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@martifischer trifft @deichkind: „Neues vom Dauerzustand“, YouTube & Inspiration | DIFFUS TITELSTORY
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Lea van Acken und Julius Feldmeier von der sechsteiligen ARD Mini-Serie „Tod den Lebenden“ haben uns von ihren Top 5 Dreh-Momenten erzählt.
„Tod den Lebenden“ könnte vielleicht der Titel eines neuen Tatorts sein, ist aber der Name einer frischen und neuen ARD Mini-Serie, die nicht unbedingt das abbildet, was wir sonst von klassischen öffentlich-rechtlichen Inhalten erwarten. Was zunächst nach einem perfekten Sommer in Berlin aussieht, entwickelt sich nämlich im Verlauf der insgesamt sechs Folgen zu einem aussichtslos scheinenden Kampf im (Gefühls-) Chaos zwischen Klimawandel und offenen Beziehungskonzepten. Das Besondere: „Tod den Lebenden“ entstand komplett ohne festes Drehbuch. Stattdessen ließ Regisseur Tom Lass den Hauptdarstelleri:nnen Kristin Suckow, Odine Johne, Julius Feldmeier und Lea van Acken die Freiheit, im Moment zu improvisieren und damit Unerwartetes zu erschaffen.
Wir haben Lea van Acken und Julius Feldmeier zu uns ins Studio eingeladen, um uns von ihren fünf besten Dreh-Momenten zu erzählen – oder kurz gesagt, um mit ihnen übers Kutschen, Ballern, Pennen, Improvisieren und Rumfahren zu quatschen. Wie wäre es denn zum Beispiel, wenn man am Set einfach mal entspannt Mittagsschlaf machen könnte? Lea und Julius haben es ausprobiert. Außerdem zeigen sie uns ihre Lieblings-Impro-Übung. Over.
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#diffus #top5 #leavanacken #juliusfeldmeier
„Ich mag einfach nur gern, neue Namen auszuprobieren“, verrät uns Ilja Danzinger im Interview und wer den aufstrebenden Newcomer in den letzten zwei Jahren verfolgt hat, kann das bestätigen. Ob als Saiya Tiaw, Danzinger99 oder als Teil des Duos Neunundneunzig: Die Alter Egos, unter denen Ilja seine Musik veröffentlicht sind so vielfältig, wie die Einflüsse die er darin verarbeitet. Für diesen Text bleiben wir der Einfachheit halber bei Saiya Tiaw – unter diesem Namen hat er schließlich auch seine letzte EP „Beton“ veröffentlicht, ein Gegenstück zu seinem Projekt „Tränen von dir“, mit dem ihn viele erstmals entdeckt haben.
„Mit Beton verbinde ich eine Distanz. Irgendwie habe ich was großes im Kopf, aber eben sehr kühles und distanziertes. Bisschen auch was Verlassenes.“, sinniert der Musiker aus Österreich und eigentlicht trifft diese Beschreibung ziemlich akkurat auf den Sound der gleichnamigen EP zu. Knappe Song-Skizzen, zu kurz um sie richtig zu greifen und eigentlich auch zu unterkühlt um sie zu berühren. Was man erhascht, sind nur Fragmente: Splitter von melancholischem Post-Punk, plötzliche Gabber-Einschübe, flatternde Trance-Vocals, Musik wie der Serotonin-Mangel am Tag nach dem Rave.
„Ich hab‘ das Gefühl, das spürt man schon, die Sachen, die mich zu der Zeit beschäftigt haben. In eine andere Umgebung zu ziehen und die Zeit, wo‘s eher finster und kalt ist und man sich eher zurückzieht“. Eine andere Umgebung, damit meint Saiya Tiaw Wien, wo er seit einiger Zeit lebt. Hier sind auch die Aufnahmen entstanden, die uns der Musiker für unseren gemeinsamen Kurzfilm zur Verfügung gestellt hat und die die Ästhetik von Saiya Tiaw ins Visuelle übersetzen. Fahrige Bilder voller Großstadt-Einsamkeit, flimmernde Auto-Scheinwerfer, der Mond an einem dämmernden Himmel, während wir den Künstler selbst immer nur kurz erhaschen. Trotzdem lässt er dabei tiefer blicken als je zuvor, spricht über Wien, den Winter, Edwin Rosen und natürlich „Beton“.
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#saiyatiaw #danzinger99 #neunundneunzig
Bescheidenheit ist nicht der erste Begriff, der einem in den Kopf schießt, wenn man nach Worten sucht, um Poulish Kid zu beschreiben. Aber das ist auch ok so, denn das Leipziger Elektro-Pop-Projekt um den Musiker und Sänger Paul will hoch hinaus und dafür ist Bescheidenheit eben einfach nicht das höchste Gebot. Wenn es sein muss, hintergeht Paul auch mal seine Bandkollegen und meldet sie alle heimlich für den ESC an. Naja, ist ja alles gut gegangen – die anderen haben ihm verziehen. In Liverpool ist dann zwar doch jemand anders aufgetreten, aber den Versuch und die neue TikTok-Bekanntheit war es wert.
Jetzt ist ihr Debütalbum „In The Shadow Of A Giant“ erschienen. Im Interview erzählt Paul uns, dass er den Albumtitel eigentlich schon im Kopf hatte, als es Poulish Kid noch gar nicht gab: „In jeder Lebenssituation gibt es immer irgendwas, was über dir steht, was dich von irgendwas abhält. Bei mir war es jahrelang ich selbst. Ich bin der größte Riese, vor dem ich mich selbst fürchte und weiß jetzt, dass es hilft, dass es mich nach vorne bringt, wenn ich über meine eigenen Schmerzgrenzen gehe.“ Das ist, was die Platte für Poulish Kid ist: eine Bewältigung des eigenen Riesen. Neben dem Albumtitel erklärt uns Paul außerdem noch, wie er zu seinem aktuellen Sound gefunden hat, warum er manchmal maskiert auftritt und verrät, was ihn motiviert.
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#diffus #interview #poulishkid
Einmal Mars-Feeling ohne ein paar Lichtjahre durchs All zu schippern und seine Seele an Elon Musk zu verkaufen? Wenn es nach Conor Mason und Dom Craik von Nothing but Thieves geht, muss man dafür einfach einmal nach Island reisen. Für verrücktes Essen, wie zum Beispiel fermentierten Hai, darf ein Abstecher in der Hauptstadt Reykjavik nicht fehlen. Bei „Top 5“ erzählen uns die beiden, welche Dinge sie an Berlin lieben und wie genau Dom in einer Bar in Tokyo den „Rave-Modus“ ausgelöst hat.
Die britische Rockband Nothing But Thieves veröffentlicht seit gut zehn Jahren Musik. Dieses Jahr kam ihr viertes Studioalbum „Dead Club City“ heraus, das sie das erste Mal in ihrer Karriere auch selbst produziert haben. Generell ist es das Projekt, an dem sie alle am meisten selbst beteiligt waren – von der Produktion bis hin zum Artwork floss alles aus den Händen und Köpfen der Band zu dem zusammen, was „Dead Club City“ nun ist: ein experimentelles Konzeptalbum, das uns Hörer:innen in eine fiktionale Welt mitnimmt, die hier und da aber doch mehr mit der echten zu tun hat, als man sich manchmal wünschen würde.
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#diffus #top5 #nothingbutthieves
Deutschrap entwickelt sich stetig weiter – und heute wahrscheinlich rasanter als je zuvor. Indie-Pop, Eurodance, Pop-Punk, Jersey Club, Drum ’n’ Bass, es gibt quasi nichts, auf was man gerade nicht rappen kann oder darf. Einer, der die aktuelle Entwicklung am eigenen Leib erlebt und begleitet ist Bouncy. Der Rap-Newcomer aus Wien ist im vergangenen Jahr mit hartem Drill-Sound in die Szene gestartet. Inzwischen fährt er einen neuen, melodischeren Sound und spricht im Interview mit uns über diesen Stil-Wechsel, seine Einflüsse und die Vorteile der modernen Musikproduktion.
