presidente del gremio de pintores de esta urbe en dos ocasiones y decano en una.Las primeras escenas que realizó se fechan en la década de 1640, y en ellas sus personajes tienen un aire grotesco. Entre los maestros que se han mencionado como formadores de su estilo se encuentran Adriaen van Ostade en Haarlem, Jan van Goyen en La Haya y Nicolaus Knüpfer en Utrecht. Admiró a Frans Hals, cuyas obras le causaron un gran impacto, y según parece llegó a coleccionar cuadros de este artista; el Peeckelhaering de Hals cuelga en la pared de dos de sus interiores: El bautizo (Berlín, Gemäldegalerie) y La visita del doctor (Londres, Apsley House). Su estilo fue evolucionando hacia obras con menor número de personajes, a la vez que aumenta su caracterización. En su última época estilizó sus figuras, matizó los colores y sus composiciones se abrieron a los nuevos gustos del cambio de siglo. Jan Steen fue un pintor muy productivo, en su obra además de una gran variedad de animadas escenas, tanto en interiores como en exteriores, destacan sus pinturas con temas alegóricos y religiosos junto a algunos retratos de encargo. Entre aquéllas hay que subrayar las historias religiosas —Steen fue toda su vida un fiel católico—, que están tratadas como pinturas de género, como Cristo en Emaús del Rijksmuseum de Amsterdam. Admirado por sir Joshua Reynolds, tuvo numerosos seguidores e imitadores pero no discípulos.
Groningen, 1824-Scheveningen, 1911
Jozef Israëls nació el 27 de enero de 1824 en Groningen (Países Bajos). Se formó en la Akademie Minerva de Groningen, prosiguiendo su aprendizaje artístico en Amsterdam con J. A. Kruseman, famoso retratista, y J. Pieneman, pintor de batallas. En 1845 viajó a París, ingresando primero como aprendiz en el taller de Picot y trabajando luego bajo la dirección de Ary Scheffer, famoso artista de la corte de Luis Felipe. Tras regresar a Holanda, Jozef Israëls amplió su formación en la escuela de arte de Düsseldorf, donde se familiarizó con los temas de pesca a través de las obras de Rudolf Jordan. Una visita a Barbizon y el contacto con los óleos y los dibujos de Jean François Millet convencieron a Jozef Israëls para inclinarse hacia los géneros realistas, eligiendo como tema principal de sus obras la vida de los campesinos y pescadores.En 1875 se le consideraba como uno de los principales artistas de la Escuela de La Haya. La crítica francesa alabó sus obras, de las que dijo que estaban pintadas con «sombras y sentimiento». También Vincent van Gogh admiró sus cuadros. Jozef Israëls fue un hombre de una gran cultura, muy interesado por el arte y la literatura de su época. Hizo muchos viajes e incluso escribió un libro sobre su periplo por España.Su hijo Isaac Israëls también fue pintor por derecho propio. Jozef Israëls vivió en La Haya desde 1872 hasta su muerte, acaecida en 1911. Presidió la asociación artística de La Haya, Pulchri Studio, y fue miembro fundador de la Sociedad Holandesa de Acuarelas, en 1876.
A su muerte, en 1911, se celebró en su honor una exposición individual en la Bienal de Venecia, y se presentaron sus obras en el The Toledo Museum of Art, Ohio.
España, 1851–1896 Luis Ricardo Falero fue un pintor romántico español. De gran talento, siguió a los clásicos, pero tamizado con las temáticas mitológicas, literarias y orientalizantes propias del romanticismo.Nacido en Granada, en una familia muy pudiente, pudo estudiar desde los 7 años en Richmond (Gran Bretaña), París y finalmente España, donde complementó su aprendizaje artístico con el militar.Estudió además química e ingeniería industrial, probablemente inspirado por Nicola Tesla y sus asombrosos descubrimientos, pero por lo visto sus experimentos resultaron tan peligrosos que decidió dedicarse exclusivamente al arte en Londres.Sus temáticas más utilizadas fueron los desnudos femeninos, muy orientalizados, como marcaban los cánones del romanticismo que ya arrasaba Europa. Se interesó también por asuntos astronómicos y mágicos, mostrando las supersticiones de gran riqueza de todos los países que había visitado.Sus últimos años de vida los pasó en Londres, donde gozó de bastante éxito.
Su obra se reparte entre museos como el Metropolitan de NYC y apenas unos pocos cuadros en su tierra natal, como los de la Casa museo Ajsaris. Por ello quizás Falero sea uno de los grandes pintores españoles menos conocidos en España.