Zu Beginn des Gesprächs überrascht uns Bouncy direkt: „Viele wissen gar nicht, wie jung ich eigentlich bin - ich bin 18 Jahre alt erst“. Entsprechend wurde sein Aufwachsen vor allem vom harten Deutschrap der Nullerjahre geprägt, Bouncy erinnert sich an einen Kindheits-Soundtrack von Bushido und Xatar zurück, der die Fahrten mit seinem Bruder und seinem Cousin im Auto begleitete. Später wurde dann aus Deutsch Englisch: „Ich war sehr großer Travis Scott-Fan immer, bis heute“. Als Teenager fängt Bouncy dann an erste Beats zu bauen und Texte zu schreiben, zu Beginn im Wettstreit mit seinen Schulfreunden. Trotzdem wurde daraus schnell mehr als ein Freizeit-Hobby: „Seit dem Tag, wo ich angefangen habe, mich bisschen mehr in die Materie reinzusteigern, hab’ ich das voll ernst genommen.“ Spätestens nach seinen ersten Releases zahlt sich dieser Glauben an das eigene Talent aus: Songs wie „Abella Danger“, „Shaniqua“ oder „Tom & Jerry“ surfen auf der Drill-Welle aus UK und kommen im Wiener Untergrund gut an.
Im Frühjahr 2023 erfindet sich Bouncy dann neu: „Nintendo“ kommt mit mehr Melodien, Synthies und Two-Step statt Drill. „'Nintendo' war der erste Song, bei dem es in eine andere Richtung ging. Das war für mich nichts neues, aber für die Leute. Das war kein smoother Switch, aber es hat gut funktioniert, die Leute haben verstanden.“, erinnert sich Bouncy. Seither geht es genauso vielseitig weiter, erst auf der „ILDB“-EP, am vergangenen Freitag dann in Form der Single „Wohnzimmer“. Der neue Song kommt mit Breakbeats und sphärischen Synthie-Beats, die an die Produktionen der Playboysmafia erinnern – und tatsächlich in einem Wohnzimmer entstanden hat. Was ein Stromausfall damit zu tun hat und warum Bouncy 1604 Hörer:innen in Instanbul hat, erfahrt ihr im Interview.
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#diffus #bouncy
Captain Planet ist eine deutsche Punk-Rock-Band aus Hamburg. Die fünf Mitglieder machen bereits seit 20 Jahren zusammen Musik – 20 Jahre, das ist mehr als die meisten Ehen halten. Im Interview haben wir den Gitarristen Benni gefragt, wie sie es geschafft haben, so lange als Band zusammenzubleiben und wie ihr Schaffungsprozess sich über die Zeit gewandelt hat: Kinder, „richtige“ Jobs in der „echten“ Welt und andere Interessen verändern nunmal Dinge.
Am Freitag erschien nun aber nach sieben Jahren ihr fünftes Album: „Come On, Cat“. Der Titel ist ein Zitat aus dem Film „Alien“. Im Interview erzählt Benni, wieso eine Szene aus einem Film voller Schmodder und Schleim die Band dazu inspiriert hat, ihr Album danach zu benennen. Ein ähnliches Motiv zieht sich durch den Song „Halley“, der nach einem Kometen benannt ist, der nur alle 75 Jahre von Erde aus sichtbar ist.
Es zeichnet sich ab, dass die Bilder, mit denen Captain Planet arbeiten, häufig zweiseitig sind: „Zum einen sehe ich das deutlich pessimistisch, weil ich das Gefühl habe, wenn man für sich einmal festgestellt hat, dass man so eine Art hat, die Welt zu interpretieren oder sein Umfeld oder seine Erfahrungen, dann wird man nicht auf einmal alles auf die leichte Schulter nehmen und irgendwie glücklich durch die Gegend gehen.“ Das neue Album gibt auf jeden Fall genug Raum, um Frust aber auch Freude freien Lauf zu lassen.
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#diffus #interview #captainplanet
Die 21-jährige Musikerin marita kommt aus der Kleinstadt Aalen in Baden-Württemberg – klingt nicht gerade nach dem Ort, an dem Stars gemacht werden. Sie wollte aber irgendwie schon immer singen und beschloss im Alter von 17 Jahren, dass ihr Omas Geburtstagsparty nicht mehr als Bühne ausreicht. Etwas größeres musste her – und klar, warum sich dann nicht gleich ganz Deutschland als Publikum wählen? Über ihre Zeit bei der Castingshow „The Voice of Germany“ spricht sie mit uns im Interview, genau wie sie die ersten Schritte als Solokünstlerin bestritten hat.
Kürzlich ist ihre erste EP erschienen, die passenderweise den Titel „1“ trägt. In ihrer Musik beschreibt sie in eher trauriger Manier das Leben und Leiden einer jungen Person in einer Kleinstadt. Sie erzählt uns im Interview, dass sie selbst eigentlich ganz andere Musik hört – eher Deutsch-Rap und gute Laune. Einzelne Rap-Einflüsse zeichnen sich hier und da schon ganz zart in ihren Songs ab. Auf die Frage, ob sie in Zukunft auch mehr Musik machen möchte, die der ähnelt, die sie hört, antwortet sie mit einem vielleicht. Eventuell ändert ihr Umzug nach Berlin ja etwas daran – die Zeit wird es zeigen!
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#diffus #interview #marita
My Ugly Clementine sind ein Indie-Trio aus Wien. Die drei veröffentlichen in anderen Projekten schon wesentlich länger, gemeinsam jedoch erst seit 2019, Musik und konnten schon mit ihrem Debütalbum „Vitamin C“ von sich überzeugen. Auf ihrem zweiten Album „The Good Life“, das vergangenen Monat erschien, zeigten sie musikalisch einen stärkeren Einfluss aus dem Grunge und frühen Indie-Rock der 90er. Ein paar Songs könnten auch der Soundtrack für einen Coming Of Age-Film sein, wie beispielsweise der Opener „Circles“.
In unserem Top 5 Format präsentieren sie uns ihre fünf liebsten Melodien – bei ein paar Platzierungen könnte man vermuten, dass sie auch Einflüsse auf ihr Album hatten. Ein Indikator für eine gute Melodie? Laut Sophie Lindinger: wenn man eine dramatische Handbewegung dazu machen kann. Je besser die Melodie, desto theatralischer die körperliche Reaktion: Da landet man beim ersten Platz – oder wie Mira sagt, dem ersten ersten Platz – auch mal kniend auf dem Boden.
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#diffus #myuglyclementine #top5
Würzburg ist für seine Barockgebäude bekannt, für seine Student:innen, vielleicht noch für den Wein – aber sicher nicht als Epizentrum der deutschen Indie-Szene. Trotzdem treffen wir hier zwei spannende Nachwuchskünstler:innen die besagte Bubble gerade ordentlich durchschütteln: Lena&Linus. Das Newcomer-Duo wurde im letzten Jahr vom Produzenten Tim Tautorat unter seine Fittiche genommen und veröffentlicht seither Musik, die Linus „als dezenten Indie-Pop, der unter die Haut geht“ beschreibt.
Aber eigentlich beginnt die Geschichte natürlich viel früher. Bevor sie sich zusammentun, veröffentlichen sowohl Lena als auch Linus schon länger Videos mit Cover-Versionen und eigenen Lieder auf Instagram – wo sie sich dann auch kennenlernen und connecten. Bevor sie bei ihrem heutigen, introspektiven Indie-Entwurf ankommen, der mit seinen harmonischen Zweistimmigkeit ein wenig an Angus & Julia Stone erinnert, durchlaufen die beiden verschiedene Phasen mit anderer Musik. Als Linus dann über einen Song von Lena singt, macht es Click. „Ich erinnere mich daran, dass ich das meiner Mom gezeigt habe und sie war so: 'Lena, ihr müsst mehr zusammen machen! Eure Stimmen, die fließen so übereinander!’“. Gesagt, getan: Lena&Linus wird zum Duo und ist dank stiller, bewegender Stücke wie „Timothée Chalamet“ und „Hamburg“ schnell nicht mehr wegzudenken aus der deutsche Indie-Landschaft.
Die Schmiede, in der die Ideen für ihre Songs entstehen, zeigen uns die beiden in der zweiten Hälfte unseres Interviews: Das B26. „Mein Papa hat einen Handwerksbetrieb und hat hier seine erste Werkstatt gehabt. Er ist mittlerweile umgezogen und wollte das ganze eigentlich als sein Autoschrauber-Paradies umfunktionieren. Als ich 18 geworden bin, haben wir hier ‘ne kleine Feier gemacht und die erste Bar reingezimmert und seitdem hab ich das ganze bisschen für mich beansprucht“, erzählt uns Linus. Inzwischen gibt es hier Studios, einen Billardtisch und so ziemlich alles, was man sich als musizierender Freund:innenkreis wünschen könnte. Auf der gemütlichen Ledercouch erzählen Lena&Linus von ihrer zweiten EP „Sekundenschlaf“, die am 01. September erscheint und die intime Akustik-Stimmung ihres ersten Projekts ein wenig aufbricht. Außerdem geht es um Tim Tautorat als Kumpel und Mentor, um Würzburg und um die Arbeitsweise als Duo.
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#diffus #lenaundlinus #portrait
Van Holzen machen harte, kantige Musik. Musik zum Sachen zerschlagen, zum aus voller Kehle mit schreien und zum Rumschubsen im Moshpit. Kurz gesagt: Musik, die Live gespielt werden will, und das tut die Band aus Ulm viel und gerne. Über die Jahre haben Van Holzen sich dabei auf der Bühne eine gewisse Souveränität erspielt, aber auch abseits der Scheinwerfer haben die drei Freunde inzwischen einige Routinen entwickelt. Bei Top 5 stellen sie deshalb ihre wichtigsten Tour-Essentials vor – vom richtigen Sauna-Aufguss bis zu Deodosen ohne Deo.
Zuletzt haben uns Van Holzen 2021 im DIFFUS-Studio besucht – damals zum Release ihres dritten Albums „Aus der Ferne“. Schon damals zeichnete sich ab, dass die Band, bestehend aus Sänger Florian Kiesling, Jonas Schramm und Daniel Kotitischke, ihren rauen Alternative Rock ein wenig für neue Einflüsse öffnete. Diese Entwicklung zieht sich seither weiter: Mit neuen Songs wie „Tauchen“ oder „Stich für Stich“ lotet neue Sounds aus, ein bisschen Post-Punk, ein bisschen New Wave, mehr Melodien. Für die jüngste Single „Ich Feier“ arbeitet das Trio sogar erstmals mit einem Featuregast – dem Rapper Dissy.
Eine Sache hat sich allerdings auch nach über zehn Jahren gemeinsamem Musizieren nicht geändert: Van Holzen machen Musik für die Bühne. Erste Live-Erfahrungen haben die drei Freunde schon als Schüler-Band gemacht, heute touren sie immer noch gern und ausgiebig. Um die Zeit auf den Autobahnen des Landes so angenehm wie möglich zu machen, haben Van Holzen dabei inzwischen einige Live-Hacks und Must-Haves. Im Interview stellt die Band ihre Top 5 Tour-Essentials vor, die erstaunlich erwachsen ausfallen: Von Faszienrollen über Nasenduschen und Sauna-Aufgüsse ist alles dabei. „Ihr merkt schon, wahnsinnig rockige Must-Haves“, sagt Sänger Florian. „Aber das ist die Wahrheit!“. Ein bisschen Bad Boy-Attitude kommt dann beim Thema Deodorant aber doch auf. Und wer von euch hat eigentlich schonmal ein Mon Chéri in der Sauna gegessen?
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In dieser Woche startet der Film „Sophia, der Tod und ich“ in den deutschen Kinos. Regie führte Charlie Hübner, in den Hauptrollen sieht man Dimitrij Schaad, Anna Maria Mühe und Marc Hosemann. Wir fragten Thees Uhlmann, wie es sich anfühlt, den eigenen Beststeller als Film zu sehen.
Die Verfilmung von Thees Uhlmanns Romandebüt „Sophia, der Tod und ich“ ist das fiktionale Regiedebüt von Charly Hübner, der zuletzt zum Beispiel die Doku über Feine Sahne Fischfilet, „Wildes Herz“, gedreht hat. Hübner sagt zu dem Film: „Wir wollten diese tolle Geschichte dringend erzählen, natürlich im Sinne Thees Uhlmanns, mit viel Humor, viel Gaukelei und prallem Leben, denn ich glaube, dass sie neben Lachen und Verzückt-Sein, ob der eigentümlichen Ereignisse dieser so besonderen Reise, Trost und Frohsinn schenken wird, wenn es um den einzigen Moment im Leben geht, der von Beginn klar ist und den wir doch alle so unklar halten möchten.“
Das ist ihm mit seinem tollen Cast gelungen: Reiner wird von Dimitrij Schaad gespielt, Sophia von Anna Maria Mühe, Mutter Lore von Johanna Gastdorf und der Tod von Marc Hosemann, den viele natürlich mit seiner Rolle als Marktleiter in der Serie „Die Discounter“ verbinden.
„Dimitrij Schaad hat die falsche Haarfarbe!“
Wir baten Thees Uhlmann vor einigen Tagen in unser Studio zum Interview und fragten ihn zum Beispiel, wie er Dimitrij Schaad als Reiner findet. Seine klare Meinung: „Dimitrij Schaad hat die falsche Haarfarbe! Keine Ahnung, ob da kein Geld mehr für eine ordentliche Blondierung dagewesen ist.“ Ansonsten habe er aber eine Körperlichkeit in seinem Spiel, die Thees total begeistert hat. Und als Dimitrij dann auch noch die wichtigste Raucherszene im Buch dermaßen on point spielte, war die Sache für Thees klar: Top-Besetzung.
Ganz am Anfang, erzählt Thees, habe man sogar geglaubt, er selbst könnte eine Rolle im Film spielen. Bei einer frühen Probe habe er das dann mal kurz riskiert, aber: „Aber ich war so nassgeschwitzt aus Angst und Unvermögen nach zehn Minuten, dass ich ihnen sagte: ‚Es ehrt mich total, dass ihr glaubt, ich könne das. Aber ich kann das nicht. Ich muss gehen.‘“
Er kam dann doch noch ans Set, um sich einmal als Zaungast anzuschauen, was diese „Kunstviecher“ Hoseman und Hübner da trieben. Ansonsten hielt sich Thees raus – steuerte dann aber den tollen Song „Egal was ich tun werde, ich habe immer an dich gedacht“ zum Soundtrack bei, für den übrigens Steiner & Madlaina zuständig waren. Wie er den findet, was ein namhafter Rapper mit der Verfilmung zu tun hat und was Thees macht, um sich nicht von der Emotionalität der eigenen Kunst überfordern zu lassen, erfahrt ihr in diesem Gespräch:
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#diffus #theesuhlmann #sophiadertodundich
Resi Reiner hat ihr Debütalbum „Weisst du was ich mein?!“ in die Welt gelassen. Mit uns spricht sie über ihr Album und was Italien mit ihrer Musik zu tun hat.
Die österreichische Musikerin Resi Reiner hatte eigentlich nie wirklich geplant, Musik zu machen. Schon als Kind stand sie als Schauspielerin vor der Kamera, arbeitete später journalistisch und macht, wie sie selbst es beschreibt „als echten Lebensjob“ Kommunikation. Trotzdem landete sie eher unverhofft bei der Musik. Im Interview erzählt sie uns, dass sie vor drei Jahren gefragt wurde, ob sie nicht ein Lied singen wolle – „dann wurde daraus das, was es jetzt ist“.
Macht Resi Reiner Indie-Schlager?
Als Kind hörte sie gerne Schlager und als eines ihrer Lieblingslieder betitelt sie heute noch Vicky Leandros' „Ich liebe das Leben“ – wir haben sie gefragt, ob sie selbst ihre Musik auch als Indie-Schlager bezeichnet und herausgefunden, dass sie diesen Begriff selbst als Beschreibung für ihre Musik in die Welt gesetzt hat. Außerdem erzählt sie uns, wie es war für das Debütalbum mit Rahel zusammenzuarbeiten und warum sie es „Weisst du was ich mein?!“ genannt hat: „Ich finde, ein Debütalbum ist auch immer eine Vorstellung und deswegen – das ist ein Satz, den ich gerne sag' und irgendwie passt er einfach gut, so ‘Hey, wisst ihr, was ich mit den Themen mein?!‘“. Ob ihr wisst, was sie meint, könnt ihr euch jetzt selbst beantworten – ihr Album ist seit Freitag draußen.