Más que sueños, pesadillas es lo que representaba este fascinante artista polaco cuya vida acabó de forma trágica y probablemente tan terrorífica como una de sus obras. Fue representante de lo que se dio en llamar Realismo fantástico.Autodidacta, Beksínski estudió arquitectura en Cracovia, pero antes del arte se dedicó a otros oficios con los que no fue del todo feliz. Empezó con la fotografía y se fue introduciendo en la pintura abstracta que poco a poco se volvió figurativa.En los años 60 y tras una exitosa exposición, de un día para otro el artista se convirtió en la figura líder del arte contemporáneo polaco. Sus imágenes perturbadoras eran hipnóticas, terroríficas, aterradoras. Un universo de pesadilla entre lo fantástico y lo post-apocalíptico, pero con un tono real, verosímil si queremos llamarlo así.Tocando como tema principal el de la muerte, el detallismo que ponía el autor convertían a la pintura en una especie de realismo delirante y terrorífico, con atmósferas opresivas y enfermizas, un arte no muy lejano de HR Giger. Además el significado de sus cuadros era aún más indescifrable al no ponerle nunca títulos a sus pinturas y dibujos.Beksínski es perfecto para ilustrar cualquier portada de disco de trash metal, aunque al parecer esa no era su música preferida. Como influencia principal para su arte, el propio artista decía que tenía a la música. Al parecer, Beksínski escuchaba música clásica mientras pintaba, ya que el silencio le molestaba.
Su vida personal fue pesadillesca al final. Tras la muerte trágica de su esposa, su hijo se suicidó (el propio Beksínski descubrió el cuerpo) y al cabo de unos años fue hallado muerto en su apartamento tras ser asesinado por un vecino por no prestarle dinero.
Nace en Dieppe en 1615- Jan Asselijn fue paisajista que se especializó en escenas reales o imaginarias de la campiña romana. Estudió en Italia en la década de 1630 a 1640. Su obra destaca por sus fuertes contrastes lumínicos que vienen de la influencia de Claudio de Lorena. Su cuadro más famoso, sin embargo, no es un paisaje sino un cisne del Rijksmuseum de Amsterdam. Rembrandt fue amigo de este pintor y le hizo un retrato al aguafuerte. Se le apodó Crabbetje (Cangrejillo) por un defecto en una de sus manos. Jan Asselijn fue convertido en el símbolo de la independencia holandesa. En esta época los artistas dependías de la demanda de un público que le interesaba, retratos de los suyos y de su tierra La demanda de un determinado tipo de pintura produjo que muchos pintores se especializaran en determinados temas. Este hecho fue nuevo en la Historia.
Nacido en 1955 en Birmingham, Alabama, Marshall absorbió la historia desde muy joven. La era de los derechos civiles definió su infancia; después de mudarse con su familia a Los Ángeles, fue testigo de los disturbios de Watts con solo nueve años. Marshall también supo desde el principio que quería ser artista. Leyó mucho sobre historia del arte y se educó con los maestros europeos, como Goya e Ingres, y los gigantes estadounidenses de la abstracción de mediados de siglo. Aunque Marshall quería hacer obras al mismo nivel que estos artistas blancos, no quería adaptarse a sus formas. En cambio, fijó su mirada en hacer un trabajo que, por derecho propio, tuvieran la misma fuerza.
Autor de una obra figurativa de relieve, el trabajo de Kerry James Marshall versa sobre la identidad-nacional, de género y, sobre todo, racial-, y responde a una investigación con el objetivo de contextualizar la experiencia afro-americana en la situación socio-política actual. Si bien evidencia el que el artista llama "vacío en el banco de imágenes", y el cuestionamiento de los sistemas de legitimación existentes, su pintura va más allá de la denuncia. Técnicamente compleja, y arriesgada en la invención de nuevas imágenes que contribuyen a llenar ese vacío, se inspira tanto en la cultura popular-el cine y, de manera especial, el cómic-como en el arte.
Nueva York, 1835-1886
A pesar de que su bisabuelo, François Joseph de Lapierre, se había dedicado a la pintura, los progenitores del artista luminista norteamericano Francis Augustus Silva no quisieron que su hijo siguiese el ejemplo de su antecesor. Fue aprendiz de diferentes oficios, hasta que finalmente comenzó a trabajar como pintor de carteles publicitarios. Sin embargo, su incipiente carrera autodidacta se vio truncada en 1861 al alistarse como voluntario en el Séptimo Regimiento de Infantería. Tras el fin de la guerra civil, montó un estudio en Nueva York en 1867 para dedicarse por completo a la pintura y en 1868 se casó con Margaret Watts. Algo más tarde, en 1869, debutaría en la exposición anual de la National Academy of Design, y desde 1872 fue miembro de la American Water-Color Society.
Sus excursiones veraniegas a zonas cercanas a Nueva York, como el río Hudson, Nueva Jersey, Massachusetts o Rhode Island, fueron la base para sus paisajes, enmarcados dentro de la corriente luminista. Sus marinas, unas imágenes tranquilas y luminosas llenas de sutiles gradaciones de la luz y de la atmósfera, son las composiciones más valoradas de toda su producción artística.