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#diffus #resireiner #indie
Wer wollte nicht schon immer mal in der „Krossen Krabbe" einen Krabbenburger probieren? Sebastian Wurth wäre definitiv mit dabei. Uns stellt er in seinem Top 5 seine Lieblingskinderserien vor.
Egal ob Schloss Einstein, Kim Possible oder Die Wilden Kerle – wenn die Kinder der 90er und 2000er an ihre Kindheit zurückdenken, dann sind auch Kinderserie wie diese, nicht aus der Erinnerung wegzudenken. Wichtig dabei auch ein ganz bestimmtes Gefühl: Diese Vorfreude, wenn man nach der Schule nach Hause kommt (oder rennt), um dann pünktlich um 13 Uhr vor dem Fernseher zu sitzen, um auf gar keinen Fall eine neue Folge der eigenen Lieblingsserie zu verpassen, von der man das Intro eh schon auswendig mitsingen kann.
Auch Sebastian Wurth erinnert sich gern an diese Zeit zurück. Da hätte er für einen ganzen Tag Serien-Bingen (gab es dieses Wort damals eigentlich schon?!) einiges getan: „Ich weiß noch, als ich super jung war, wollte ich immer die Schule schwänzen. Ich habe mir sogar einmal so ein Fieberthermometer genommen und das so ‚heiß‘ gerieben, um meiner Mutter zu sagen, ich hätte 39 Grad Fieber, um dann ‚Blues Clues‘ zu gucken und die Rätsel zu lösen.“
Später stehen dann vor allem ein Besuch der „Krossen Krabbe“ inkl. der Verkostung eines Krabbenburgers oder ein Aufenthalt im One Piece-Universum auf Sebastians Bucket List. Wir haben Sebastian Wurth deshalb mal zu uns in Studio eingeladen und ihn gefragt, welche Top 5 Kindheitsserien ihn nostalgisch werden lassen.
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Max Richard Leßmann trifft Max Raabe zum Gespräch. Beide verbindet: eine Kindheit und Jugend auf Sylt.
Der doppelte Max: Musiker, Podcaster, Instagram-Dichter und Autor Max Richard Leßmann hat gerade sein Romandebüt „Sylter Welle“ veröffentlicht; Bariton und Botschafter des 20er-Jahre-Chansons Max Raabe bringt Ende September das neue Album „Mir ist so nach dir“ raus. Beide verbindet: eine Kindheit und Jugend auf Sylt. Beste Voraussetzungen für ein Talk im Berliner Hotel Telegraphenamt über Sylt, die Liebe zum Wort und die Musik, die ein Leben prägen kann.
„Sylt ist eine schöne Insel, vor allem wenn man weg ist von Leuten.“ Diesen Satz sagt Max Raabe recht früh in seinem Gespräch mit Max Richard Leßmann. Damit widerlegt er gleich mal das Bild, das viele von der wohl teuersten Insel Deutschlands haben. Hier gibt’s nämlich nicht nur reiche Leute, die in den Dünen teuren Schampus schlürfen, sondern auch viel wunderschöne Natur und den ein oder anderen Rückzugsort. Aber warum reden die beiden bei ihrem Zusammentreffen im Berliner Hotel Telegraphenamt überhaupt über Sylt? Weil sie nicht nur der gleiche Vorname verbindet, sondern auch eine Jugend und Kindheit, die sie oft auf der Nordsee-Insel verbracht haben.
Max Richard Leßmann: „Das Buch ist von meinen Großeltern und den skurrilen Leuten auf Sylt inspiriert.“
Max Richard Leßmann hat für sein Romandebüt „Sylter Welle“ entschieden, diese Kindheit fiktional aufzuarbeiten. Nachdem er im letzten Jahr das Best-of seiner täglichen, romantischen Instagram-Gedichte veröffentlichte, beschreibt er „Sylter Welle“ (Verlag Kiepenheuer & Witsch) im Interview so: „Meine Verbindung zu Sylt ist, dass ich die Sommer mit meinen Großeltern da verbracht habe. Ich bin in Husum aufgewachsen, an der Nordseeküste, also kurz vor Sylt. Meine Großeltern kommen aus Ostwestfalen und sind einmal im Jahr mit dem Wohnwagen nach Sylt. Auch um uns zu sehen. Von diesen Besuchen ist das Buch inspiriert – von meinen Großeltern und was da auf Sylt auch für skurrile Leute sind und so.“ Im Roman heißt der Erzähler ebenfalls Max und verbringt einen Sommer mit den Großeltern auf Sylt. Doch irgendetwas stimmt nicht mit seinem Opa Ludwig. Die kühle Patin der Familie, Oma Lore, will davon nichts wissen. Im Kern des Romans steht die Frage: Würden wir unsere Familienangehörigen auch lieben, wären sie nicht mit uns verwandt?
Max Raabe: „Ich war begeistert von den Wellen vor Sylt.“
Max Raabe verbrachte viele Sommer auf der Insel, weil seine Eltern ihn eine Weile jedes Jahr zu einer Jugendfreizeit nach Sylt schickten. Er verbindet viele schöne Erinnerungen mit diesem Ort und teilt die Einschätzung des anderen Max, dass die Wellen dort etwas Besonderes sind: „Ich war auch begeistert von den Wellen. Tatsächlich. Je höher, je besser und ich bin – da war ich elf oder so – nachts manchmal aus dem Fenster geklettert, über die Dünen gelaufen, habe mich in diese riesigen Wellen geschmissen und vor Angst und Glück geschrien wie am Spieß.“ Das sei „leichtsinnig“ gewesen, aber ganz wundervoll.
Neues Album von Max Raabe kommt Ende September
Dass wir Max Raabe für diese DIFFUS-Titelstory gewinnen konnten, verdanken wir der Tatsache, dass er mit seinem Palast Orchester am 29. September sein neues Album „Mir ist so nach dir“ veröffentlicht. Anders als beim Vorgänger „Wer hat hier schlechte Laune“ aus dem Vorjahr, spielen sie nicht überwiegend Eigenkompositionen, sondern interpretieren Chansons und Schlager aus den 20er- und 30er-Jahren. Die Songs sind diesmal international – außer deutsch („Sie sind mir so sympathisch“, „Mir ist so nach dir“, „Unter den Pinien von Argentinien“) auch spanisch („Cubanacán“), französisch („La Mer“), englisch („Top Hat“) und italienisch („Un’ora sola ti vorrei“). Der Titelsong ist ein Hit aus der Zeit der Weimarer Republik von Leo Monosson, der bereits in einer früheren Staffel zu hören war. Max Raabe verrät in diesem Interview, dass die Arbeit für „Babylon Berlin“ den Ausschlag gab, dieses Album aufzunehmen.
Kapitelmarken:
00:00 Intro
00:32 Begrüßung und Max als frühe Inspiration von Max
01:54 Kindheit in den Wellen von Sylt
05:20 Sylt & Max Richard Leßmanns Großeltern
09:00 Das neue Album von Max Raabe mit den Klassikern der 20er und 30er
16:10 Über das (tägliche) Dichten
18:35 Über das Fahrradfahren und das Sammeln von Titeln und Zeilen
23:15 Fahrradfahren, Surfen und Kyte-Surfen an der Nordsee
29:30 Alkohol und „bewusstseinsreduzierende Drogen“
36:25 Über das Buch „Sylter Welle“ und den Regen auf Sylt...
44:50 Über das Touren und den Sommer in Berlin
46:30 Gute Ideen und die ersten Jahre von Max Raabes Karriere
52:47 Über eine mögliche Verfilmung von „Sylter Welle“, Max’ Großvater und KI vs. Kunst
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Hoziers neues Album „Unreal Unearth“ wurde inspiriert von den in der Hölle spielenden Kapiteln aus „Die göttliche Komödie“ vom italienischen Dichter Dante Alighieri. Wir haben Hozier besonders abgründige Verse (der englischen Übersetzung von Ciaran Carson) aus „Inferno“ vorgelegt – und gestaunt, wie gut er sich in der Hölle und im 14. Jahrhundert auskennt.
An diesem Freitag erscheint das dritte Studioalbum von Andrew Hozier-Byrne alias Hozier. Der irische Songwriter, der einst mit „Take Me To Church“ seine Karriere kickstartete, hat sich für die insgesamt 16 Songs auf „Unreal Unearth“ von einem epischen Poem des italienischen Dichters Dante Alighieri inspirieren lassen, der von 1265 bis 1321 lebte. „Die Göttliche Komödie“, die erst kurz vor Dantes Tod vollendet wurde, gilt als Meilenstein der Literaturgeschichte und ist in drei Teile gegliedert: „Inferno“ (Hölle), „Purgatorio“ (Fegefeuer) und „Paradiso“ (Paradies).
Hozier, der auf seinem Instagram- und TikTok-Account sehr oft über Bücher spricht und aus ihnen vorliest, hatte „Die göttliche Komödie“ während der Pandemie noch einmal gelesen und war wie die meisten Leser:innen vor allem vom Höllen-Part beeindruckt. Dante erzählt in den Versen von „Inferno“, wie er mit dem Geist des Dichters Vergil an der Seite die Hölle durchreisen darf. Dantes Hölle ist dabei in neun Kreise aufgeteilt. Jeder Kreis steht für eine Sünde und quält jene, die ihr erlegen sind. Im zweiten Kreis brüten zum Beispiel die Wollüstigen, im dritten die Gefräßigen, im Sumpf des fünften Kreises die Zornigen und im siebenten die Gewaltverbrecher. Auch Satan selbst hat in den Versen – neben vielen anderen mythischen Figuren – seinen eindrucksvollen Auftritt als Menschen snackender, dreimäuliger Riese.
Bloß kein Musiktheater!
Hozier hat in „Unreal Unearth“ allerdings nicht einfach die Verse oder Szenen Dantes in Musik verwandelt. Vielmehr hat er Motive und Figuren aus „Inferno“ in sein wie immer sehr persönliches Songwriting einfließen lassen. Der Song „Francesca“ zum Beispiel wurde von der Figur der Francesca da Rimini inspiriert – eine real existierende Person, die für ihre Liebe zu ihrem jüngeren Stiefbruder Paolo Malatesta im 13. Jahrhundert ermordet wurde. Dante griff diese zu seiner Zeit sehr bekannte tragische Liebesgeschichte auf und setzte die beiden in den zweiten Kreis der Hölle, wo sie für ihre Wollust büßen mussten. Hozier wiederum macht daraus nun einen wuchtigen Song über Liebe und Hingabe.
Im Interview sagte er uns über seine Arbeitsweise und die Verbindungen zu Dantes „Inferno“: „Als ich versucht habe ‚Inferno‘ in meine Songs einfließen zu lassen, musste ich erst die richtige Balance finden. Es gibt einige Songs, die sehr genau spezifische Elemente aufgreifen, aber als ich zu oft zu nah an Dantes Worten war, klang es schnell, als würde ich fürs Musiktheater schreiben.“ Seine Lösung des Problems: „Ich habe das nicht mehr so intensiv betrieben und lieber die Themen meiner Lieder an den neun Kreisen von Dantes Hölle ausgerichtet.“
„Es macht großen Spaß, Dante so zu lesen.“
Da wir wissen, dass Hozier ein ziemlicher Buchkenner ist und in Sachen Dante seine Hausaufgaben gemacht hat, luden wir zum vielleicht nerdigsten Reaction-Video ein, das wir jemals gedreht haben. Wir ließen ihn einige besonders brutale, lustige, eindringliche Szenen aus Dantes „Inferno“ vorlesen und kommentieren. Während Hozier zuletzt die Übersetzung des amerikanischen Dichters Robert Pinsky gelesen hatte, haben wir uns für die sehr moderne englische Interpretation des irischen Dichters Ciaran Carson entschieden. Denn auch das muss man wissen, wenn man sich mit Dante befassen will: Das Lese-Vergnügen oder die Lese-Qual hängt oft von der jeweiligen Übersetzung ab. Carson agiert in seiner Wortwahl recht frei, aber dafür hat sein „Inferno“ einen Flow, der dem Original sehr nahe kommt. Die britische Tageszeitung „The Guardian“ schrieb in ihrer Rezension, dass man dank dieser Übersetzung nun zum ersten Mal Spaß an der Lektüre haben könne. Und auch Hozier war recht angetan von Carsons Arbeit: „Ich mag diesen Tonfall sehr. Bei ihm klingt das so unbeschwert, fast gut gelaunt. Und der Text ist ja im Grunde trotz all der drastischen Bilder auch eine ‚Göttliche Komödie‘ – deshalb passt das sehr gut. Es macht großen Spaß, Dante so zu lesen.“ Das merkt man auch in diesem Video:
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Francesco Wilking stellt uns in seinem Top 5 seine liebsten Pasta-Sorten vor und klärt, welche Art von Penne die besten sind und wie lang man eigentlich Spagetti kochen sollte.
Francesco Wilking kennt man als Sänger und Songschreiber. Besonders als Stimme der Band Die Höchste Eisenbahn prägte er in den letzten zehn Jahren den Sound des deutschen Indie. Seit drei Jahren ist er auch Mitglied der Crucchi Gang, einem Projekt, das er unter anderem gemeinsam mit Sven Regener, Patrick Reising und Charlotte Goltermann während der Corona Pandemie ins Leben rief. Gemeinsam mit verschiedenen Vertreter:innen des deutschsprachigen Indie-Pops und -Rocks haben Franscenco Wilkig und der Rest der Crucchi Gang ihre Songs auf italienisch übersetzt und (teilweise) gemeinsam mit ihren ursprünglichen Interpret:innen ganz neu arrangiert. So wurde für das Projekt Crucchi Gang unter anderem der Jeremias-Song „Ich mags“ zu „Mi piace“ oder der Klassiker „Goldener Reiter“ von Joachim Witt zu „Cavaliere d’argento“.
Doch nicht nur das Wirken in der Crucchi Gang verbindet Francesco Wilking mit dem beliebten Urlaubsland im Süden: Francesco hat auch italienische Wurzeln – seine Mama ist Italienerin und noch heute hat er Familie in und um Rom und fühlt sich Italien sehr verbunden. Keine Frage also, welche Top 5 er bei uns vorstellt: Seine Top 5 Pasta-Sorten! Und dass sich Francesco damit wirklich gut auskennt, beweist er ohne jeden Zweifel: Wie viel Oberfläche sollte eine Pasta-Sorte für welche Soße haben? Welche Art von Penne sind die besten? Und wie lang sollte man eigentlich Spagetti kochen? Nach diesem Top 5 kann euch am Nudeltopf niemand mehr das Wasser reichen – außer vielleicht Francesco Wilking.
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#diffus #francescowilking #top5
My Ugly Clementine veröffentlichten im Jahr 2020 ihr Debütalbum „Vitamin C“. Drei Jahre später folgt nun der Nachfolger „The Good Life“. Die Indie-Band aus Wien entstand durch die Initiative von Sophie Lindinger, die, parallel zu ihrem Duo Leyya, einfach mal anfing, Musik zu schreiben und zu produzieren, ohne den Anspruch daran zu haben, dass sich etwas daraus entwickeln müsste. „Dann habe ich mir irgendwie gedacht, es wäre lustig das auch live umzusetzen und habe mir ein paar Leute gesucht, mit denen ich schon immer Musik machen wollte“, erzählt sie im Interview.
Nachdem das erste Album hauptsächlich von Sophie Lindinger ausging, schrieben die beiden Bandkolleginnen Mira Lu Kovacs und Nastasja Ronck nun an „The Good Life“ mit, aber „dadurch, dass ich das produziert habe und den Sound schon immer in der Produktion getragen hab, ist es halt trotzdem noch der Clementine’s Sound“, sagt Sophie. Der klingt nach handgemachtem, bewegendem Indie-Rock, der neben internationalen Lieblingen wie Boygenius, Courtney Barnett oder Pillow Queens mühelos mitspielen kann.
Nach der Albumveröffentlichung steht für My Ugly Clementine nun ihre Tour an. Dazu erklärt Mira: „Was mich wirklich extrem berührt, ist dass da so junge Menschen sind. Da spürt man natürlich viel Verantwortung, aber wenn die da dann in der nähe der Bühne stehen und Songs mitsingen: Das ist überwältigend!“ Im Interview finden wir heraus, welche Spiele die Band im Tourbus gerne spielt, wie viel am Mythos vom Rockstar-Leben dran ist und wie man es schafft, „nackig“ durch eine Übertragung von „Willkommen Österreich“ zu flitzen.