Gouda, 1548 -Amsterdam, 1616
Cornelis Ketel fue uno de los pintores más destacados del Manierismo holandés de finales del siglo XVI. Recibió sus primeras lecciones en Gouda, de su tío, el pintor Cornelisz. Jacobsz. Ketel, y continuó su formación en Delft, en el taller de Anthonie van Blocklandt. Viajó a Francia, donde vivió en París y en Fontainebleau. A pesar del difícil clima político, Cornelis Ketel regresó, en 1567, a Gouda donde permaneció trabajando hasta 1573. Ese año vuelve a emprender un viaje, esta vez a Inglaterra, estableciéndose en Londres como retratista. De este periodo es el retrato de cuerpo entero de Sir Martin Frobisher, en la Bodleian Library de Oxford. Durante su estancia en Londres coincidió con Federico Zuccaro, cuyo estilo se percibirá en su pintura. Volvió definitivamente a su país en 1581, y fijó su residencia en Amsterdam, ciudad en la que permaneció hasta el final de su vida, activo no sólo como pintor sino también como poeta y orador. Durante los siguientes años ejecutó numerosos retratos, entre los que se encuentra Compañía miliciana del capitán Dirck Jacobsz. Rosecrans y del teniente Pauw, del Rijksmuseum de Amsterdam, de 1588, una obra clave en el desarrollo del retrato de grupo en Holanda. Ketel inició ese tipo de composiciones en las que los miembros de una compañía miliciana aparecen representados en un interior, de cuerpo entero y portando sus armas. También pintó y dibujó alegorías y escenas narrativas; entre las pocas piezas que se han conservado se encuentran El espejo de la Virtud (Amsterdam, Rijksmuseum) y La serpiente de bronce (Múnich, Staatliche Graphische Sammlung); otras se conocen a través de grabados. Van Mander nos informa que en 1595 Ketel comenzó a esculpir, y que hacia 1599 empezó a realizar sus pinturas con los dedos, sin utilizar el pincel.
Bruselas, 1618 -Goa, 1664
Retratista, pintor de género y de escenas alegóricas, Michiel Sweerts fue, por su estilo, una figura singular dentro de la escuela flamenca del siglo XVII. Se conoce poco sobre su actividad artística hasta su traslado a Roma, donde ejerció como pintor entre 1646 y 1656. En esta ciudad está documentado en la Accademia di San Luca como aggregato, asistente no oficial. En ese periodo, Sweerts, siguiendo la moda de otros artistas nórdicos, que constituían una nutrida comunidad en Roma, pintó escenas ambientadas en las calles de la ciudad. También de esa etapa son una serie de lienzos donde se ilustra la actividad y la formación de los pintores en estudios, clases o tomando apuntes del natura
Estudio de un pintor (Amsterdam, Rijksmuseum) y El estudio (Detroit, Institute of Art) son ejemplos de este tipo de representaciones que, además, subrayan su interés personal por la naturaleza y la escultura clásica como muestran los numerosos fragmentos escultóricos en sus escenas. En 1655 se encuentra en Bruselas, donde un año más tarde publicó una serie de grabados Diversae facies, con fines didácticos, para ser utilizados por sus alumnos como ejemplos. Allí abrió una escuela de dibujo y aparece registrado, en 1657, en el gremio de pintores. Su presencia en Amsterdam está documentada en 1660 con un grupo de misioneros, desde donde se embarcó hacia Palestina para después viajar más allá de Persia; su carácter y la falta de disciplina fueron las causas por las que tuvo que abandonar la misión. Se trasladó entonces de Isfahán (Irán) a Goa, en la costa oeste de la India, donde, según los archivos de la Societé des Missions Etrangères, falleció en 1664.
Su obra, en la que sobresalen unas tonalidades plateadas especiales, se diferencia de la del resto de los nórdicos que trabajaron en Italia por el uso que hace del color, aplicado en equilibrados juegos armónicos a los que da cierto lirismo. Entre sus pinturas destacamos Plaga en una ciudad de la Antigüedad, en la que se aprecia la influencia de Nicolas Poussin, sus retratos de muchachos, en los que el tratamiento que hace de la luz le aproxima a los mejores luministas holandeses, o el ciclo con las obras de misericordia, repartidas entre varios museos y colecciones privadas.
(Cádiz, 1862-Madrid, 1915). Pintor español que cultivó temas de género y de historia. Fue subdirector del Museo del Prado (1898-1900), académico de la Real Academia de Bellas Artes de Cádiz, miembro del tribunal de oposición para la provisión de pensionados a la Academia de Bellas Artes de Roma, condecorado con la gran cruz de Isabel la Católica, collar y placa de Santiago de Portugal, comendador de número de San Miguel de Baviera, oficial de la Legión de Honor francesa y caballero de las órdenes de Carlos III, Alfonso XII y de la Corona de Italia. Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Cádiz y en 1882 se trasladó a Roma como pensionado de mérito para ampliar sus estudios, gracias a la mediación de José Villegas, amigo de la familia de Viniegra y director de la Academia Española de Bellas Artes en la Ciudad Eterna. Participó en numerosas muestras y certámenes, obtuvo primera medalla en la Exposición Nacional de 1887, consideración de primera medalla en 1901 y condecoración en la edición de 1904. Asimismo, fue premiado con primera medalla en la Exposición Regional de Cádiz de 1885, gran medalla del Estado en la Universal de Viena de 1888 y gran medalla de oro en la Universal de Múnich de 1894. En sus obras es patente la doble influencia de Mariano Fortuny y de José Villegas. Educado en un ambiente culto, amante de la música y la literatura, publicó un libro titulado Curiosidades de Roma y fue autor de varias zarzuelas: Los garrochistas, Los sobrinitos, Los acróbatas y El embajador, entre otras.