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#diffus #myuglyclementine
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#hiphop #rap #samydeluxe
Samy Deluxe liegt Rap am Herzen. So sehr, dass er den Release seines neuen Albums „Hochkultur 2“ auf den 50. Geburtstag der Subkultur gelegt hat, die er in Deutschland über Jahrzehnte geprägt hat. Pünktlich zur Veröffentlichung haben wir mit ihm deshalb einen kleinen Trip in die Vergangenheit unternommen und Samy Deluxe seine alten Musikvideos vorgespielt.
Bei der Vorbereitung ist uns nochmal bewusst gemacht: Nur wenige Rapper:innen hierzulande haben im Lauf ihrer Karriere so eine Wandelbarkeit und gleichzeitig konstante Souveränität bewiesen. Das beginnt schon bei unserer ersten Anspielstation: Auf „Grüne Brille“ empfängt uns ein ziemlich junger, schelmischer Samy, der damals noch im Kreis seiner Dynamite Deluxe-Crew, Joints von Hamburg bis Amsterdam vernichtet. Sein ergrautes, heutiges Ebenbild amüsiert sich über den Kiffer-Roadtrip, den sie damals für das Musikvideo veranstaltet haben und verkündet als Fazit: „Auf jeden Fall ein krasser Classic, hat viel bewegt in meinem Leben und hat definitiv irgendwas zwischen 500.000 und 1,5 Millionen Leute zum Kiffen gebracht, dieser Song.“
Der nächste Deutschrap-Classic folgt sofort: „Füchse“ von den Absoluten Beginnern. Hier erinnert sich Samy nostalgisch daran zurück, wie er zum ersten Mal Teile einer richtigen Videoproduktion war: „Ich war im Untergrund schon ein paar Jahre bekannt, aber nur für Leute die mich live irgendwo gesehen haben oder aus Hamburg waren und wussten, wie ich aussehe. Und dann war dieses Ding auf einmal auf Viva, MTV, egal, wo Videos liefen, lief dieses Video und jeder kannte meine Fresse.“
Aber es gibt auch Dinge, die Samy heute anders machen würde. „Dis is wo ich herkomm“ bezeichnet er als seinen „mit Abstand missverstandesten Song“. Der Song thematisiert Samys Identität als Deutscher und gehört ohne Frage zu den großen Hits seiner Diskographie, trotzdem räumt er ein: „Das ist irgendwie alles wahr, was ich sage und trotzdem ist es, dafür, dass ich mir so ein großes Thema vorgenommen habe, ein bisschen zu shallow, wenn man mich nicht kennt.“
Was Samy Deluxe über weitere Evergreens wie „Poesie Album“, seine beliebte „One Take Wonder“-Serie oder den Videodreh in New York für „Roter Velour“ zu erzählen hat, seht ihr im Video.
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#diffus #samydeluxe #reaction
Was klingt wie ein etwas exotischer Bandname, sind eigentlich nur die Spitznamen der Musiker Julian und Johannes. Judi&Cocho kommen aus dem tiefsten bayrischen Landidyll und haben schon länger in einer Band zusammen Musik gemacht. In der Pandemie schlossen sie sich dann als Duo zusammen und begangen als, Judi&Cocho Musik zu veröffentlichen. Was auf englisch begann, nahm Fahrt auf, als sie mit „Sie tanzt so gut“ anfingen, auf deutsch zu schreiben.
Als aufstrebender Indie-Act sollte man natürlich auch stets auf und abseits der Bühne gut gekleidet sein – eine Aufgabe, die die beiden sehr ernst nehemen. In ihrem Top 5-Interview präsentieren Judi&Cocho uns ihre Lieblingskleidungsstücke und verraten, wo sie die her haben: Zwischen Secondhand-Läden, den Kleiderschränken ihrer Eltern und der Post ist alles dabei. Wenn es geht, trägt Julian auch gerne mal Couch.
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#diffus #judicocho #top5
Lostboi Lino veröffentlichte vor paar Wochen sein zweites Album „Phase“. Der Stuttgarter hat damit eine Platte gemacht, die irgendwo zwischen Rap, Grunge und Pop-Punk liegt – er selbst nennt dieses Genre „Nu-Rap“. Was er vom aktuellen Pop-Punk-Hype hält, erzählt er uns im Interview: „Ich weiß noch damals, ich habe nach Jahren Musikabstinenz „Wenn du weinst“ gemacht […] und keiner hat es so wirklich verstanden. Jetzt war es irgendwie cool zu sehen, dass Leute es mögen.“
Im titelgebenden Track „Phase“ blickt er ein wenig auf sein jugendliches Selbst zurück. In der Hook singt er „It's just a Phase / It's not a Phase / It's just a Phase don't be afraid“ und verhandelt darin das Gefühl von „Mama, es ist keine Phase“, das man als Teenie hatte und gleichzeitig den Blick des Erwachsenen, der rückblickend sieht: es war tatsächlich nur eine Phase. Lostboi Lino erzählt uns außerdem, wie er mit dem Druck umgegangen ist, den viele Artists beim zweiten Werk empfinden und verrät, was es mit dem „Dilayla“ auf sich hat.
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#diffus #lostboilino #interview
Die Londoner Elektro-Pop-Künstlerin Georgia glänzt nicht nur mit DIY-Produktionen aus dem Schlafzimmer, sondern auch mit einer außergewöhnlichen Stimme, die sie auf ihrem neuen Album „Euphoric“ ins Spotlight rückt. Im Auto-Tune Interview haben wir sie dagegen mit dem namensgebenden Effekt verunstaltet und Georgia ihre eigenen Hit sowie die von New Order und Gorillaz singen lassen.
Vor über drei Jahren veröffentlichte Georgia ihr letztes Album. „Seeking Thrills“ war nicht ihre erste Platte, aber es sollte die sein, mit der die britische Sängerin, Produzentin und DJ einstimmig Lob und Begeisterung von Musik-Presse und Fans gleichermaßen bekam. Die darauf enthaltenen Elektro-Pop-Hymnen waren keine wummernden Erzeugnisse der Club-Welt, aber waren unmissverständlich von dieser beeinflusst und zeugten von Georgias Erfahrungen mit Rausch und Realitäts-Flucht. Entstanden waren all diese Songs in ihren eigenen vier Wänden, Stichwort Bedroom-Bop – ein schützender Rahmen, den Georgia kurz darauf allerdings sprengen sollte.
Im selben Jahr wie „Seeking Thrills“ erschien auch „Live Like We’re Dancing“, Georgias leichtfüßige Kollabo mit dem Produzenten Mura Masa. Ein Song, der nicht nur bei Fans überall auf der Welt Gehör fand, sondern es auch bis zu Rostam schaffte – selbst Komponist und Producer und Gründungsmitglied von Vampire Weekend. Dann ging alles ziemlich schnell: Rostam war begeistert von Georgias klarer, starker Stimme und ludt die Musikerin zu sich nach LA ein. Der Vibe war sofort da und die beiden erschufen in kürzester Zeit das Grundgerüst für „Euphoric“ – das dritte Album von Georgia.
Über dieses erste Zusammentreffen spricht Georgia mit uns im Auto-Tune Interview. Aber das ist eigentlich nur Nebensache: hier wird vor allem gesungen! Neben eigenen Bops stimmt Georgia für uns Evergreens wie „Blue Monday“ und „Running Up That Hill“ an – natürlich mit Auto-Tune auf der Stimme! Außerdem beweist sie, dass sie schon einige Beatboxing- und vor allem Club-Erfahrungen gesammelt hat. Welche Clubs man in Berlin unbedingt aufsuchen sollte und wie man sich in der Schlange möglichst nicht verhalten sollte, erfahrt ihr hier.
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#diffus #georgia #autotune
Wer schon so lange als Musiker unterwegs ist, kann beim Thema Schlafplätzen mit mehr aufwarten, als einem einfachen Bett – deswegen haben wir Bosse nach seinen Top 5 Schlafplätzen gefragt.