Pero su auténtico descubrimiento de la pintura se produce en 1917, cuando, por motivos familiares se traslada a Madrid y entra por primera vez en el Museo del Prado, al que años más tarde desde su destierro argentino rendirá homenaje en uno de sus libros mayores: A la Pintura, dedicado a Picasso.
En él quedará plasmado no sólo su deslumbramiento hacia la pintura y hacia uno de los museos más bellos del mundo, sino también su minucioso conocimiento de las escuelas pictóricas, las técnicas y procedimientos utilizados, el estilo de cada pintor.Sin abandonar del todo su vocación pictórica, su vida va abriéndose a lo que será el centro de su inspiración: la poesía. Ambas vocaciones las fusionará Alberti en la creación de sus "liricografías", en las que dibuja sus versos ("diérame ahora la locura / que en aquel tiempo me tenía / para pintar la poesía con el pincel de la pintura"). Debajo del poeta late siempre el pintor y viceversa. Su poesía es plástica, llena de color, luminosa como su pintura. Antes de escribirla, según él, tenía que verla dibujada. Y su pintura tiene todo el lirismo de sus versos, el ritmo de sus composiciones métricas. Picasso, en un dibujo que le regaló, le puso la siguiente dedicatoria: "Del poeta Pablo Picasso al pintor Rafael Alberti". Fundación Rafael Alberti
Pero su auténtico descubrimiento de la pintura se produce en 1917, cuando, por motivos familiares se traslada a Madrid y entra por primera vez en el Museo del Prado, al que años más tarde desde su destierro argentino rendirá homenaje en uno de sus libros mayores: A la Pintura, dedicado a Picasso.
En él quedará plasmado no sólo su deslumbramiento hacia la pintura y hacia uno de los museos más bellos del mundo, sino también su minucioso conocimiento de las escuelas pictóricas, las técnicas y procedimientos utilizados, el estilo de cada pintor.Sin abandonar del todo su vocación pictórica, su vida va abriéndose a lo que será el centro de su inspiración: la poesía. Ambas vocaciones las fusionará Alberti en la creación de sus "liricografías", en las que dibuja sus versos ("diérame ahora la locura / que en aquel tiempo me tenía / para pintar la poesía con el pincel de la pintura"). Debajo del poeta late siempre el pintor y viceversa. Su poesía es plástica, llena de color, luminosa como su pintura. Antes de escribirla, según él, tenía que verla dibujada. Y su pintura tiene todo el lirismo de sus versos, el ritmo de sus composiciones métricas. Picasso, en un dibujo que le regaló, le puso la siguiente dedicatoria: "Del poeta Pablo Picasso al pintor Rafael Alberti". Fundación Rafael Alberti
"La primera vocación de Rafael Alberti fue la pintura, patente ya en sus primeros años cuando en El Puerto de Santa María dibujaba los barcos que hasta allí llegaban. Pero su auténtico descubrimiento de la pintura se produce en 1917, cuando, por motivos familiares se traslada a Madrid y entra por primera vez en el Museo del Prado, al que años más tarde desde su destierro argentino rendirá homenaje en uno de sus libros mayores: A la Pintura, dedicado a Picasso. En él quedará plasmado no sólo su deslumbramiento hacia la pintura y hacia uno de los museos más bellos del mundo, sino también su minucioso conocimiento de las escuelas pictóricas, las técnicas y procedimientos utilizados, el estilo de cada pintor. Sin abandonar del todo su vocación pictórica, su vida va abriéndose a lo que será el centro de su inspiración: la poesía. Ambas vocaciones las fusionará Alberti en la creación de sus "liricografías", en las que dibuja sus versos ("diérame ahora la locura / que en aquel tiempo me tenía / para pintar la poesía con el pincel de la pintura"). Debajo del poeta late siempre el pintor y viceversa. Su poesía es plástica, llena de color, luminosa como su pintura. Antes de escribirla, según él, tenía que verla dibujada. Y su pintura tiene todo el lirismo de sus versos, el ritmo de sus composiciones métricas. Picasso, en un dibujo que le regaló, le puso la siguiente dedicatoria: "Del poeta Pablo Picasso al pintor Rafael Alberti".
Fundación Rafael Alberti
Boulton-le-Moors, 1801-Catskill, 1848
Thomas Cole, iniciador de la Escuela del río Hudson, fue también el precursor de la tradición paisajista del siglo XIX norteamericano. Nació en Gran Bretaña y emigró a Estados Unidos junto a su familia con diecisiete años. Allí se convirtió en aprendiz de un pintor ambulante y en 1823 comenzó a asistir a la Pennsylvania Academy of the Fine Arts de Filadelfia. Dos años más tarde y siguiendo a su familia, Cole se trasladó a Nueva York. Aquel mismo verano realizó su primera excursión a las Catskill Mountains y el río Hudson, cuyo paisaje sería el principal tema de sus cuadros a partir de entonces. Las obras que siguieron a esta excursión, basadas en los apuntes que tomó del natural, tuvieron muy buena acogida en el ambiente artístico de Nueva York y le convirtieron en un paisajista de renombre.
Para Cole el paisaje tenía un significado que iba más allá de la simple representación de la naturaleza, con un trasfondo moral y vinculado a la consideración del nuevo continente como la tierra prometida. A finales de la década de 1820, Cole intensificó esta idea realizando una serie de paisajes alegóricos basados en historias bíblicas. Poco después, en 1829, se embarcó rumbo a Europa, en el primero de los dos viajes que realizaría al viejo continente, que le llevó a Gran Bretaña, Francia e Italia y donde contempló las obras de los grandes maestros del paisaje europeo, como John Constable, J. M.W. Turner, los grabados de John Marin y Claudio de Lorena. Tras tres años en Europa, regresó a Nueva York y realizó la serie El curso del imperio, de 1836 (Nueva York, New York Historical Society), su primer encargo importante, en el que desarrolló simbólicamente el origen, apogeo y hundimiento de una nación. Durante toda su vida Cole compaginó la actividad pictórica con la poesía y la redacción de ensayos, como su Essay on American Scenery, que fue publicado en 1835 y en el que desarrollaba sus teorías artísticas. En 1836 trasladó su residencia a Catskill, que hasta entonces había sido su lugar de vacaciones, y en torno a 1840 se convirtió a la iglesia episcopaliana, momento en el que su interés en el valor espiritual y sublime del paisaje evolucionó hacia una interpretación religiosa. En 1844 Edwin Frederic Church se convirtió en discípulo suyo. Murió joven, en 1848.
(Haarlem, 1610-1685). Pintor, dibujante y grabador holandés, especializado en la pintura de género de pequeño tamaño. Aunque las fuentes hablan de un aprendizaje a partir de Frans Hals, no hay datos fiables hasta su entrada en el Gremio de Pintores de San Lucas de Haarlem en 1634. En sus primeras composiciones se hace evidente su dependencia de la obra de Adriaen Brouwer, especialmente en las escenas de peleas y escenas de interior, al modo de sus fumadores, jugadores de cartas o bebedores, aunque en Ostade carecen de la tradición satírica que animaba este tipo de pintura en Brouwer. La utilización de composiciones diagonales y los fuertes contrastes de claroscuro son las características predominantes de sus obras, así como los efectos de fuentes de luz directa, como candelas o chimeneas. Progresivamente incluirá en su corpus escenas de temática más pausada, tales como vistas de pueblos o interiores de casas campesinas, e incluso retratos individualizados, donde demuestra el conocimiento de la tendencia caravaggista, matizada a través de los artistas de Utrecht. Del mismo modo, mostrará, hacia finales de la década de 1630, un interés por el paisaje, muy influenciado por la actividad pictórica de su hermano Isaak, con obras en las que alcanza gran calidad gracias a la combinación de espacios abiertos con figuras en actividades cotidianas. Únicamente se conoce un paisaje puro de su mano, Paisaje con viejo roble (Rijksmuseum, Amsterdam). A partir de la década de 1640 sus escenas de género sufrirán una nueva evolución, prestando más atención a los elementos anecdóticos, como mobiliario y utensilios cotidianos, representados en un mayor detalle. Las figuras ganan en individualización y a la vez construye las escenas con un sentido de la profundidad y la perspectiva más maduro. De hecho, la insistencia en los detalles será la característica que marque sus obras posteriores, así como una obsesión por la utilización de colores más delicados, en detrimento de la tonalidad general de sus primeras obras. Los mismos temas de género de sus pinturas se mantienen en el gran número de dibujos de su mano que se conservan, así como en sus muchos grabados, siendo el principal grabador holandés de su momento tras Rembrandt. Adriaen van Ostade fue maestro de su hermano Isaak, así como de Thomas Wijck, e indirectamente influyó en artistas como Jan Steen, Cornelis Befa, Michel van Musscher, Jan de Groot y Cornelis Dusart, por lo que es uno de los principales puntos de referencia de la pintura de género holandesa.