Bosse gehört zur deutschen Pop-Landschaft wie die Matratze auf den Lattenrost. Seit 2005 veröffentlicht er Musik und war seit dem eigentlich nie richtig weg. Mit seiner Musik versprüht er Positiviät und ein warmes Gefühl - alles was wir uns von deutschsprachiger Popmusik wünschen. Zuletzt brachte er gemeinsam mit Alligatoah die Single „Salzwasser“ heraus. Obwohl der Song die immer deutlich werdende Erderwärmung behandelt, schafft Bosse es mit dem Sound und seiner wie gewohnt lebensfrohen und zeitgleich schwermütigen Stimme, eine Stimmung zu erzeugen, bei der man nichtsdestotrotz tanzen möchte.
Neben Salzwasser kamen mit „Kreuzbergmädchen“ und „Ein Traum“ in diesem Jahr noch zwei weitere Singles von Bosse raus. Auf dem Hurricane Festival hat er dann sogar eine Live-Version von „Ein Traum“ aufgenommen und den Berliner Kneipenchor dafür kurzerhand gegen das riesigen Festival-Publikum ausgetauscht. Doch diese Single pflastern natürlich einen ganz besonderen Weg – und zwar den zum Albumrelease: Am 27. Oktober dieses Jahres erscheint die neue und neunte Platte „Vom Träumen“ von Bosse.
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#diffus #bosse #top5
Lea ist in den letzten Jahren an ihren persönlichen Mutproben gewachsen. In ihrem „Top 5" stellt sie uns diese vor.
Von Kassel nach Berlin, von Indie zum Pop: Sängerin Lea hat persönlich wie auch musikalisch eine Reise hinter sich. Aufgewachsen in Hessen, hat es die Musikerin für ihr Studium nach Hannover und schließlich für die Musik in die deutsche Hauptstadt verschlagen. In diesem Jahr hat die Wahlberlinerin ihrem aktuellen zuhause bzw. einer Straße in dieser Stadt sogar einen Albumtitel gewidmet: „Bülowstraße“.
Bülowstraßenkunst
Wer schon mal durch West-Berlin getingelt ist, könnte bereits Bekanntschaft mit der „Bülowstraße“ gemacht haben. Diese ist in Leas aktuellem Album der Schauplatz der fiktiven Geschichten, die sie auf insgesamt 21 Tracks erzählt. Eine Geschichte über Jugendliche, die in dieser Gegend aufwachsen, und alle Komplikationen, die diese Zeit mit sich bringt. Inhaltlich dreht es sich viel um die Liebe, wobei die romantische Liebe bei weitem nicht im Mittelpunkt steht. Es geht auch um familiäre Beziehungen, Verbindungen zu Freund:innen und um andere intensive Emotionen. Bei ihrem letzten Besuch bei uns im Studio hat Lea das Albumcover von„Bülowstraße" für uns auf die Leinwand gebracht. Das Ergebnis seht ihr hier: youtube.com/watch?v=KGiwGBHPntI&feature=emb_imp_woyt
„Bülowstraße" ist bereits ihr fünftes Studioalbum in sieben Jahren. Eine beachtliche Zeit in der sich nicht nur Leas Sound, sondern auch sie selbst immer wieder verändert und weiter entwickelt hat. Ganz besonders ist Lea vor allem an ihren Herausforderungen bzw. ihren sogenannten „persönlichen Mutproben" gewachsen. Egal ob es der erste Umzug oder der Upload ihres ersten YouTube Videos war: Durch das Verlassen ihrer eigenen Komfortzone während ihrer Karriere wächst Lea stetig weiter. Von den fünf prägendsten Mutproben in ihrem Leben erzählt uns Lea in ihren „Top 5".
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#diffus #lea #top5
Micha hat im letzten Jahr den Newcomer Flawless Issues während der Arbeit an seinem ersten Album in Berlin besucht. Zwischen Skatepark, Stammkneipe und WG-Zimmer ging es um Authentizität, Imperfektion und seine Freundschaft zu Edwin Rosen.
Ob Neue Neue Deutsche Welle oder New Wave: Der kühle, synthie-lastige Sound der 80er ist aktuell beliebt wie schon lange nicht mehr. In den internationalen Playlisten ganz vorne mit dabei: Flawless Issues, seines Zeichens Sänger, Songwriter und Produzent aus Stuttgart, der sich gerade auf der Zielgerade zu seinem ersten Album befindet. Wir haben den Newcomer im letzten Jahr mitten im Produktionsprozess in Berlin für ein Interview getroffen. Zwischen Skatepark, Stammkneipe und WG-Zimmer ging es um Authentizität, Imperfektion und seine Freundschaft zu Edwin Rosen.
Herbst 1966. Überall wo es Musik zu hören gibt, dudeln die „Good Vibrations“ der Beach Boys aus den Lautsprechern und versetzen die Welt in positive Schwingungen. Die dringen auch bis ins Jahr 2020 und zum Newcomer Flawless Issues durch – der den Klassiker glatt in ein neues-altes Sound-Gewand hüllt und damit seinen ersten kleinen Hit landet. „She’s giving me excitations“, singt der junge Musiker mit einer Stimme, die gar nicht so „excited“ klingt, über rumorenden New Wave-Bass.
Too cool for school
Auch wenn dieser Stil erst lange nach den Beach Boy aufkam, so ist er doch alles andere als modern. „In der Schule war ich immer so Außenseiter-mäßig was meinen Musikgeschmack betroffen hat. Ich hab als Kind nie Kindermusik gehört, weil mein Dad mir oft CDs gebrannt hat. Von meiner Mutter eher so Ambient-Sachen wie Moby und von meinem Dad viel Punkiges und American Hardcore und auch super viel Indie aus den 80er und 90er Jahren.“, erzählt uns Flawless Issues im Interview. Dank seinem Vater steht der Newcomer auch schon mit Kinderbeinen auf seinen ersten Skateboards – eine Leidenschaft, die ihn bis heute erfüllt und wegen der wir ihn im Dog Shit, seinem liebsten Skatepark in Berlin, antreffen.
New Wave vom iPhone
An der Rampe macht er vor einigen Jahren auch eine Begegnung, die alles verändert: Als Teenager treffen bei einem Skatecontest in Stuttgart der junge Flawless Issues und der junge Edwin Rosen aufeinander. „Er hatte so ein selbstausgeschnittenes Skateboard, mit Linol bedruckt, und das fand ich voll cool. Ich hab ihn drauf angesprochen und er mich auf mein T-Shirt, ich weiß gar nicht mehr was ich anhatte. Super obvious, wahrscheinlich Joy Division!“, erinnert sich Flawless Issues lachend. „Dann haben wir die ersten zwei Songs zusammen aufgenommen, „Cut The Rope“ und „Good Vibrations“, an einem Abend. Witzigerweise über ein iPhone, das ist ‘ne komplette iPhone-Production, wie Steve Lacy“.
In Sachen Produktions-Standards kann Flawless Issues heute mehr als nur Garageband. Nach der Skate-Session fahren wir mit dem Newcomer in den Neuköllner Schiller-Kiez, wo er zu diesem Zeitpunkt lebt. In der Stammkneipe treffen wir den Rest seiner WG auf ein paar Futschi, dann dürfen wir die heiligen Hallen sogar betreten. Im winzigen Zimmer von Flawless Issues gibt es keinen Zentimeter, der nicht mit Postern, obskuren Merchandise-Artikeln oder Musik-Equipment bedeckt ist. Zwischen Fragmenten seiner eigenen Musik und der seiner großen Helden erklärt Flawless Issues schlicht: „Ich würde nicht sagen, dass ich ein guter Musiker bin. Aber es reicht um Songs zu schreiben. Ich glaub’, das ist das wichtigste“.
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Paula Carolina verrät uns im Videointerview, wieso ein Besuch beim Friseur maßgeblich für den Erfolg ihres am meisten gestreamten Songs verantwortlich ist.
Was macht man, wenn man allein in einem Café sitzt, aber dabei cool aussehen will? Man schreibt in ein Notizbuch. Zumindest in Paula Carolinas Welt: „Ich sitze unheimlich gerne in Cafés. Und diese Texte habe ich eigentlich nur geschrieben, weil ich so wie alle anderen sollen Leute in Berliner Café ein Notizbuch dabei haben wollte und so tun wollte, als hätte ich irgendwas zu tun." Irgendwann sitzt die Newcomerin Tag für Tag in dem selben Café und es entstehen täglich neue Song-Skizzen. Parallel dazu improvisiert Paula auch am Klavier, ohne es dabei wirklich „Songwriting" zu nennen. Erst als sie ihre Texte und Melodien zusammenbringt, geht ihr so richtig ein Licht auf. In Songwriting-Camps lernt sie später auch ihren aktuellen Gitarristen kennen, der auch heute noch mit ihr gemeinsam auf der Bühne steht.