Pintor danés, parte de una familia de pintores, esposo de Anna Kirstine Ancher. Estudió en la Academia Kongelige, Copenhague (1871-75), donde sus maestros fueron Wilhelm Marstrand y Frederik Vermehren. Uno de sus compañeros de estudios fue Karl Madsen quien lo invitó a viajar a Skagen, un pequeño pueblo de pescadores en el extremo norte de Jutlandia, donde confluyen el Mar Báltico y el Mar del Norte. Desde mediados de la década de 1870, él y Madsen se convirtieron en miembros clave de un grupo de artistas que se reunían allí cada verano, conocidos como los Pintores de Skagen. Después de que Ancher visitara Skagen por primera vez en 1874, se instaló allí y se unió a la creciente sociedad de artistas. La colonia de pintores se reunía periódicamente en el Hotel Brøndums de Skagen para intercambiar ideas. En 1880, Ancher se casó con su colega pintora y nativa de Skagen, Anna Brøndum. En los primeros años de su matrimonio, la pareja tenía una casa y un estudio en la "Casa del Jardín", que ahora se encuentra en el jardín del Museo Skagens. Después del nacimiento de su hija Helga, en 1883 la familia se trasladó a Markve en Skagen.Michael Ancher influenciado por las reglas estrictas de la Real Academia de Bellas Artes le era dificial adaptarse a la pintura moderna escandinava, la "Escuela de Skagen" pero su matrimonio con Anna Ancher le aportó el concepto naturalista de la realidad sin adornos y colores. Mediante la combinación de la composición pictórica de su juventud con las enseñanzas del naturalismo, Michael Ancher creó lo que se llama arte figurativo moderno monumental.Se nota un cambio en su uso del color en las obras producidas después de una influyente visita a Viena en 1882; quedó profundamente impresionado por los viejos maestros holandeses del Kunsthistorisches Museum, especialmente los Vermeers. Su efecto en su pintura se puede ver en La niña enferma (1883), un tema que repitió tres veces (Museo Skagens, Skagen).Logró su gran avance artístico con la pintura Vil han klare pynten; Statens Museum for Kunst, Copenhague). En él, varios pescadores se paran en la orilla, evidentemente observando la llegada de un bote. La composición, manejada con firmeza, se enfoca en el grupo de hombres (el bote mismo es invisible); cada figura es un retrato individual que captura una respuesta al momento.
(1861 - 1933) Nacido el 14 de febrero de 1861, Peter Vilhelm Ilsted fue uno de los pintores daneses nacidos en unos pocos años que alcanzarían renombre internacional, entre ellos Carl Vilhelm Holsøe (1863-1935), Paul Fischer (1860-1934) , Vilhelm Hammershøi (1864-1916) y Peder Mørk Mønsted (1859-1941).En sus primeros trabajos, Ilsted fue un pintor de género y retratos, sin embargo, como su hermana se había casado con Vilhelm Hammershøi, estuvo bajo la influencia tanto de su cuñado como de su amigo cercano Carl Holsøe. Como resultado de esto, él también sería ampliamente conocido por sus escenas de interior. Usando el interior de su casa y miembros de su familia como modelos, los temas de Ilsted serían escenas ambientadas en la cocina preparando la comida, o en un comedor o salón con o sin figuras, pero siempre con énfasis en la luz y su interacción con las superficies. .Como tantos de sus contemporáneos daneses, Ilsted viajó mucho, a Italia, Grecia, Oriente Medio, España y Francia en 1886, regresó a Italia y Francia en 1891 y a Italia nuevamente en 1894 y 1905, y a Inglaterra en 1913. Ilsted fue ampliamente conocido en toda Europa, expuso en el Salón de París en 1889, recibiendo una mención de honor y nuevamente en 1890 siendo galardonado con una medalla, y también en 1900; expuso en Copenhague 1891-99, Budapest 1906-7, Munich 1909 y 1913, Berlín 1910-11, Malmo 1914 y Estocolmo 1924. Más lejos, Ilsted expuso en Chicago en 1893. Un artista muy respetado en Escandinavia, Ilsted fue reconocido como un artista de talla y popularidad internacional.
Sus obras se pueden encontrar en museos en: Aalborg; Århus; Copenhague; Krefeld; París, Museo de Orsay y Randers.
En las primeras décadas del siglo XX existía un argumento entre pintores, de excluir a la mujer en todo lo relacionado con el arte en general pero principalmente lo tocante con el arte moderno, por lo tanto, en artículos y trabajos sobre arte, no se mencionaba a la mujer, actitud que se relacionaba con algunas explicaciones y especificaciones de los principios y orígenes en la abstracción en la pintura.Las artistas que pintaban abstracto se encontraban con el problema de trabajar en un lenguaje que rechazaba lo femenino, lo cual las llevaba a grandes problemas para crear su arte, poderse desenvolver a su agrado y en muchos casos optaban por una retirada a las artes aplicadas, lo que ocasiona que su aportación fuese minusvalorada.“Es tan bueno que nunca sabrías que lo ha pintado una mujer” o "que bueno, esta nujer parece que tiene mano de hombre"- son expresiones que todavía podemos oir hoy en día. Como muchas otras cosas, el arte ha sido cosa de hombres para la historia oficial. Como muestra de ello, suele ubicarse el inicio de la abstracción moderna a principios de la segunda década del siglo XX, ligada a nombres masculinos como Kandinsky, Mondrian o Malévich. Cuando lo cierto es que 50 años antes Georgiana Houghton, británica nacida en Las Palmas de Gran Canaria, ya realizaba sus chocantes dibujos compuestos por trazos de colores a lápiz y acuarela. Quizá porque era la única coartada posible entonces para una forma de expresión tan radical, ella aseguraba haberlos realizado durante un trance místico, guiada por los espíritus del Más Allá con los que solía contactar. Lo mismo ocurriò con la sueca Hilma Af Klint, autora a principios del XX de unos dibujos y pinturas de abstracción geométrica avant la lettre a las que ella vinculaba con un discurso esotérico y teosófico.
Isabel McLaughlin, pintora ( Oshawa, Ontario, 10 de octubre de 1903; Toronto, 26 de noviembre de 2002). Importante artista modernista Canadiense preocupada por el diseño, el color brillante y el estudio del espacio tangible. Estudió en el Ontario College of Art y en París en 1929 y Viena en 1930, y dos veces con Hans Hofmann en el período 1947-52. Su desarrollo se caracterizó por una constante renovación de sí misma y por la conciencia de sus propias raíces. En 1939, McLaughlin fue elegida presidenta del Grupo Canadiense de Pintores, la primera mujer en encabezar una importante sociedad de arte canadiense. Fue galardonada con la Orden de Ontario en 1993.Después de su muerte, sus archivos fueron donados a la Universidad de Queen´s
Alrededor de 1900, un grupo de artistas realistas se diferenció y desafió a los impresionistas y académicos estadounidenses. El miembro más capacitado de este grupo fue Robert Henri, que había estudiado en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania con Thomas Anshutz. Después de pasar los años de 1888 a 1891 trabajando en la Académie Julian de París, Henri enseñó en la Escuela de Diseño para Mujeres en Filadelfia y dio clases privadas de arte en esa ciudad y sus alrededores y, durante sus visitas de regreso a Francia, en París y sus alrededores. A partir de 1892, Henri también se convirtió en mentor de cuatro ilustradores de Filadelfia : William James Glackens, George Luks, Everett Shinn y John Sloan, quienes trabajaron juntos en varios periódicos locales y se reunían para estudiar, compartir estudios y viajar. Entre fines de 1896 y 1904, todos se mudaron a Nueva York, donde el propio Henri se instaló en 1900.Henri y sus antiguos socios de Filadelfia formaron la primera generación de lo que se conoció como la Escuela Ashcan. Una segunda generación estuvo formada por los estudiantes de Henri en Nueva York, de los cuales George Bellows fue el más devoto. El término Ashcan School fue sugerido por un dibujo de Bellows titulado Disappointments of the Ash Can , que apareció en el Philadelphia Record en abril de 1915; fue invocado por el dibujante Art Young en una crítica despectiva que apareció en el New York Sun en abril de 1916. Aunque los artistas de Ashcan no eran una "escuela" organizada y defendían estilos y temas algo variados, todos eran realistas urbanos que apoyaban el credo de Henri: "el arte por el bien de la vida", en lugar del "arte por el arte". También presentaron sus obras en varias exposiciones importantes de principios del siglo XX en Nueva York, incluida una exposición colectiva en el National Arts Club en 1904; la muestra histórica de The Eight en Macbeth Galleries en febrero de 1908, que incluyó a los cinco pintores principales de Ashcan School junto con Ernest Lawson, Maurice Prendergast y Arthur B. Davies Tanto en sus pinturas como en sus ilustraciones, grabados y litografías , Henri y sus compañeros artistas de Ashcan se concentraron en retratar la vitalidad de Nueva York y registrar su lado sórdido, manteniendo un ojo atento a los acontecimientos actuales y la retórica social y política de su época. Estilísticamente, dependían de la paleta oscura y la pincelada gestual de Diego Velázquez , Frans Hals , Francisco de Goya , Honoré Daumier y realistas recientes como Wilhelm Leibl, Édouard Manet y Edgar Degas .. Preferían formas amplias y caligráficas, que podían reproducir "sobre la marcha" o de memoria, y así incorporar habilidades que la mayoría de ellos habían cultivado como ilustradores de periódicos. Aunque los artistas de Ashcan abogaban por la inmersión en la actualidad moderna, no eran ni críticos sociales ni reformadores y no pintaban propaganda radical. Si bien se identificaron con la vitalidad de las clases bajas y resolvieron registrar los aspectos funestos de la existencia urbana, ellos mismos llevaban vidas agradables de clase media, disfrutaban de los restaurantes y bares de Nueva York, su teatro y vodevil, y sus populares centros turísticos cercanos como Coney Island. Debido a que evitaron los disturbios civiles, las tensiones de clase y la arena de las calles, sus obras nunca son tan directas o inquietantes como las de sus contrapartes europeas o las imágenes reformistas de fotógrafos estadounidenses como Jacob Riis.Los artistas de Ashcan documentaron selectivamente una época inquietante y de transición en la cultura estadounidense que estuvo marcada por la confianza y la duda, la emoción y la inquietud. Ignorando o registrando solo las nuevas y duras realidades, como los problemas de la inmigración y la pobreza urbana, arrojaron una luz positiva sobre su época. Junto con los impresionistas estadounidenses, los artistas de Ashcan definieron la vanguardia en los Estados Unidos hasta que el Armory Show de 1913 presentó al público estadounidense las obras de los verdaderos modernistas Henri Matisse , Pablo Picasso , Marcel Duchamp ., y otros. Henri y la mayoría de sus colegas de Ashcan continuaron pintando, incluso en la década de 1940, en el caso de Sloan y Shinn. Aunque su creatividad decayó y su carácter pionero se desvaneció, infundieron algunos de sus últimos lienzos con su vigor anterior.