Mit „Aus der Blüte des Lebens" erschien im April 2022 Paula Carolinas erste EP, doch seit dem Release hat sich bei der Newcomerin musikalisch bereits einiges getan. „Mein Sound ist irgendwie von ‚Ich-mach-gern-Musik-und-schreib-Texte-über-Themen-die-mich-beschäftigen' zu ‚Ich-steh-auf-der-Bühne-und-will-das-die-Leute-eskalieren' geswitcht.", erklärt sie. Besonders ein Song ist maßgeblich an dieser Entwicklung beteiligt: „Schreien!", besonders im Turbo Remix von Marti Fischer. Das es diese Version aber überhaupt erst gibt, ist eigentlich ein krasser Zufall – geplant war da nämlich nichts. Schuld daran ist einzig und allein Paulas Besuch beim Friseur. Wieso, weshalb, warum - das erfahrt ihr im Videointerview.
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#diffus #paulacarolina #interview
In seinem Leben stand Dominik Hartz bereits einige Male im Rampenlicht. Uns berichtet er von den skurrilsten, schönsten und witzigsten Momenten auf der Bühne in seinem „Top 5".
Dominik Hartz wächst behütet in Schleswig-Holstein auf, zieht dann allerdings 2018 für sein Schauspielstudium nach Berlin. Parallel interessiert er sich auch für die Musik, versucht sich sogar bei „The Voice Of Germany“ und veröffentlicht seit 2019 eigene Songs. Die klingen nach Akustik-Sounds, Indie-Pop und Sprechgesang, hin und wieder trifft man auch mal House-Beats an. Kürzlich erschien seine neuste EP „Was ich will" und auf die erste ausverkaufte Tour folgt nun im Oktober 2023 bereits die nächste.
In seinem Leben stand Dominik Hartz also schon oft auf der Bühne. Doch wie es eben so ist: Da oben im Scheinwerferlicht läuft nicht immer alles ganz rund. Eine ganz besonders peinlicher aber auch lustiger Moment ereignet sich während seines Schauspielstudium während einer Vorstellung im dritten Jahr. Eine Namensverwechslung seiner Kollegin, die Dominik bis heute im Gedächtnis geblieben ist: „Das war Silvester. Wir haben die Silvestervorstellung gespielt und einen Sekt vorher getrunken – weil, es war ja die Silvestervorstellung. Und ganz am Ende liege ich bzw. meine Rolle im Schoß meiner Frau und sie sagt statt Hendrick – an genau der richtigen Stelle, alles war still – Dominik. Und hinten hat man schon gehört, wie Leute anfangen zu lachen, weil sie halt das Programmheft gelesen haben und wussten wie ich heiße – bis der ganze Saal dann irgendwann angefangen hat zu lachen."
Doch das wars noch längst nicht. Wie Dominik in der Kirche fast blank gezogen hat und warum sein ganzer ehemaliger Abi-Jahrgang einen Song von ihm auf der Bühne sang, das erfahrt ihr im YouTube-Video.
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#diffus #dominikhartz #top5
Wir haben mit LUNA und TRÄNEN im Stadschloss Weimar im Rahmen des ReBoot Culture Programmes Live Sessions gedreht. Pia sprach mit Friederike von Rosenberg, Direktorin Schlösser, Gärten, Bauten der Klassik Stiftung Weimar.
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„Symphonie", „Das Beste", „Irgendwas bleibt" - die Diskografie von Silbermond ist gespickt mit Hits. Wir haben Stefanie Kloß und Andreas Nowak mit ihren alten Musikvideos konfrontiert.
Im nächsten Jahr wird gefeiert, denn dann ist es bereits sage und schreibe 20 (!) Jahre her, dass Silbermond mit „Verschwende deine Zeit“ ihr Debütalbum veröffentlichten. Mit „Durch die Nacht“ und „Symphonie“ gelang es der damaligen Schülerband aus Bautzen die deutsche Popmusik aufzumischen. Seitdem sind sie nicht von der Bildfläche verschwunden. Die Pop-Rock Band hat mit zahlreichen deutschsprachigen Balladen große Erfolge feiern können, Hallen gefüllt und mit jedem Album erneut von sich Reden machen können. Der Erfolg ist seit 2004 nicht abgebrochen und Silbermond nach wie vor eine der relevantesten deutschen Pop-Bands.
Das aktuelle Album von Silbermond trägt den Titel „Auf Auf" und erschien bereits am 2. Juni. Anlässlich dessen haben wir Sängerin Stefanie Kloß und Drummer Andreas Nowak (auch Nowi genannt) zu uns ins Studio eingeladen. Doch statt eines klassischen Studiointerviews zur neuen Platte, haben wir mit den beiden in die Vergangenheit geschaut und ihnen ihre alten Musikvideo gezeigt. Mit dabei: „Symphonie", „Das Beste" oder „Irgendwas bleibt". Außerdem hatten die beiden auch eine gute Geschichte zu einem ihrer neuen Musikvideos mit dabei.
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LUNA hat ihren Song im Stadtschloss Weimar eine Live Session gespielt. Pia traf sie zum Interview.
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TRÄNEN haben im Stadtschloss Weimar eine Live Session gespielt. Pia hat sie zum Interview getroffen.
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#diffus #rebootculture #livesession
TRÄNEN haben im Stadtschloss Weimar den Song „Duell der Letzten“ von Chaos Z gespielt.
Über TRÄNEN
TRÄNEN, das sind sind die Leipziger Sängerin Gwen Dolyn von der Band Toyboys und Steffen Israel von Kraftklub. Die beiden Namen sind keine Unbekannten in der deutschsprachigen Musiklandschaft. Gwen Dolyn macht seit 2020 solo Musik. Was zuerst wilder Slop-Pop und Grunge war, hat sich mittlerweile in Richtung Neue Neue Deutsche Welle entwickelt. Währenddessen ist Steffen Israel bekannterweise Kraftklub-Mitglied, unterstützt die Band seit jeher mit seiner Gitarre und formte damit den deutschsprachigen Indie-Rock nachhaltig. Wie genau der Sound von TRÄNEN aber klingen würde, wussten wir bis dahin noch nicht – doch ihre erste gemeinsame Single „Sture dummes Herz“ sorgte für Aufklärung. Gemeinsam haben Gwen Dolyn und Steffen Israel als TRÄNEN ihr zuhause im Sound der Neuen Neuen Deutschen Welle gefunden. Hier kommt das Beste aus NDW, Post Punk und Synth Pop zusammen. Doch „Stures dummes Herz“ lädt nicht nur dazu ein, auf der Tanzfläche abzugehen, sondern ist auch was fürs Herz.
Über "ReBoot Culture"
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#diffus #livesession #tränen
LUNA hat ihren Song „schwimmen“ live im Stadschloss Weimar performt – in einer besonderen, reduzierten Version mit Vocoder.
Über LUNA:
LUNA hat mit ihren 20 Jahren schon einiges abgerissen – und dabei ist sie gerade erst aus der Schule raus und von Passau nach Berlin gezogen. Für die 2002 in Vilshofen an der Donau geborene Sängerin kam der Erfolg quasi über Nacht, als sie auf TikTok ein Snippet ihres Songs „Verlierer“ postete und die Piano-Ballade amtlich viral ging. Parallel dazu machte LUNA übrigens auch noch ihr Abi und kümmerte sich eine Weile mehr um Referate und Klausuren als um Chart-Platzierungen. Mittlerweile aber ist sie fest in der deutschen Pop-Welt verankert: Im August 2022 veröffentlichte sie ihre Debüt-EP „Verlierer“ – eine Art auditives Coming-of-Age-Erlebnis. All die Hürden, die überwunden werden müssen, wenn es darum geht aus der eigenen Komfortzone auszubrechen, werden darin behandelt. Im Herbst 2023 startet bald ihre nächste Tour.
Tickets LUNA Tour September 2023: https://www.ticketmaster.de/artist/luna-tickets/1047802
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