Samuel Finley Breese Morse nació el 27 de abril de 1791 en Boston (EE.UU).
La vocación inicial del joven Samuel fue la pintura, aunque desde siempre estuvo muy interesado por los descubrimientos y experimentos relacionados con la electricidad.
Estudió dibujo en Londres y, de regreso a Nueva York, pasó a ser un reconocido pintor. Fundó y fue el primer
presidente de la Academia Nacional de Dibujo.
No tuvo mucha suerte como pintor y pasó serias dificultades económicas.
Nunca abandonó el interés por la electricidad y sus aplicaciones. Cuando estudiaba en Yale aprendió que, si se interrumpía un circuito eléctrico, se veía un fulgor y pensó que aquello podría usarse como un medio de
comunicación.
Con 40 años ya había diseñado un prototipo de telégrafo y comenzaba a desarrollar la idea de un sistema telegráfico de alambres. El 6 de enero de 1833, Morse realiza su primera demostración pública de su telégrafo y
dos años después ve la luz su primer modelo de sistema telegráfico. Dos años más tarde abandonó la pintura
Aurelia Navarro Moreno (Granada, 1882 - Córdoba, 9 de febrero de 1968).
Aurelia Navarro Moreno fue una pintora que pasó su juventud en su casa natal en Granada, cerca del Generalife. Su acercamiento a la pintura se debe a la escuela de artistas José Larrocha y Tomás Muñoz Lucena. En vista de su actitud, pronto fue alentada por sus profesores a participar en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1904 celebrada en la capital, Madrid.
A la edad de veintidós años, recibió una mención de honor. También participó en el retrato de pintura de 1906 de una mujer joven. El jurado, presidido por el académico español Francisco Pradilla, le otorgó la medalla de bronce. Recibió un reconocimiento similar en 1908 por su pintura más conocida, desnudo de una mujer. Con esa obra se convirtió en uno de los primeros artistas españoles en inspirarse en la Venus del espejo de Diego Velázquez. Después de estas declaraciones a nivel nacional, su familia reaccionó enviándola de regreso desde Madrid, donde se había trasladado, a su ciudad natal, Granada, y aquí pudo participar en exposiciones y colectivos de menor importancia y de solo importancia local. Las presiones sociales y familiares provocaron una profunda crisis y la progresiva pérdida de inspiración artística. En 1923 se retiró al convento y se convirtió en parte de la orden religiosa de las hermanas adoradoras Siervas del Santísimo Sacramento y la caridad. A los cuarenta años comenzó a pintar cada vez menos y con menos creatividad. Cuando, en 1933, preparó un retrato de la fundadora de la orden de Micaela Desmaisières y López Dicastillo y Olmeda, y lo puso en el Vaticano para la ceremonia de su beatificación, que tendría lugar al año siguiente, su obra fue juzgada decepcionante por la historiadora del arte Matilde Torres López. Vivió los últimos años de su vida en el Convento de los fieles de Córdoba, donde murió en 1968. Después de participar en exposiciones en Madrid a principios del siglo XX, sus obras fueron olvidadas. En octubre de 2020, se inauguró la exposición temporal Invitadas en el Museo del Prado.
Sándor Bortnyik representó un importante papel en el desarrollo de la vanguardia húngara. Desde 1913 estudió en Budapest y se sintió atraído por el estilo pictórico de los fauves hasta que, en 1915, conoció a Lajos Kassák, editor de MA, que le introdujo en el grupo de colaboradores de la revista. En 1919, tras el derrocamiento del breve régimen comunista de Béla Kun y la invasión de las tropas rumanas, Bortnyik y otros artistas ligados a MA se vieron obligados a abandonar Budapest. Se instaló en Viena, y posteriormente vivió en Weimar entre 1922 y 1924. Sus estrechos contactos con la Bauhaus y con los movimientos constructivistas del momento dieron lugar a unas obras no figurativas con una fuerte preponderancia de lo arquitectónico. A pesar de ello, Bortnyik se negó a ser identificado con la Bauhaus. Durante esta época, también trabajó en Kassa (hoy Kosice, Eslovaquia) y en Berlín, donde en 1922 la galería Der Sturm celebró una exposición de su obra. A partir de 1924 comenzó a interesarse por la representación de escenas de talante satírico en las que, conservando el carácter geométrico anterior, aparecían figuras enmarcadas en extrañas arquitecturas. En 1925 regresó a Hungría. Allí volvió a dedicarse al diseño de carteles, actividad que había practicado durante sus primeros años, y montó un taller al que asistió, entre otros, Victor Vasarely y que cerró en 1938 por problemas económicos. A mediados de la década de los años treinta, Bortnyik volvió a retomar la pintura influido por un grupo de artistas socialistas formado en Budapest en 1934. Durante los años siguientes fue promotor de la publicación de diversos libros y revistas y profesor y director de la Academia de Bellas Artes de Budapest. Al final de su vida, la Galería Nacional de Budapest organizó una exposición retrospectiva en la que se reconocía la trayectoria de Bortnyik como artista.